Живопись цветы акварель картинки: ( ) | C | contemporary art

Fabio Cembranelli (с)

Сегодня всех любителей акварели  ждет подарок.   Представляю одного из самых известных современных бразильских акварелистов Fábio Cembranelli, чьи картины цветов, написанные акварелью, известны и любимы.

Fábio Cembranelli закончил государственный университет в Сан-Паулу по специальности — архитектор. Но, уже имея диплом архитектора, решил более глубоко изучить искусство рисования, поступил на курсы рисунка и фотографии.

Fabio Cembranelli (с)

Затем в 80-90-е г. продолжил свое саморазвитие в Соединенных Штатах, был в Европе…

Сейчас Fábio Cembranelli дает мастер-класс во многих странах мира. Он является членом жюри в многочисленных художественных конкурсах. На выставках картины Fábio Cembranelli получают престижные награды.

Посмотрите на его технику.

Акварельная живопись — цветы  Fábio Cembranelli

 сайт художника

Еще!!

Картины Акварель на холсте, каталог акварельных рисунков.

Картины Акварель — разливы красок в дизайне интерьера

Воздушные и будто живые, слегка размытые, словно мы смотрим сквозь дымку тумана или пелену дождя, поразительно реалистичные, с четко прорисованными деталями — таким живописным разнообразием поражают картины акварелью. Все зависит от техники, стиля и мастерства автора.

Последнее время чрезвычайную популярность завоевали акварельные градиенты и абстракции. Причудливые композиции, которые, кажется, появились абсолютно случайным образом, благодаря небрежному взмаху кисти. Здесь мы видим брызги краски, потеки, штрихи, росчерки, будто художник в эмоциональном порыве просто выражал свои чувства. Тем не менее, такие композиции невольно приковывают взгляд, являя глазам эстетику цвета. Подобные сюжеты «раскрашивают» самые разнообразные помещения: от офисов до спален и творческих студий. Если говорить о стиле, акварельные абстракции зачастую покупают для декорирования таких стилей, как контемп, фьюжн, бохо. Кроме того, с помощью фантазийного сюжета можно запросто освежить множество современных композиций.

Многие, наверняка, замечали разноцветные кляксы и разливы краски на стенах, на холстах, в дизайне текстильных изделий. Такой эффект чаще всего получается с помощью акварельных красок. И мировые дизайнеры уже который год относят акварельный градиент и красочные абстракции в число трендовых. Такие живописные принты мы можем заметить во многих современных интерьерах, что, несомненно, придает им творческих ноток.

Живопись акварелью предполагает набор различных техник, каждая из которых способна создавать восхищающие композиции. При этом подобные рисунки требуют бережного хранения и в качестве декора не во всех случаях способны пройти испытание временем. Современные технологии позволяют перенести и увековечить полюбившееся изображение на холсте.

В нашей студии вы можете купить картину Акварель, выбрав изображение из каталога или загрузить свой рисунок для печати. Красочные пейзажи, портреты, выразительная графика, цветы — вся красота окружающего мира замечательным образом передана акварелью и может преобразить дизайн интерьера.

Канадская художница Marney Ward. Картины цветов акварелью

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Еще одна галерея с цветами. На этот раз цветы акварелью. И что мне у сегодняшней художницы более всего нравится – крупные планы. Можно сказать МАКРО-живопись. В сочетании с яркими чистыми цветами производит очень хорошее впечатление… Конечно, здесь реагируешь более всего прочего на цвет. Думаю, в сегодняшней галерее каждый отзвучит на свою палитру. А  художница использовала ее почти всю…

   Канадская художница Marney Ward родом из провинции Онтарио, в семидесятых годах получила степень доктора философии в Университете Британской Колумбии. Ее работа была связана с искусством и поэзией Уильяма Блейка, увлечение которым привело ее к учителю Йоги, проживающего в Европе. Следующие десятилетия она посвятила трансцендентальной медитации. В начале девяностых, когда ее ребенок учился в школе, Marney Ward решила вернуться к своей первой настоящей страсти – живописи. В классе по китайской живописи она узнала различные приемы и манеры письма, изучила всевозможные проблемы связанные с материалами и свойствами воды….

     Позже Marney была вдохновлена своим духовным наставником Эмили Карр на ​​выражение красками духовной стороны жизни.

     Марни училась акварели у таких художников как: Карен Гейне, Анна Хантер, Sheena Лотт, Brent Heighton, Алан Брюс , Элизабет Кинкейд, и многих других. От каждого из художников она что-то узнавала, и при этом продолжала развивать свой ​​собственный уникальный стиль: большие, яркие работы, которые показывают не только мельчайшие детали каждого цветка, но и свою эмоциональную и духовную связь с этим цветком.

    Также, Марни более 15 лет преподавала акварельные классы в Колледже. В настоящее время преподает уроки в своей собственной студии дома.

Другие материалы из этой категории:

10 практических советов из 10 лучших книг по акварели

Приветствуем вас в нашем акварельном уголке. Давайте вместе вспоминать, какое это удовольствие — рисовать акварелью. Это волшебный процесс и удивительный результат, если перестать бояться и найти немного времени. Можно создать красивый рисунок, даже если вы не умеете рисовать вовсе. Вы убедитесь в этом сами, когда выполните эти несколько упражнений, которые мы подготовили специально для вас из наших лучших книг по акварели.

1. Мир акварели

Книга про рисование без правил. Вы и не думали, что акварель может быть такой — свободной, необъятной, сияющей. Вас ждут эксперименты, необычные эффекты, пошаговые демонстрации и практические рекомендации.

Не важно, кто мы, сколько нам лет и какой у нас опыт, — мы всегда можем научиться новому.

Играем с акварельными пятнами

В этом упражнении мы нанесем рядом смелые оттенки оранжевого и фиолетового и посмотрим, как они плавно соединятся в центре листа. Попробуйте делать цветовые переходы, в которых нельзя определить, где начинается один оттенок и заканчивается другой. Слияние должно выглядеть гармоничным. Рассыпьте соль по всей поверхности еще влажного листа: мелкую соль с одной стороны и крупную каменную — с другой. Дайте работе высохнуть.

Эта техника подойдет для изображения петухов и животных с кудрявой шерстью, например пуделей или овец. Видите ли вы в своих узорах силуэты?

2. Как понять акварель

Пожалуй, это одна из самых красочных и больших книг, которые у нас есть. Почти 200 картин лучших акварелистов под одной обложкой! Их общий знаменатель — уважение к краске и уверенность при работе с ней. В этом пособии известный художник и опытный преподаватель Том Хоффманн раскрывает тайны акварельной живописи и делится профессиональными хитростями.

Вы научитесь ДУМАТЬ как акварелист.

Почему вы хотите нарисовать именно это?

Обычно художник пишет не столько предмет изображения, сколько свое понимание этого предмета. Большая часть удовольствия от созерцания живописных шедевров заключается в том, что мы — осознанно или нет — проникаем в авторский замысел.

Разобраться в причинах — первое, что следует сделать перед тем, как приступить к работе. Выбрав предмет изображения, спросите себя: «Что именно в нем меня привлекает?» Прежде чем принимать решения о том, как писать, нужно сосредоточиться на том, почему я хочу это сделать. Подумайте об этом — и тогда то, что привлекло вас изначально, гарантированно станет частью готовой работы.

Художник, научившийся разделять то, что следует и что не следует изображать, смело воплощает любые свои идеи.

3. Скетчбук художника

Скетчбук — отличное место для воплощения любых идей художника. Эта книга — об импровизации. О том волшебстве, что превращает предметы и объекты, эмоции, впечатления, запахи и звуки в воспоминания. Большинство рисунков, которые описаны в этой книге, выполнены акварелью.

Вместе с известными современными художниками отправитесь рисовать в пустыни и чащи, столицы и маленькие города. Попробуете работать в одиночестве, с другом и в группе. Посмотрите, как выбирать сюжеты, упрощать их или работать медленно и вдумчиво. Вот пример акварельного скетча.

Скетч любимого сюжета

Начните с маленького эскиза, затем набросайте контуры скетча. На следующих шагах добавляйте заливку общих планов. А затем проработайте детали сухой кистью или гуашью.

Такой акварельный скетч будет вызывать гораздо больше эмоций, чем простая фотография.

4. Портреты фруктов и овощей

А тех, кто заинтересован в ботанической иллюстрации, порадует книга Билли Шоуэлл «Портреты фруктов и овощей». Ее книжка с потрясающими иллюстрациями очарует кого угодно и научит с ходу рисовать аппетитные картинки. Мы даже немного опасаемся за страницы этой книги: некоторые вам точно захочется попробовать на вкус, настолько реалистичными получаются рисунки.

