Зарисовка цветов: Зарисовки растений легкие — 48 фото
20.04.2023 
Разное
| Шембель А. Ф. Основы рисунка Введение Предлагаемая книга «Основы рисунка» может стать полезным пособием по овладению теоретическими и практическими основами изобразительной грамоты. Изобразительная деятельность способствует развитию мышления, зрительного восприятия, познанию окружающей действительности, знакомству с особенностями художественного языка и т.д. Практически любой человек может научиться рисовать. Конечно, выдающимися художниками или мастерами декоративно-прикладного искусства становятся далеко не все и даже те, кто наделен природными задатками. Для этого необходимо развивать в себе многие качества, особенно работоспособность и творческое мышление при наличии художественного мастерства (технического совершенства). В данной книге автор сделал попытку соединить некоторые вопросы педагогики и психологии с методикой реалистического рисунка и декоративного рисования. Учебный материал изложен так, чтобы вы последовательно и в доступной для вас форме обогатили свои знания и умения и закрепили их практическими навыками. Основное внимание в разделах учебника уделено практическим занятиям — рисованию с натуры. При таком рисовании вы вынуждены всматриваться в натурную постановку, размышлять над ней, подмечать ее особенности, где одни формы главенствуют, другие — подчиняются им, роль третьих совсем случайна. Натура ведь не просто одинокий предмет или сумма предметов. Это прежде всего единое пространственное целое, в котором своеобразно сочетаются те или иные предметные формы и взаимодействуют между собой пропорции, контрасты, ритмы и т.д. А отсюда — избирательное восприятие натуры, когда необходимо мысленно представить себе, как ее рисовать: выявить одно, опустить другое, продумать композиционный эффект, добиться изобразительного обобщения (выразительности, гармонизации изображения). Таким образом, рисование с натуры представляет собой двуединый процесс — учебно-познавательный и художественно-творческий. Вообще весь процесс изучения основ изобразительной грамоты никогда не должен включать только определённый свод тренировочных упражнений, хотя и обязательных для овладения специальными навыками. Этот процесс предполагает также развитие способности видеть мир, его явления и вещи глазами художника. Поэтому на пути к искусству каждый из вас способен не просто пробудить в себе живой интерес к рисованию, но и заметить в природе, человеке, предметном мире истинную красоту и гармонию. Все это означает, что подобная увлеченность работой возможна, если добавить к ней ваши индивидуальные способности, а они есть у каждого здравомыслящего человека, когда вы по-настоящему умеете чувствовать, знать и любить. Творчество, как известно, представляет собой переосмысление действительности. Поэтому большим мастерам присущи такие грани творческого мышления, как фантазия и воображение, подкрепленные суммой знаний, умений и навыков. Знаменитый учитель И. Е. Репина и других русских художников П. Учебник включает 12 глав и 27 параграфов. В конце каждой главы предлагаются контрольные вопросы и даются практические задания для закрепления пройденного материала. Автор выражает глубокую признательность лицам, рецензировавшим рукопись учебника и внесшим ценные замечания и предложения, которые позволили устранить отмеченные недостатки. Общие сведения о рисунке Рисунок — важнейшая область художественного творчества Окружающий нас мир является неиссякаемым источником художественного творчества. Для каждого художника действительность открывает все новые и новые грани познания законов природы. Смыслом художественной деятельности творческого человека служит применение законов природы к практическим целям изобразительного искусства. В конце XIX в. в Германии вышла любопытная книга, переведенная затем на многие европейские языки. Автором ее был биолог Эрнст Геккель, утверждавший на страницах своего труда «Красота форм в природе», что человек смог обратиться к творчеству только благодаря созданному природой неисчерпаемому количеству удивительных созданий, которые по красоте и разнообразию превосходили и превосходят все созданное искусством. Природа обладает тайной придавать единство даже частям, отделенным от целого. Например, ветка дерева выглядит законченной формой дерева же, но только в уменьшенном виде. Обращение человека к творчеству — есть не что иное, как подражание природе. Уже с ранних пор развития человечества наши предки догадались во всем подражать природе, усмотрев в этом возможность выживания. Именно в таком отношении к миру человек совершенствуется, создает необходимые для жизни орудия охоты, труда, одежду, жилища, посуду и т.