Рисуем чернику

Нарисуйте контуры черники. Сделайте размывку из кобальта синего. Смочите ягоду водой. Нанесите краску вверху и с левой стороны. Пока краска высыхает, приготовьте густой замес из кадмия красного темного, французского ультрамарина и небольшого количества кадмия желтого светлого. Увлажните ягоду, дождитесь, когда вода впитается, капните полученной смесью. Не закрашивайте блики. Нанесите краску. Чистой влажной кистью смягчите края и убедитесь, что краска не стекает на блик.

Пока краска сохнет, кончиком кисти «подгоните» темный цвет туда, куда вам нужно, включая мелкие выступы (точки) вдоль верхнего края ягоды. Приготовьте насыщенную смесь из индиго и кадмия красного темного и нанесите краску на ягоду кончиком кисти. Работая в технике сухой кисти, добейтесь самого темного тона. Придайте рисунку реалистичности, влажным кончиком кисти смягчив края. Заострите детали.

5. Портреты цветов от А до Я

Еще одна книга Билли Шоуэлл станет источником вдохновения как для новичков в ботанической иллюстрации, так и для тех, кто уже освоил азы. Основная часть книги посвящена 40 мастер-классам — портретам цветов от А до Я. Каждый портрет сопровождается пошаговой инструкцией и списком смешанных цветов, которые были использованы при рисовании. Для начинающих художников есть подробный раздел про материалы, технику и цвет.

Три кисточки плюс базовые акварельные цвета — и на вашем столе пленительные тонкие стебли, хрупкие бутоны, бархатные листья, райской красоты лепестки.

6. Акварельное вдохновение

А потренироваться в выстраивании композиции и подборе цвета поможет этот необычный творческий альбом с наклейками. В нем 60 прекрасных акварельных рисунков природы в разные времена года, созданных четырьмя художницами из разных стран мира. В конце книги находятся листы с наклейками (целых 500 штук!), которые помогут составить собственную картину. Это почти как живопись, только с помощью наклеек.

Рассматривайте изображения цветов, ягод, бабочек, птиц, деревьев и ждите в гости музу! Если вы не выпускаете из рук кисти и краски, то наверняка найдете в альбоме идеи для своих картин. Потренироваться можно прямо на страницах книги: просто дорисуйте композиции акварелью. Или берите наклейки — и вперед, творить.

7. Ботанические портреты

В своей третьей книге Билли Шоуэлл рассказывает о материалах, приемах и техниках, которые применяет для создания невероятно прекрасных портретов цветов, фруктов и овощей. На примере изображений цветов, зелени, фруктов и овощей Билли знакомит читателя со своими живописными техниками, которые вдохновят художника любого уровня. Вы узнаете, как рисовать лепестки, зубчатые края, бархатистые поверхности, пушистые почки, глянцевые листья, мелкие узоры, детали соцветий.

Работа кистью № 4

Соболиная кисть № 4 отлично подходит для рисования небольших растений. Маленький лепесток можно изобразить одним или двумя мазками. Кисть удерживает и отдает оптимальное количество краски, а длинные тонкие полоски на стебле можно нарисовать, не набирая краску заново.

8. Когда солнце было кляксой

В этом блокноте есть несколько упражнений на работу с акварелью. Они подойдут для разминки и научат чувствовать цвет и форму. Это не просто раскраска или книга про линии! Она поощряет мыслить творчески, рисовать свободно и искать свой собственный стиль в искусстве.

Упражнение

Подготовьте фиолетовую, синюю и зеленую акварель. Выполните эти простые 4 упражнения на фантазию и раскрепощение. Почувствуйте свободу движений, легкость мазков и радость от процесса.

9. Артбук. Ваша жизнь в словах и картинках

Ваш артбук — место, где вы можете спокойно импровизировать, совершенствовать навыки рисования и фиксировать важные идеи и события вашей жизни в творческой форме. Эта яркая книга даст вам вдохновение и все необходимые инструменты для того, чтобы создать свой альбом и рисовать в свое удовольствие.

Кисть с резервуаром

Совершенно неважно, где вы находитесь: мир на каждом шагу дарит нам поводы испытать удивление и уважение. Все это достойно занесения в артбук. Кисти с резервуаром очень выручают тогда, когда нет возможности разложить вокруг все необходимые акварельные принадлежности — в кафе, самолете, на природе.

В книге — множество советов, которые помогут начать творить, заносить воспоминания в артбук, развивать свои таланты на его страницах.

10. Хирамеки

«Хирамеки» в переводе с японского означает «своеобразный стиль», «особый отпечаток», «место, где встречаются каракули и воображение». Проще говоря, это искусство превращения случайной кляксы во что-то удивительное с помощью нескольких точек и линий. Если верить тем, кто говорит, что счастье в мелочах, то эта книга должна долго развлекать ваши глаза, руки и голову.

Попробуйте сами — поставьте несколько акварельных цветных пятен, а потом создайте из каждого рисунок, образ, картинку.

А если вдруг не окажется акварели под рукой, то в этом блокноте авторы уже приготовили для вас сотни пятен, чтобы вы могли запустить свою фантазию.

Чем больше вы будете практиковаться, тем увереннее будете чувствовать себя в живописи акварелью. А сейчас отправляйтесь к холодильнику, книжной полке, в кафе или на прогулку и нарисуйте что-нибудь!

Вконтакте

Facebook

Twitter

Другие подборки

выбираем лучшие из лучших (+20 фото)

Самые первые краски, с которыми знакомятся наши дети, далеки от гордого звания «акварельных». Наш ребёнок получает небольшую симпатичную пластиковую коробочку с 6-8-ю яркими цветами под прозрачной крышкой и кошмарной пластиковой кисточкой внутри, которой проще размазывать клей по картонке, чем творить шедевры. А между тем, акварельные краски были известны и в Древнем Китае, и в Египте, и в Риме и Греции, правда, использовались они по большой части не по назначению, а для письма и графических иллюстраций к тексту, потом – для макияжа, и уж только после – для рисования.

Живопись акварельными красками, как таковая, возникла гораздо позже, лишь в конце XVIII века. В начале XIX века она окончательно оформилась, как самостоятельный вид искусства и стала считаться предметом увлечения для избранных особ, которые могли позволить себе часами овладевать этой сложной техникой рисования.

Техники рисования акварелью

Название техники находится в прямой зависимости от влажности бумаги, на которую наносится рисунок. Так, техника «английской акварели» выполняется на мокрой бумаге, «итальянская» – «по-сухому». Комбинация этих техник даёт воистину прекрасные произведения, где мягкие цветовые переходы очерчены строгими рамками другого полупрозрачного тона.

A la Prima – быстрое письмо по мокрому полю, создание неповторимых эффектов разводов, перетекание одного цвета в другой, с разноцветными переливами и прозрачным «стеклянным» фоном. Эта техника требует отточенности чувства цвета и композиционного решения, т.к. пишется за один сеанс – возможность каких-либо исправлений исключена. Это однослойная техника.

Многослойная предполагает искусство лессировки – способ нанесения акварельных красок полупрозрачными мазками, более тёмных на более светлые (и наоборот), уже высохшие слои. В лессировке мазки редко смешиваются, часто даже видны границы самого мазка, но просвет бумаги должен оставаться обязательно и верхний цвет совершенно необязательно того же оттенка, что предыдущий.

Это лишь общие понятия о множестве техник и «подтехник», доступные и понятные для художников, избравших для своей музы художественную краску акварель. Но пока это всё ещё не доступно для юного «Микеланджело» — вашего ребёнка, ему только предстоит узнать, как смешивать цвета для выбранного рисунка, как выбрать подходящую кисть и технику, как обрести свою собственную манеру письма, чтобы его работы узнавали «по руке мастера», а картины знали «в лицо».

Со временем он начнёт разбираться в красках и холстах, тональностях разных мазков по степени влажности разных частей бумаги и пр. и пр., а для начала ему надо просто купить хорошие акварельные краски 12 цветов любой понравившейся вам марки.

На видео: проверка акварельных красок на качество.

Акварель отечественного производства

Отложим в сторону художественные краски для детей с 6-ю кюветами и топорщащейся во все стороны щёткой, без зазрения совести именуемой «кисточкой для рисования». Присмотримся к продукции ОАО «Гамма» (Москва) и ЗХК (Завод художественных красок) «Невская палитра» (Санкт-Петербурга).

«Гамма» – очень неплохая акварель для первых шагов в мир искусства, но до уровня профессиональных красок она всё-таки не дотягивает, хотя и значится таковой.

А вот Питерские акварели – настоящая легенда со времён СССР. Такие названия, как «Сонет», «Нева», «Ладога», «Белые ночи» музыкой звучат для ушей художников-акварелистов, знакомых с детства с яркими, красивыми цветами в мини-контейнерах. Это не только широчайшая гамма цветовой палитры, это – высочайшее качество продукции!

Акварели в наборе «Ладога» – маркированы, как краски профессиональные, и для профессионального обучения.

«Сонет» и «Белые ночи» подойдут как крутым акулам кисти, так и ребёнку для знакомства с канонами акварельной живописи. Краски отличаются отличной смешиваемостью, экономичностью использования.

Сами кюветы-контейнеры заполнены полностью, сверху наложена плёнка с правильными названиями цветов на двух языках, что поможет ребёнку сразу выучить название краски на русском и английском. 12 или 16 цветов вполне достаточно для первых уроков, 36 – много и дорого, но лучше всего приобрести набор из 24-х кювет. Конечно, и из 12-ти цветов можно получить достаточно большое количество красивых смешиваемых цветов с различными оттенками, но выбор 24-х будет оптимальным, да и цена по карману не ударит.

В принципе, какой бы из питерских наборов вам ни приглянулся, вы не прогадаете: все они похожи между собой, у всех цвета яркие, декоративные, а пигменты вообще одинаковые. Разница лишь в цене. Удобен и тот факт, что любую из использованных кюветок легко заменить, докупив точно такую же отдельно от набора, и вставив в освободившееся гнездо.

Совет! Не выбрасывайте опустошённые ванночки-кюветы! Они ещё не раз пригодятся вашему юному художнику для хранения смешанных красок, которые он научится составлять сам.

Зарубежные аналоги

Есть ли альтернатива питерской акварели? Есть. Поскольку с российским производителем мы определились, посмотрим, какие акварели нам предлагают «забугорные друзья»:

Знаменита не только своими тюльпанами, но и изумительной акварелью Van Gogh (Ван Гог), выпускаемой заводом Royal Talens. Имя этого художника должно знаменовать высокое качество краски, и это полностью оправдывает её название. Учитывая солидный возраст бренда и его непоколебимость на рынке художественных изделий, можно не сомневаться в качестве этих живописных красок.

Под маркой «VG» выпускаются пастели, бумага, холсты, кисти и карандаши. Все краски могут быть как в кюветах, так и в тубах (тюбиках).

Голландия может предложить и другую линейку Royal Talens – акварельные, масляные и акриловые краски Rembrandt (Рембрандт). Это самый старый бренд, известный с 1899 г, как вино – чем старше, тем лучше вкус (качество). Это воистину культовый бренд!

Выпускает Royal Talens и жидкую акварель Ecoline в фирменных квадратных бутылочках.

Славится брендом «флорентийского производства» — акварелью, маслом, акрилом натурального и синтетического состава Da Vinci (Да Винчи). Краски выпускаются в двух наборах: для профессионалов и начинающих художников – study. Но особое признание получили немецкие кисти, которые изготавливаются вручную из меха колонка, соболя, песца и щетины вола. Есть и синтетические аналоги. Если есть возможность выбрать кисти, то остановитесь именно на них. Это – лучшие из лучших!

Среди немецких брендов явно лидируют краски фирмы Schmincke – акварельные краски AKADEMIE® Aquarell (премиум класса). Они созданы по старинным, можно сказать, семейным рецептам. Но мы не будем останавливаться на них – цена в 130$ за одну кювету не отпугивает только профессионалов.

Представлена компанией Sennelier, основанной Гюставом Сеннельѐ в 1887 г. Красками Sennelier вполне могли пользоваться и Пикассо, и Сезанн, Гоген и сам Ван Гог. Компания выпускает профессиональные художественные акварели Sennelier Artists для высоких профессионалов (другое название «L’aquarelle») в 98 (!) цветов и акварель классом пониже – «Raphael» (Рафаэль). Однако, независимо от класса, обе краски сделаны только на натуральных основах, в частности – на меду.

Конечно, не могла остаться в стороне, и с 1832 г выпускает фантастический по своему качеству товар компании Winsor&Newton – художественные краски (акварель, масло, акрил) «Winsor&Newton» (Винзор энд Ньютон). Начало триумфальному шествию продукции положило объединение профессиональных интересов художника Генри Ньютона и химика Уильяма Винзора.

Как принято во многих других компаниях, акварельная краска winsor newton «W&N» выпускается двух классов: «Winsor&Newton cotman» — для общих работ, и «Winsor&Newton artist» — для создания высокохудожественных акварелей. Компания славится также товарами для графики и выполнения каллиграфических работ. Голова идёт кругом от разнообразия акварельных изысков!

Что лучше выбрать?

Проведём небольшой сравнительный кастинг между самыми популярными марками. В кастинге на право называться «Наилучшим акварельным набором для начинающих» участвуют:

• «Белые ночи» — БН.

• «Winsor&Newton Cotman» — W&N.

Палитры всех наборов яркие, сочные, богатые, крупинок не заметно (качественный перемол пигментов), значит, не будет и остатка. При плотном покрытии бумаги VG поверхность краски начинает чуть поблёскивать, словно покрытая тонкой плёнкой лака. Ни БН, ни W&N такого эффекта не дают. 

Однако в наборе VG нет фиолетового цвета, зато небесный оттенок синего и голубого – выше всяких похвал! Фиолетовый придётся покупать (другого бренда) или смешивать из имеющихся цветов.

Вымывка применяется для удаления основного покрытия (краски) с бумаги влажной или отжатой кисточкой по непросохшему слою по желанию художника. Все три акварели удаляются легко, оставляя за собой лишь слабый оттенок – часть пигмента. 

Попробуем переход цвета в цвет. У акварели VG переход плавный и смешивание происходит легко, без резкости и грязи. БН «зависает» в структуре зернистой бумаги, то же демонстрирует и W&N. Это не катастрофа. При смене бумажного поля всё проходит, как по маслу!

У красок W&N зелёный менее насыщенный, чем у БН и VG. Чтобы получить должный цвет, приходится гуще накладывать краску – лучше заменить кювету на ванночку из другого набора.

Все три претендента даже при сильном размывании водой показали высокую светостойкость (рисунок не будет выцветать), яркость красящего пигмента и хорошую прозрачность. У всех трёх оттенки мягкие и отлично взаимодействуют между собой (хорошее смешивание), высокая степень вязкости. Замечания к БН – проигрывают по мелкотёрстости состава, зато значительно опережают «соперников» по лёгкости набора на кисть и по созданию тёмных, глубоких, завораживающих оттенков в процессе смешения красок.

Выходит, процесс покупки хорошей акварели для ребёнка затягивается: каждый из претендентов хорош по своему и каждый имеет свои специфические недостатки. Так что делать? Купите ребёнку любой желаемый набор, который ему понравится. Пусть выберет он!

Проследите, чтобы в наборе обязательно присутствовали базовые цвета акварели: кадмий жёлтый, оранжевый, кадмий красный, охра, железо-окисная красная, краплак (карминовая), зелёная, голубая, ультрамарин, изумрудная и умбра жжёная (чёрная). Остальные можно докупить по отдельности, не взирая на марки и бренды.

И – бумага! Бумага очень важный момент! Она не менее важна, чем сама акварель и кисти для работы с этой краской. Те, кто пишет акварелью давно, уверяют, что 50% успеха зависит не от состава или бренда красок, а от выбранной бумаги. Выбирайте бумагу с хорошо выраженной структурой – зернистостью. Бумага для акварели не должна быть идеально гладкой. Никогда!

Сравнение акварели Белые ночи, Ван гог и Сеннелье (1 видео)

Акварель разных производителей (20 фото)

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!

Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.

Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.

Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.

Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Как писать цветы акварелью пошагово

Художница и автор книг Сандрин Мауги пошагово демонстрирует, как правильно подобрать цвет и раскрыть тонкости написания цветка на примере этого изображения.

Шаг 1. Сделайте набросок цветка 

В своем альбоме для набросков я начала с рисунка орхидеи. Я хотела включить каждую особенную черту этой композиции: по-разному раскрывшиеся цветы, каштановые бутоны, стройные стебли и кинжаловидные листья. Я включила также градацию тонов, к которому могла обратиться позже во время наложения теней. Затем я перенесла изображение на лист белоснежной акварельной бумаги Saunders Waterford горячего отжима 425 г/кв.м.