п., заимствуя все у природы. И в последующие века, и в наше время человеку приходится считаться с законами природы и материи. К постижению законов природы художник, например, приходил и приходит через долгие, трудные, подчас мучительные поиски. Казалось бы, зачем художнику соблюдать какие-то законы, когда можно созерцать мир и на этой основе создавать произведения искусства, творить. Однако без знания законов жизни и природы, без практического художественного опыта, основанного на правилах зрительного восприятия и реалистического изображения, художник как творческая личность не состоится. Великие периоды изобразительного искусства не возникали стихийно, а подготовлялись в ходе формирования культуры всем процессом общественно-исторического развития человечества. Изобразительное искусство в виде примитивного, процарапанного на плоской поверхности камня рисунка возникло, вероятно, ранее всех остальных искусств. Такое мнение ученых подкрепляется продолжающимися исследованиями в области происхождения искусства. В самом деле, возможно ли противопоставить что-либо подобному утверждению? Итак, рисунок служит первоосновой всех видов изобразительного искусства. Живописец начинает работу над картиной, сначала ее замыслив, а затем собирая большой подготовительный материал к ней, состоящий из карандашных эскизов, набросков, зарисовок, рисунков всех элементов будущего произведения, предваряя живопись маслом или темперой обязательным, проработанным во всех деталях и с передачей светотеневых особенностей рисунком на холсте. И в работе скульптора, не говоря уже о творчестве художника- графика, художника-прикладника, архитектора, рисунок дает первое воплощение замысла. Являясь вспомогательным средством для живописи или архитектурного проекта, статуи или декоративного украшения ювелирного изделия, рисунок вместе с тем имеет вполне самостоятельное значение. Такая его самостоятельность связана со сравнительно недавним прошлым, когда рисунок для картины произвольно «вылился» в живопись черным и белым. Художники эпохи Возрождения, придерживающиеся идеалов гуманизма, стремившиеся постичь сущность реального мира через познание природы и развитие наук, индивидуализировавшие творческий процесс в отличие от коллективного труда средневековых мастеров, расширившие тематические границы и, что самое главное, создавшие систему нового художественного видения, благодаря чему любое изображение стало вызывать зрительные ощущения, аналогичные тем, какие мы испытываем при виде самой реальной действительности, начали делать рисунки, в которых решали разнообразные задачи изучения натуры и приемов ее изображении на плоскости с передачей светотеневых градаций от светлого к темному. Рис. 1 Таким образом, уже тогда обнаружились предпосылки к тому, чтобы рисунок постепенно становился самостоятельной разновидностью искусства, оставаясь также и подсобным материалом при создании картин, гравюр и т.п. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Дюрер, Гольбейн Младший и другие великие мастера отдали особую дань рисунку. Леонардо да Винчи — не только гениальный художник, но и ученый, инженер, изобретатель — использовал рисунок как средство познания через искусство человека, животных, растительный мир, создав большое количество самых разнообразных портретов и профилей, гротескных голов, старческих лиц, а также разных зверей, механических орудий труда и т.п. Несколько рисунков этого титана Возрождения явились подлинными шедеврами. Один из них — этюд для головы ангела к картине «Мадонна в гроте» (написанной в 1483—1486 гг. на деревянной основе маслом для алтаря). Эта картина стала прообразом всей станковой живописи Нового времени и до сих пор поражает воображение зрителя результатом возвышенного и одухотворенного восприятия художником натуры. Рисунок с тех пор стал одной из высокоразвитых форм человеческого труда. Рисование дает не только навыки и сноровку, но и большие и глубокие теоретические знания. Недаром во времена Леонардо да Винчи и Рафаэля люди называли художника демиургом (творцом). Альбрехт Дюрер записал в одном из своих трактатов по искусству, что первым всюду идет бог, а вторым — художник. Дюрер был наиболее значительным художником всего Северного Возрождения и по объему знаний и широте интересов не уступал самому Леонардо да Винчи. Как рисовальщик и мастер деревянной гравюры Дюрер стоит чуть ли не особняком. Младший современник Дюрера Ганс Гольбейн, тоже из Германии, достиг в области самостоятельного рисунка полного совершенства. Каждый портретный рисунок этого художника, прожившего большую часть своей недолгой жизни при английском королевском дворе, будучи придворным художником, отточен, выверен и предельно осмыслен. Что особенно привлекает в сохранившихся работах Гольбейна, так это их замечательная красота исполнения и непревзойденность мастера в использовании различных техник и бумаги. Например, в этюде к живописному портрету лорда Невилла художник великолепно, с изяществом сочетает итальянский карандаш с цветным мелом на бледно-розовой по тону бумаге (рис. Рис. 2 Рис. 3 Можно бесконечно много говорить о достижениях в области рисунка Рафаэля и Микеланджело, Тициана и Франсуа Клуэ, Рубенса и многих других выдающихся мастеров искусства, но обратимся к достижениям русских художников в искусстве рисунка. Выдающийся русский художник-педагог Павел Петрович Чистяков, воспитавший целую плеяду художников, отводил рисунку главную роль в становлении личности мастера. Его высказывания, хотя не полностью дословно, но с сохранением основной мысли, ученики записывали в свои дневники. Вот одно из них: «…Все мужественное, твердое, благородное в