Шаг 2. Найдите баланс серого

Тени были нанесены сырым по сырому, применяя технику гармонии теней (см. выпуск 324), суть ее состоит в использовании серого цвета тени, полученного в результате смешения трех основных цветов, которые будут в законченном рисунке. В качестве красного был использован антрахиноидный красный (Anthraquinoid Red), синего — негранулированный сине-красный Винзор (Winsor Blue Red) и желтого – гуммигут новый (New Gamboge). Я добавила желтое пятно у основания нижнего лепестка, чтобы случайно не покрыть его слоем глубокой тени. 

Шаг 3. Играйте с тенями

Тени были нанесены по всему рисунку, используя тот же микс красок, но с разной степенью разбавления. Бутонам понадобился вид смешения темнее, так как их конечный цвет должен был быть насыщенным пурпурно-каштановым. Желтому на лепестках также необходимы были тени в сгибах, но микс содержал больше воды для осветления цвета, чтоб поддержать покрывающий желтый слой чистым и ярким. 

Шаг 4. Тени на листьях

Я нанесла тени на листьях сырым по сырому с тем же сочетанием красок, что использовала для цветов. Когда рисуешь сырым по сырому, важно следовать текстуре модели. Листья этой орхидеи имели параллельные жилки, что являлось ее отличительной особенностью. Я нанесла сочетание теней на влажную бумагу, следуя параллельным линиям от края листа до его основания, повторяя текстуру цветка на раннем этапе.

Шаг 5. Внимательно выбирайте цвета

Я выбрала несколько оттенков красного, чтобы представить разнообразие сюжета. Основой был антрахиноидный красный Даниэль Смит (Daniel Smith’s Anthraquinoid Red) – густой красный с голубоватым отливом, от которого я в восторге, он может быть заменен Винзором (Winsor) и перманентным малиновым ализариновым (Newton’s Permanent Alizarin Crimson), который менее насыщенный. Я использовала красный Винзор, где нужен был оттенок, близкий к апельсиновому, и периленовый фиолетовый (Perylene Violet) в глубоких складках и тенях. В качестве пурпурного использовался фиолетово-красный перманентный (Talens Rembrandt Permanent Red Violet).

Шаг 6. Защитите свой акварельный лист 

Во время работы со своим акварельным листом я вырезаю несколько кусочков ацетатной пленки и накладываю их на те места, где в данный момент не работаю. Я передвигаю их и скрепляю друг с другом липкой лентой по мере продвижения написания картины. Это предостерегает бумагу от случайных брызг и пятен. Изображение живого цветка можно увидеть сквозь ацетатную пленку в левом верхнем углу.

Шаг 7. Раскрасьте тени

Тени постепенно были покрыты краской. Один цветок был нарисован заблаговременно, так как я знала, что не закончу картину перед тем, как завянет мой оригинал, не смотря на длительный период его цветения. Заканчивая один цветок, он может быть использован как пример для других позже. В результате я использовала два разных растения, купленных с интервалом в пять недель.

Шаг 8. Накладывайте краски

На этом этапе бутоны и верхний цветок имел один слой цвета над слоем тени, наложенный сырым по сырому для того, чтобы сохранить плавные границы световых пятен. Центральный цветок слева имел два слоя и нижний цветок слева имел четыре. Нижний цветок справа является завершенным. Верхний цветок справа показан сзади, отражая больше пурпурного оттенка на лепестках. 

Шаг 9. Раскрасьте бутоны

Бутоны были раскрашены сырым по сырому, вначале накладывая антрахиноидный красный (Anthraquinoid Red) и следуя текстуре сложенных лепестков от края до основания, осторожно сохраняя высветленные места. Когда первый слой краски высох, я наложила сырым по сырому следующий слой фиолетово-красный перманентный (Permanent Red Violet). Больший бутон имеет добавочный слой фиолетового перилена (Perylene Violet), который следует нанести и на меньший.

Шаг 10. Сотрите пометки карандаша

Я оставила на ночь картину как следует высохнуть. На следующее утро перед началом работы я стерла все пометки карандаша. Мною был использован ластик-клячка, который мягче обычного. Я сняла пластиковую пленку, покрывающую ластик настолько, чтобы можно было удержать его, он очень липкий. Затем я осторожно стерла все пометки, пользуясь краешком ластика. 

Шаг 11. Оттените прожилки

Основа была травяная зеленая (Sap Green), смешанная с сине-красным Винзором (Winsor Blue Red), мазком пурпурного для нижней части и добавлением желтого лимонного (Lemon Yellow) для верхней. Прожилки были нанесены сырым по сырому и следовали узору параллельного расположения жилок. Кисточка промывалась и обтиралась об лоскут хлопчатобумажной ткани, затем аккуратно проходила между зелеными бороздка, чтобы краска не растекалась.

Шаг 12. Красочное пятно

Весь лепесток был увлажнен для добавления красного слоя, сохраняя плавную границу, поскольку она смешивается с остальной частью лепестка. Однако желтый центр сохранялся сухим, так как желтый и красный не должны перетекать друг в друга. Остаток предыдущего желтого слоя проявится через красный и предаст более оранжевый оттенок.

Источник: Ссылка

Поделиться статьей:

30 идей акварельной цветочной живописи для начинающих

Если вы ищете одни из лучших идей акварельной цветочной живописи для начинающих, вы попали в нужное место.

Акварельная живопись — отличный выход для творчества.

Если вы новичок в акварели, вот несколько моих любимых советов для начала.

Убедитесь, что вы используете качественную краску, бумагу и кисти.

Рисуя, сначала начните со светлых тонов и постепенно переходите к темным.

Также обратите внимание на соотношение воды и краски.

Не нужно слишком много воды, потому что ваши цвета будут слишком светлыми.

Однако вам также не нужно слишком мало воды, потому что ваши цвета будут слишком густыми и не будут правильно наноситься на бумагу.

Еще один шаг, который пропускают некоторые новички, — дать краске высохнуть между слоями, если вы не хотите, чтобы цвета смешались или растеклись друг с другом.

Соберите свои принадлежности для акварели

Цветочное акварельное вдохновение для начинающих

Теперь, когда я поделился несколькими моими любимыми советами и инструментами, давайте перейдем к вдохновляющим акварельным картинам для начинающих.

Мне нравится простота этого цветочного акварельного проекта. Еще мне нравятся мягкие цвета, которые здесь использовались.

Кредит: beyamacchiato

Я большой поклонник лимонной акварели. Желто-зеленая цветовая палитра прекрасно сочетается друг с другом.

Кредит: colorpool8

Эта простая цветочная картина идеально подходит для тех, кто ищет быстрый и легкий акварельный проект.

Кредит: colorsbysue

Этот дизайн идеально подходит для поздравительной открытки ручной работы для друга или члена семьи.

Кредит: colorsbysue

Мне нравится простота этой акварельной цветочной картины. Какое уникальное сочетание цветов использовано здесь.

Кредит: colorsbysue

Это пошаговое руководство покажет вам, как просто красить и красиво красить растение и горшок.

Кредит: dearannart

Вот еще одно великолепное пошаговое руководство по акварели. Здесь показано, как нарисовать красивый цветок.

Кредит: dearannart

Если вам нравится внешний вид этих акварельных цветов.Прекрасно смотрится стиль акварели. Еще мне нравится сочетание цветов.

Кредит: di.ilustra

Если вы ищете быстрый и увлекательный акварельный проект, вы можете нарисовать этот кактус в розовом цветочном горшке.

Кредит: ely.brionesart

Эта картина — отличный образец для рисования цветов. Особенно, если вы хотите попрактиковаться только с одним видом цветов.

Кредит: greem.calli.it.da

Мне нравится простота этой акварельной картины.Как видите, художник в качестве ориентира использует живые цветы.

Кредит: joanniehoule_art

Если вам нравится превращать свой дизайн в материальные изделия, такой цветочный узор отлично подойдет для одеял или чехлов для телефонов.

Кредит: hueblue

После завершения такой детали, она будет отлично смотреться внутри рамки и висит на стене.

Кредит: kanodiashriya

Мне больше всего нравится в этой картине цвета. Коричневый, синий и зеленый так хорошо сочетаются друг с другом.

Кредит: karinapetersenart

Цветок мака так легко раскрасить, а готовый узор выглядит красиво. Это картина, подходящая для начинающих.

Кредит: karta_mwa

Какое великолепное произведение искусства. Цветы прекрасны, и выбранные цвета так хорошо сочетаются друг с другом.

Кредит: lettering.lena

Цветочный горшок придает этой картине такой красивый вид. Мне нравятся детали, использованные в цветочном горшке, и выбор цветов.

Кредит: mylittlebasil.studio

Картина с изображением цветов в лейке станет прекрасным дополнением вашего домашнего декора.

Кредит: pale.violet.red

Мне нравится простота этих цветов. Еще мне очень нравится простая зеленая и желтая цветовая палитра.

Предоставлено: shelliegraphyart

Если вы хотите использовать яркие цвета, такие как апельсин, розовый и зеленый, этот справочник покажет вам, как цвета смотрятся вместе.

Кредит: sherryloustudio

Используйте эту акварельную картину как образец для создания прекрасного произведения искусства, которое можно повесить на стену.

Кредит: theafterseven

Я обычно использую яркие цвета в своих картинах, но меня всегда впечатляли акварельные рисунки, в которых использовались более приглушенные цвета.

Кредит: theafterseven

Я не часто рисую цветы в букеты, но это произведение искусства просто потрясающее, и я бы хотел его воссоздать.

Кредит: timada08

Эта цветочная картина настолько проста и является идеальным ориентиром для использования, когда вы хотите расслабиться во время рисования.

Кредит: traeumeli

Мягкие пастельные тона, использованные в этой картине, выглядят великолепно.Это отличная цветочная акварель для начинающих.

Кредит: wasterlandpaints

Если вы хотите попробовать что-нибудь веселое, подумайте о том, чтобы нарисовать эти милые и красочные акварельные каракули.

Кредит: dorcdesign

Я думаю, что эта цветочная картина просто потрясающая. Еще мне нравится бумага, на которой он был нарисован.

Кредит: airdelune.watercolor

Ваши картины не обязательно должны быть одним произведением искусства. Получайте удовольствие, создавая различные цветочные каракули.

Кредит: anitalizstudio

Если вы новичок в акварели, я всегда считал, что кактус подходит для начинающих. Поместите кактус в горшок, чтобы добавить деталей к картине.

Кредит: arrtdiaries

Вот еще одна картина акварелью, которая отлично подойдет в качестве поздравительной открытки ручной работы.

Кредит: art.by.vanshika

Если вы хотите попрактиковаться в создании акварельных листьев, вы можете использовать этот рисунок для справки.

Кредит: atelier_bonjourcouleurs

Попробовать эти акварельные цветочные каракули — отличный способ попрактиковаться в рисовании.

Кредит: tabatha_letters

Еще сообщения, которые могут вам понравиться:

Нарисуйте акварельные цветы с помощью света и глубины: демонстрация

Достигните глубины в рисовании акварельных цветов, как это делает Марни Уорд, с помощью слоев прозрачного цвета и медитативного подхода.

Ребекка Дворжак

Рисуя цветы акварелью, Марни Уорд вдохновляется своим садом, а также знаменитыми садами Бутчартов рядом с ее домом в Виктории, Британская Колумбия.Уорд кропотливо работает, чтобы передать ботаническую точность каждого цветка, который она рисует, — она ​​хорошо разбирается в различных родах и видах растений. И все же она считает, что самый важный аспект картины — это чувство, которое вызывает предмет. Как метко сказал один из зрителей, Уорд «захватывает душу цветка».

Эмоциональная сила цветов

Ward наделяет цветы эмоциональной силой через цвет, композицию, фон и, в первую очередь, свет.Она говорит, например, что ромашки — это дружелюбные цветы, поэтому она всегда рисует их числами, как в Daisies III . Однако роза — это необыкновенно романтичный цветок; поэтому она нарисует одиночную розу, чтобы передать ее присутствие, как в Essence of Rose II .

Когда она рисовала белые лилии, для нее основным ощущением от лилии был ее аромат. «Вы чувствуете их запах, прежде чем увидите их», — говорит Уорд, поэтому она нарисовала точки на заднем плане, чтобы указать на запах в композиции Lilies in the Air , приведенной выше.

Фон для Уорда не в последнюю очередь. Она будет создавать пульсирующие волны или шары света за цветком или цветами, чтобы дать глазу образец, которому нужно следовать. «Я трачу много времени на определение того, какой фон усилит цветы, над которыми я работаю, выразит нужную энергию или направит взгляд на картину», — говорит она.

Захватывающий свет

Уорд обнаружил, что свет — самый эффективный способ передать ощущение цветка. «Я стала более одержима светом по мере того, как я выросла артистически, — говорит она, — и теперь самое главное — запечатлеть свет.Мне нравится говорить, что мои картины выражают осязаемое присутствие света ».

Подсвечивая цветы сзади светом, проходящим через лепестки для эталонных фотографий, Уорд находит качество свечения. «Свет — это то качество, к которому я стремлюсь, — говорит она, — потому что я думаю, что это то, на что люди реагируют, что позволяет людям с чем-то соприкоснуться». Более темный, закрученный фон ее работ контрастирует с цветами, которые становятся самым светлым элементом композиции. Сначала она рисовала растения с белым фоном, «но я была влюблена в свет.Я научился рисовать более темный фон, чтобы свет был преимущественно сосредоточен на цветах ».

На картине Pink Dahlia Уорд говорит, что она играла со светом, чтобы придать цветку трехмерность. «Я выбрал сильный боковой свет, чтобы нижняя половина лепестка была светлой. Центральная часть темная, чтобы передать его сильную, драматическую, мясистую силу ». Она представила георгин похожим на морской анемон, создав зеленый и синий фон с плавающими пузырями, чтобы вода была мягкой.

Ежедневная практика медитации

Уорд получил одновременно диплом с отличием изобразительного искусства и английского языка, а также докторскую степень. из Университета Британской Колумбии, где изучала искусство и поэзию Уильяма Блейка. Исследования Блейка состояний сознания оказали большое влияние на работу Уорда. Она связалась с идеей Блейка о том, что то, кем мы являемся, влияет на то, как мы воспринимаем мир, и что реальность различна в разных состояниях сознания.

Это побудило Уорд попробовать медитацию в 1972 году, когда она заканчивала диссертацию о Блейке.Она поняла, что медитация позволяет ей подключиться к ее самому творческому «я». Добавление медитации к ее живописной практике позволило Уорд «войти в контакт с самыми сокровенными уровнями сознания, где обитают ясность и творчество». Она стала учителем Трансцендентальной Медитации и приписывает этой практике блаженное качество своих произведений. «Медитация помогает координировать два полушария мозга, чтобы они лучше работали вместе», — говорит Уорд. Это ее практика — медитировать перед рисованием.

Уорд обычно рисует ночью, когда она может полностью сосредоточить свое внимание на своей практике.«Тогда тихо — ни звонка телефона, ни ответственности», — говорит артист. «Когда я начинаю, я теряюсь в своих картинах. Отчасти именно те 45 лет, которые я ежедневно медитирую, тренировали мой ум и помогли легко войти в состояние блаженства этого художника. Я полностью теряю счет времени и часто заканчиваю рисовать до трех или четырех часов утра. Уметь рисовать — просто благословение ».

Китайская живопись кистью

Китайская живопись кистью, которую Уорд изучала, когда только начала рисовать, также сильно повлияла на ее творчество.Этот вид искусства помог ее мастеру владеть кистью. В нем используется поверхность из рисовой бумаги с высокой впитывающей способностью, поэтому краска быстро растекается, поэтому ей также пришлось научиться контролировать воду.

Навыки мазка и понимание соотношения воды и краски переносятся в акварельные работы Уорда. Мягкие и твердые края требуют разных подходов. Для теней или прожилок она может подождать, пока бумага высохнет, чтобы получить твердый край, или войдет, когда бумага будет немного влажной, для более мягких краев.

Понимание того, как работать с кистями и водой, позволяет Уорду определять «ценность, качество краев и интенсивность цвета.Композиции традиционной китайской живописи кистью также имеют четкие диагонали, которые Уорд использовала в своих работах.

Интенсивность цвета

В конечном итоге, однако, именно свет и цвет акварели поразили Уорда как художника. «Мне нравится прозрачность акварели и то, как можно получить уникальные текстуры и специальные эффекты с помощью гранулирующих пигментов и соли», — говорит она. Акварель идеально подходит для цветочных композиций, потому что цвета чистые и нежные, но также могут быть интенсивными », — продолжает Уорд.«Я создаю прозрачные слои цвета для ощущения глубины». Она сохраняет значения светлые для яркости, позволяя просвечивать белую бумагу.

Процесс рисования цветочной акварелью

Уорд начинает с ее собственной эталонной фотографии, обрезанной, чтобы соответствовать пропорциям Winsor & Newton 140 фунтов. бумага холодного отжима. Она прикрепляет фото и бумагу к сетке, чтобы помочь ей точно рисовать от руки прямо на бумаге.Затем она начинает рисовать фон, тщательно смачивая основной цветок или цветы. «Я не использую маскирующую жидкость, если нет крошечных тычинок, выступающих на задний план. Их было бы почти невозможно раскрасить, оставив за собой жидкую смывку », — говорит она.

Она работает «мокрый по мокрому» для большей части фона, иногда используя соль, чтобы создать эффект ореола, или шары, чтобы переместить взгляд зрителя. В композиции с несколькими цветами Уорд сначала фокусируется на дальних, а заканчивает самым заметным цветком.«Я обычно рисую этот цветок с твердым краем и более детально», — говорит она. «Сначала я прохожу вокруг внешних лепестков, а затем постепенно к центру цветка». Она до конца защищает белый цвет и свет, чтобы сохранить сияние. Уорд использует в основном краски Winsor & Newton, иногда смешивая их с красками Daniel Smith или M. Graham.

В конце концов, именно эмоциональное воздействие, а не ботаническая точность цветка делает картины Уорда сильными. «Все остальные решения на этом пути связаны с тем чувством, которое я пытаюсь уловить.”

ДЕМО: Картина древовидного пиона

Марни Уорд начинает с чувства, от которого зависят все творческие решения. Здесь она описывает свой процесс рисования нежности, нежности и хрупкости древовидного пиона.

Набор инструментов художника

• КРАСКИ: Winsor & Newton: перманентная роза, ализарин малиновый, хинакридоновое золото, ауреолин (желтый), зеленый сок, синий кобальт, синий французский ультрамарин, фиолетовый Winsor, жженая сиена, новый гамбож (желтый) (или попробуйте желтый желтый или M .Грэхема)
• ПОВЕРХНОСТЬ: Winsor & Newton 140 фунтов. холодного отжима
• ЩЕТКИ: различные круглые кисти, в основном из синтетических или синтетических смесей; скруббер, сделанный путем срезания щетины маленькой масляной щеткой

Справочная фотография

Я делаю свои эталонные фотографии. Это древовидный пион у меня на заднем дворе. Этот цветок привлек мое внимание, потому что он был бледнее, прозрачнее и нежнее других. Я обрезал фотографию для композиции и подгонял пропорции бумаги.

Шаг 1

Я разделил фото и бумагу сеткой на 16 прямоугольников, разделив каждую сторону на четверть. Затем я рисовал от руки механическим карандашом F или H; немного более твердый грифель менее подвержен растеканию. Я старался не нажимать слишком сильно, чтобы не образовать углубления на бумаге. Иногда я делаю небольшие пометки, чтобы прояснить области, которые могут сбивать с толку.

Шаг 2

Я всегда сначала рисую фон, а здесь я начал с верха, оставив его влажным для большей части мягких краев.Я хотел разнообразить в основном светлый и приглушенный зеленый цвет, чтобы создать впечатление пятнистого света. Моими теплыми цветами были зеленый сок, ауреолин (желтый), new gamboge (желтый), хинакридоновое золото и жженая сиена, с французским ультрамариновым синим и фиолетовым винзорским для темных или более приглушенных зеленых оттенков. Даже красные прожилки на листьях (вверху справа) были сделаны мокрым по мокрому, чтобы добиться мягкого, ломкого эффекта. Я рисовал по одному листу за раз, но осторожно смачивал лепестки цветов, так как хотел, чтобы края были четкими.

Шаг 3

Я продолжил с нижним фоном, используя более темную зелень, чтобы придать вес общей композиции; эти листья тоже были в тени.Я нарисовал красные стебли мокрым по мокрому там, где я хотел, чтобы они были мягкими, но с твердыми краями (сухими) для основных стеблей. Затем я нарисовал лепестки пиона, используя много воды, чтобы цвета плавно переходили и оставались светлыми. Для более темного лепестка в верхнем левом углу я использовал малиновый ализарин и фиолетовый Winsor для темной полосы и добавил прозрачную тень внизу, когда основной цвет почти полностью высох. Чтобы создать цвет тени, я добавил немного зеленого и французского ультрамаринового синего к основному розоватому цвету.

Шаг 4

Я завершил внешний слой, пропустив лепестки, чтобы обеспечить сухие участки с обеих сторон лепестка. Мой любимый лепесток — большой справа; он был таким серебристым, с множеством нежно-розовых оттенков в середине. Я оставил белые кусочки рядом с нижней бумагой белыми для максимального свечения. Он в основном довольно влажный для мягкого, нежного смешивания, но я хотел сделать несколько более сухих линий внизу, чтобы подчеркнуть там свет. Более темный лепесток под ним был в основном перманентной розой и новым гамбожем, добавляя эту темную полосу — пока он был еще влажным — с перманентной розой, жженой сиеной, фиолетовым винзорским и французским ультрамариновым синим для грануляции.Когда внешний слой был готов, я приступил к внутреннему слою лепестков.

Шаг 5

По мере того, как я завершал внутренние лепестки по одному, я уделял пристальное внимание цветам и значениям на эталонной фотографии, решив не делать такие темные части фотографии. Я добавил новую гамму около нижней части верхних лепестков для этого сияния и малиновый ализарин у основания пары лепестков. Вокруг более светлых частей в центре я рисовал осторожно, так как не использовал маскирующую жидкость.Когда я добавил сероватые полосы и тень лежащего ниже стебля возле основания, я сохранил прозрачность лепестка на отметке 7 часов. В целом, я хотел создать эффект мерцания с легкими изменениями цвета и цвета.

Шаг 6: Окончательная окраска

Чтобы не нарушить центр, я сначала проверил всю картину на предмет окончательного баланса значений, затемнил некоторые области и осветил другие. Затем я начал центр, закрасив желтые тычинки новой гаммой, а затем более темные коричневатые тени, используя жженую сиену и немного синего или фиолетового.Чтобы создать красные, я добавил новый гамбож и хинакридоновое золото к перманентной розе на более теплой левой стороне и добавил фиалку Winsor и французский ультрамарин к перманентной розе на более темной правой стороне, оставив ее в основном влажной и предложив. Я расширил красные и желтые цвета на основание лепестков с левой стороны. Тепло и темнота в центре действительно подчеркнули тонкую прозрачность лепестков в картине Нежность (бумага, акварель, 14 × 21).

О художнике

Канадский художник Марни Уорд живет в Виктории, Британская Колумбия.Она имеет статус подписи в Обществе канадских художников и Федерации канадских художников. Она завоевала крупные награды на провинциальных и национальных выставках, опубликована во многих книгах и публикациях. После 20 лет преподавания она недавно разработала собственный международный онлайн-курс по цветочной акварели. Посетите marneyward.com , чтобы узнать больше.

Писатель и редактор Ребекка Дворак из Нью-Йорка, изучала историю искусств в колледже.Она стажировалась в Galeria Cartel в Гранаде, Испания; Галерея Д.К. Мура в Нью-Йорке; и Художественный музей Метрополитен.

Версия этой статьи впервые появилась в журнале Акварельный художник .

Нарисуйте красивые акварельные цветы за 15 минут

Легкий и красивый красочный букет акварельных цветов за 15 минут: как нарисовать простой свободный цветочный акварель акварелью, подробное пошаговое руководство для начинающих!

Вы всегда хотели рисовать цветы акварелью? Сегодня я хочу поделиться с вами, как сделать акварельную цветочную картину всего за 15 минут! Мы продолжаем добавлять уроки акварели и искусства, нажмите, чтобы увидеть их все здесь!

ОБНОВЛЕНИЕ: я сделал новый урок акварели, чтобы показать, как нарисовать простую розу тремя способами, используя 3 основных техники для начинающих , включая мокрый по мокрому и мокрый по сухому! Посмотрите здесь: нарисуйте розу акварелью 3 способами!

Выполнив несколько простых шагов и советов по рисованию акварельными цветами и листьями, вы сможете импровизировать самостоятельно и рисовать все виды рыхлых акварельных цветов в кратчайшие сроки!

* Некоторые ресурсы в статье являются партнерскими ссылками.Полное раскрытие здесь.

(Некоторые из полезных ресурсов представляют собой партнерские ссылки. Полное описание здесь.)

Если вам нужно изучить несколько основных техник акварели для начинающих , включая «мокрый по мокрому» и «мокрый по сухому» , сначала ознакомьтесь с этим уроком: Нарисуйте акварельную розу тремя способами!

Когда я рисую акварельные цветы в букете, мне нравится начинать с цветов, а потом писать акварельные листья.

Начните с более светлой стирки, потому что позже будет легче получить более насыщенный цвет. В акварели нет розового цвета, это просто красный, разбавленный большим количеством воды.

Далее мы добавим центр цветка. Окуните одну из чистых кистей в воду и немного смочите бумагу, затем окуните другую кисть в желтый цвет, чтобы прокрасить центр. Таким образом, центр будет иметь более мягкий край.

Продолжайте добавлять акварельные цветы разных форм. Апельсины и желтые хорошо смотрятся с розовым и красным, а синий цветок создает некоторый контраст!

Статья по теме: Как нарисовать весенние деревья акварелью с помощью простого секрета! (Видеоурок!)

Шаг 2. Добавьте детали и акценты к акварельным цветам

Как вы можете видеть, более глубокие красные кончики лепестков, более глубокий оранжевый цвет у основания другого цветка, несколько цветных точек — все это придает цветам глубину и более богатые детали.

Мы всегда можем вернуться и добавить более подробную информацию позже. Далее красим стебли этих цветов бледно-зеленым цветом, а также пару листочков. Мне нравится делать здесь листья разных размеров.

Шаг 3: нарисуйте акварелью листья и стебли

Затем с помощью темно-оливково-зеленого цвета (советы о том, как смешать красивый оливково-зеленый цвет, см. В руководстве по акварельному дереву!), Нарисуйте основу цветов сбоку и еще несколько листьев этим темно-зеленым.

В природе мы видим все оттенки листвы, такие как желто-зеленый, сине-зеленый и даже коричневый.

Здесь мы добавим несколько акварельных листьев сине-зеленого, синего и коричневого цветов, а также сделаем некоторые из стеблей темнее, пока мы рисуем более темные листья.

Вы можете опустить некоторые цвета, если предпочитаете, чтобы листья были полностью зелеными. Просто веселиться!

В конце посмотрите на всю картину и добавьте несколько последних штрихов, например, добавьте точки в центре цветов.

Готово! Не слишком сложно, правда? Примерно через 30 минут, когда картина высохнет, положите ее под стопку больших книг, вес поможет бумаге выглядеть красиво и ровно к завтрашнему дню!

А теперь небольшой проект для подарков / поделок — сделайте свои собственные наборы цветочных открыток с помощью этих бесплатных открыток для печати!

Вам также могут понравиться: Пузырьковая краска Учебник по цветам гортензии и урок о том, как нарисовать падающее акварельное дерево за 10 минут с помощью зубной щетки!

Счастливой картины! Увидимся на следующей неделе!

Картины роз и цветов акварелью и маслом

Оригинальные картины Розы и Картины цветов выставлены на продажу — выберите понравившийся оригинал картины из этой коллекции раскрашенных роз и цветов или получите репродукцию .Легко и безопасно купить.

Картины с розами и цветы в наличии

(чтобы просмотреть всю Галерею роз и цветов, прокрутите вниз)

Романтические картины роз

В моей галерее розового искусства вы найдете большую коллекцию расписных роз. Я люблю рисовать белые и желтые розы, розовые и красные розы, оранжевые и фиолетовые розы. Вы найдете потрясающие розы Дэвида Остина «Золотое празднование», Юбилейную розу Сангерхауса, Розу Ингрид Бергман, Роуз Хайди Клум, розы эпохи Возрождения, наследие от Дэвида Остина, восхождение розы New Dawn, розу львов или просто садовые розы.Мне нравится создавать свои картины с розами, как будто я стою в саду и чувствую запах розы и солнечный свет или капли дождя на мягких лепестках. Я люблю создавать атмосферу в своих картинах.

Картины с яркими цветами

Кроме роз я люблю создавать и другие цветы картин . Каждый цветок уникален и бросает мне вызов. Я создаю картины с розовыми, синими или белыми гортензиями, красочными анютиными глазками, картинами розовых или голубых гибискусов, пионами разных цветов, мальв, красными тюльпанами, белыми нарциссами, подснежниками или белыми маргаритками в деталях.

Полная галерея картин с розами и цветами

Ниже вы найдете красивую большую коллекцию нарисованных роз и цветов акварелью и маслом. Просто нажмите на изображение, чтобы увеличить его. Наслаждайтесь просмотром галереи, и если у вас есть какие-либо вопросы, отправьте письмо, используя мою контактную форму.

Для увеличения нажмите на изображения нарисованных роз и цветов

Я также нарисовал много маленьких картин с цветками роз небольшого размера, например, 4 ″ на 4 ″, 6 ″ на 6 ″ и несколько 12 ″ на 12 ″.
Нажмите на изображение, чтобы просмотреть все Картины с розами в этой замечательной коллекции.

Создавать картин с розами и цветочными картинами — одна из моих самых больших страстей.

Щелкните заголовок под каждым изображением, чтобы просмотреть другие галереи картин маслом и акварелью:

Комиссии приветствуются

Если вы ищете особую картину, просто отправьте сообщение, используя контактную форму, или посетите страницу комиссионных для получения дополнительной информации.

Информация для покупок

Покупки на моем сайте очень просты и безопасны.Я использую Paypal как возможность оплаты. Если вы хотите заказать репродукцию картин, нажмите кнопку «Добавить в корзину».
После этого ваша карточка покупок отобразится вверху страницы.

Можно легко добавить еще одну оригинальную картину или принт на вашу карточку покупок или удалить ее. Когда ваши покупки будут завершены, просто нажмите кнопку «Оформить заказ» на своей торговой карте и завершите оплату через Paypal.
Вы оплачиваете только единовременную доставку.

Информация об акварельной бумаге, Aquabord и акварельном холсте для моих картин с розами и цветами

Бумага для акварели: Картина должна быть обрамлена за стеклом
Aquabord: Aquabord — это тонкая доска, которую можно повесить в рамке без стекла.Он будет покрыт лаком.
Акварель Холст: Акварельная бумага 140 фунтов натянута на подрамники, края закрашены, картина будет покрыта лаком. Стекло не нужно, картину можно повесить и без рамы.

Посетите мою страницу часто задаваемых вопросов, чтобы узнать больше о моих работах.

Для художников:

Если вы тоже хотите научиться рисовать розу акварелью, то вы попали в нужное место. Я создал несколько бесплатных руководств по акварели с информацией о материалах, которые я использую для своих реалистичных картин с розами и цветами.Получите инструкцию по технике акварели и уроки рисования с множеством пошаговых фотографий.

Мои акварели также научит вас создавать законченные картины с розами с фоном и листьями. Мне нравится делиться тем, как я создаю свои успешные картины роз и цветов акварелью.

Цветочные акварельные картины и репродукции

Как создать красивую акварельную цветочную картину

Яркие смелые цвета придают этой акварельной цветочной картине вау-фактор! Нам очень понравилось делать этот арт-проект, акварель всегда в нашем доме хит.Мне нравится уникальный угол наклона цветка и то, как каждая часть лепестков и середина окрашены в разные цвета.

Детям нравится использовать технику акварели «мокрый по мокрому», это очень просто и всегда дает такие красивые и уникальные результаты! Дети могут попробовать множество забавных акварельных техник. Взгляните на мою коллекцию акварельных рисунков для детей, чтобы получить больше забавных и творческих идей.

Использование черной масляной пастели для создания разделительных линий на цветах действительно выделяет все.Этот метод позволяет детям рисовать по одной части, не беспокоясь о том, что цвета будут переходить друг в друга. Взгляните на нашу акварельную картину цитрусовых и эту красочную акварельную паутинку, чтобы получить больше забавных идей!

Для еще одной идеи цветочной живописи взгляните на эти красочные и простые акварельные цветы!

Этот пост содержит бесплатные партнерские ссылки. Если вам нужна дополнительная информация, ознакомьтесь с моей политикой конфиденциальности и раскрытия информации.

1. Сначала приготовьте бумагу. Обрежьте акварельную бумагу до размеров 11 х 11 дюймов. Если ваша бумага другого размера, ничего страшного, просто вырежьте из нее квадратную форму.

Приклейте бумагу изолентой к деревянной доске, куску толстого картона или гофрированного пластика, это поможет предотвратить коробление бумаги и ее перемещение. Приклеивание бумаги также облегчает жизнь детям.

Если вам не к чему приклеить бумагу, можно также прикрепить ее к столу. Если вы прикрепите его к столу, вам нужно будет оставить бумагу приклеенной, пока ваша картина не будет закончена.

2. Предложите детям нарисовать свой цветок карандашом, начиная с нижнего угла. Вы хотите сделать цветок большим, чтобы лепестки заполняли пространство и доходили до верха листа.

3. Обведите рисунок черной масляной пастелью, сильно надавливая. Вы можете пройтись по линиям, убедившись, что они достаточно толстые, это поможет предотвратить перетекание цветов внутри лепестков на следующий лепесток.

4. Пора приступать к покраске! Работайте над каждой частью по очереди, например, над одной частью лепестка или одной частью середины цветка. Используя чистую кисть и чистую воду, нарисуйте участок чистой водой. Пока бумага еще влажная, раскрасьте место акварельными красками.

Мы хотели, чтобы наши цвета были очень яркими, поэтому использовали цвета прямо из набора красок, не разбавляя их. Попробуйте использовать 2–3 цвета в каждом разделе и посмотрите, как цвета смешиваются и смешиваются вместе, создавая красивые узоры!

После того, как вы закончите с одним разделом, переходите к следующему, пока ваш цветок не будет готов. Дайте цветку полностью высохнуть, прежде чем переходить к фону.

5. Выберите 1-2 цвета для фона, мы выбрали 2 оттенка синего.Используя чистую кисть с чистой водой, закрасьте фон водой, стараясь не намочить цветок. Пока бумага еще влажная, раскрасьте фон своими красками.

Дайте всему высохнуть.

6. Медленно и осторожно снимите ленту.

Мне просто нравится, как получилась эта цветочная акварель! Он такой яркий и красочный, и рисовать его было очень весело. Детям всегда интересно попробовать использовать черную масляную пастель в качестве техники резиста.Взгляните на эту красивую акварельную картину бабочки, чтобы увидеть еще одну идею, в которой также используется черная масляная пастель в качестве техники резиста.

Этот симпатичный проект акварельного мака — еще одна интересная идея с акварельным цветком!

Мы любим творить и исследовать, используя различные художественные принадлежности и техники. Если вы хотите попробовать другие художественные проекты, взгляните на нашу лучшую коллекцию удивительных художественных проектов для детей!

Картина с цветами вишни с ватными шариками

Поле тюльпанов Рисование ватными палочками

Подпишитесь на меня в Pinterest, чтобы узнать о других интересных проектах.

Советы по рисованию акварелью || БОЛЬШЕ 5 советов для успеха — покрасневший дизайн

СОВЕТ №1: Работа со слоями

Специально для более реалистичных стилей акварельной живописи (но также более свободной, современной акварели), уделяя время созданию интенсивности и глубины с помощью нескольких слоев КЛЮЧ к созданию сильной акварельной живописи.Цветы ничем не отличаются и часто требуют 2-3 проходов (причудливое слово, которое означает просто «слои» в мире живописи) по всей картине. В отличие от других средств рисования, акварель сложна тем, что сохнет намного легче, чем нанесение, поэтому нет ничего необычного в том, чтобы оставить картину полностью удовлетворенной только для того, чтобы вернуться через несколько часов и понять, что вам нужно углубить значения или исправить цвет. которые высохли совсем не так, как вы ожидали.

Совет для акварели: Смешайте больше краски, чем вы думаете, что вам понадобится для вашего проекта.Я до сих пор удивляюсь, как быстро бумага поглощает пигмент и как мне нужно вернуться и смешать больше краски после 1-2 проходов!

СОВЕТ № 2: Ограниченная цветовая палитра

Я уже говорил об этом в нескольких своих видеоуроках, но мне нравится работать с ограниченной цветовой палитрой, чтобы увеличить единство и общую гармонию и плавность в моей композиции. Сейчас многие художники пытаются добавить «правила» к этому стилю рисования, ограничивая вас определенным количеством красок или цветов, но я просто считаю, что такие правила добавляют давления и ненужного снобского отношения, которое подавляет творческий процесс.Получайте удовольствие от этого и не бойтесь бросить цвет, который, как вы думали, вы захотите использовать, или добавить его позже.

Для ограниченной цветовой палитры с акварелью я обычно выделяю 5 цветов, которые я знаю, что буду использовать в картине, которую имею в виду, и смешиваю эти цвета (я редко использую что-либо прямо из тюбика, но это случается и там ничего плохого в этом нет!). Затем я повторяю те же цвета на протяжении всей картины — добавляя более темные или контрастные оттенки в тени, где этот цвет может быть традиционно не помещен, и позволяя цветам помогать вам ориентироваться в картине.Вы также можете использовать более традиционный подход к ограниченной палитре и выбрать 3-5 тюбиков (или кастрюль) с краской для вашей картины. Опять же, это полностью зависит от вас — поиграйте с обеими техниками и исследуйте дальше с помощью своей любимой. Думаю, тебе понравится!

Pro Совет по акварели: Убедитесь, что цвета, которые вы выбираете, демонстрируют некоторое разнообразие — теплые и холодные цвета, светлые и темные оттенки и т. Д. Это добавит визуального интереса, необходимого для поддержания интереса зрителей, а также позволит вам чтобы получить тот диапазон, который вам нужен в вашей картине.

СОВЕТ № 3: Эксперимент

Акварель не для слабонервных. Одна ошибка, которую я делал тонну, когда только начинал, — это недостаточное количество экспериментов. Помимо простого разогрева, я хотел бы купить несколько разных типов акварельной бумаги и дать себе свободу провести всего лишь поэкспериментировать с . В акварельной живописи можно многому научиться на собственном опыте, а не на инструкциях. Количество используемой воды будет зависеть от стиля, типа бумаги и даже личных предпочтений.Используйте обе стороны и НЕ нажимайте на эти части. Предположим, вы просто «выбросили эти деньги» во имя искусства. Вы выйдете из этого сезона такими заряженными и готовыми начать что-то, создавая что-то более законченное.

Я нашел время, чтобы сделать это вскоре после того, как моему сыну исполнился год, и я смог работать более стабильно. Я был шокирован ростом, который я испытал, и тем, как быстро я разработал стиль, который мне нравится. Не ждите, как я! Получайте удовольствие и посвятите это время и силы тому, чтобы учиться на ногах без давления работы или порчи бумаги.Бумага дешевая, стресса нет! ха-ха

Профессиональный совет по акварели: Как я уже упоминал в своем последнем посте с советами по акварели, я думаю, что очень важно работать с НАСТОЯЩИМИ объектами, когда вы находитесь на этой экспериментальной стадии (и даже за ее пределами!). Не копируйте работы других художников, иначе вам будет сложно найти свой собственный стиль.

СОВЕТ №4: От светлого к темному

В отличие от других форм рисования, рисование акварелью требует особой осторожности, когда вы начинаете добавлять насыщенные пигменты, потому что вы не можете наложить другой цвет поверх него, чтобы осветлить общий вид.Таким образом, вам действительно нужно думать наперед и иметь план. Я рекомендую сначала поработать с легкой размывкой на вашей картине, не только чтобы помочь в процессе планирования, но и чтобы помочь вам установить более светлые и темные значения, прежде чем вы совершите сверх того, что можно исправить. Помните, вы всегда можете добавить больше краски, но очень сложно исправить акварельный рисунок, если на нем слишком много пигмента!

Pro Акварельный наконечник: Я рекомендую «промокнуть» кисть бумажным полотенцем или тряпкой (я использую старую мочалку, о которой мне наплевать) перед нанесением кисти на бумагу.Это поможет удалить излишки воды, чтобы вы не нанесли слишком много воды на бумагу, и даже поможет немного уменьшить пигмент, чтобы вы могли иметь немного больше контроля.

СОВЕТ № 5: Сделайте перерыв

Я упоминал нечто подобное в моем последнем обзоре советов по акварели, но вместо того, чтобы пытаться избежать переутомления, я хочу, чтобы вы спланировали наперед и предположили, что вам нужно будет подправить ваши акварельные цветы после того, как вы их «закончите». Когда я работаю с клиентами, я всегда планирую ночной перерыв от картины, прежде чем фотографировать или отправлять ее клиенту.

Для этого есть две очень важные причины: первая — я хочу вернуться к картине свежим взглядом. Я часто замечаю что-то в потоке картины или цветовой палитре, на что нужно обратить внимание, прежде чем я смогу отправить это своему клиенту. Вторая причина возвращает нас к совету №1 этого поста: акварельная краска сохнет совсем не так, как ее наносят. Я почти всегда должен углублять мои тени и повторно подчеркивать элементы, которые выцветали по мере высыхания краски.

Совет по акварели: Если вы не видите, что «не так» с вашей картиной, но чувствуете, что что-то «не так», попробуйте поднести картину к зеркалу после того, как она высохнет! Перевернутое изображение подчеркнет все, что не так с картиной, и вы сразу увидите, что нужно исправить!

__

Мои любимые акварельные принадлежности:

Доска Pinterest: https: // www.