искусстве выражается рисунком…». Великий художник России Илья Ефимович Репин не только много рисовал, используя разнообразные техники, но и создал немало шедевров рисунка. Будучи живописцем, он и в рисунке мыслил живописными категориями. Достаточно убедиться в этом помогут два блестящих его рисунка: «На Невском проспекте» (рис. 4) и «Детская головка» (рис. Самую выдающуюся лепту в искусство рисунка в России внес Валентин Александрович Серов — гениальный мастер штриха и линии. Во всех учебных руководствах по рисованию как у нас в стране, так и за рубежом в качестве образца приводится иллюстрация его знаменитого «Портрета балерины Тамары Карсавиной». Серов достиг здесь высочайшего изобразительного мастерства, выработанного непрестанным подвижническим трудом и беспощадной требовательностью к себе (рис. 6). Еще раз взгляните на репродукцию этого рисунка, чтобы лишний раз с пользой для себя убедиться как в природной одаренности автора, так и в его следовании всю жизнь принципу: «Будет просто, если сделаешь раз сто». Своеобразное видение натуры продемонстрировал в рисунках талантливейший русский художник Михаил Александрович Врубель. Его графические работы отличаются тем, что в них господствуют линия и штрих, которые художник переплетает сложнейшей вязью. Такая манера рисования вызвана стремлением автора рисунков передать всегда изменчивую зримую форму натуры. Мы назвали несколько имен мастеров рисунка. Всем им были присущи и свежесть восприятия, и свой поиск линейной выразительности, и непосредственность виртуозной работы с натуры. И в наши дни всегда были и есть мастера, высоко ценившие рисунок и отводившие ему достойное место в своем творчестве. Достаточно назвать имена Петра Васильевича Митурича, Петра Ивановича Львова, Владимира Васильевича Лебедева, Николая Андреевича Тырса, Константина Ивановича Рудаков в творчестве которых большое значение имело владение графитным карандашом. Особый интерес к рисованию карандашом стал проявляться начиная с 60-х годов, что позволило провести в 1972 г. в Ленинграде Первую Всероссийскую выставку рисунка. На этой выставке большинство работ представляли собой карандашные изображения. За столетия, прошедшие с того времени, когда рисунок стал особым художественным явлением и в силу этого обрел равноправное положение среди живописи и графики, оставаясь тем не менее и их основой, он претерпевал изменения вместе с художественными задачами. На определенных этапах изобразительное искусство имело огромное социальное значение. В такие периоды рисунок не мог не привлекать пристального внимания как художника, так и своего зрителя. Художник ищет разнообразия в технике рисования, обогащая изображение смешением разных материалов (карандаш с углем, уголь с сангиной и т.п.). Зритель видит в рисунке объективность, критическое отношение художника к формам жизни. Подводя итоги, можно сказать, что рисунок как самостоятельная разновидность графики был и будет одной из важнейших частей мировой художественной культуры. Рис. 4 Рис. 5 Рис. 6 Материалы и принадлежности для рисования Воображение и фантазия, острота восприятия, эмоциональный отклик на волнующие явления жизни, аналитическое мышление присущи, как правило, творческому человеку. Творческие усилия и достижения проявляются и реализуются личностью, владеющей профессиональной подготовкой на достаточном уровне. Нет ни одной творческой профессии, где не требовались бы смекалка и навыки работы с разными материалами. Изобразительная деятельность связана с применением всевозможных материально-технических средств. Результаты труда художника полностью зависят от того, насколько хорошо он знает особенности и свойства графитного карандаша или кисти, бумаги и т.д. Выбор материально-технических средств и свободное владение ими позволяют решать поставленные задачи в каждом виде изобразительного искусства. Как профессиональные деятели искусства изображения, так и учащиеся всех учебных заведений художественного профиля пользуются материалами природного происхождения, разумеется, специально обработанными и имеющими различные добавки, которые необходимы для улучшения их качества. На занятиях рисованием вы будете пользоваться графическими средствами. В основном это графитные и цветные карандаши, однотонная акварель, тушь, перо и, конечно же, белая плотная бумага. Вообще со времени появления бумаги — изобретения древних китайцев — основными материалами рисунка продолжают оставаться карандаш, уголь, сангина, соус, перо, тушь, акварель, пастель, реже бистр и сепия. В процессе занятий рисованием у вас будут неминуемые трудности технического порядка. Поэтому внимательно отнеситесь к сведениям о тех материалах и принадлежностях, с которыми придется иметь дело. Освоение техники работы этими средствами приходит постепенно. Естественно, главным учебным инструментом всегда был и будет графитный карандаш — наиболее доступное, простое в обращении средство создания рисунка. Графитный карандаш Мы уже знаем, что самым распространенным художественным материалом является обыкновенный графитный карандаш, но у этого инструмента для рисования есть поистине изумительные возможности. Хотя у больших мастеров искусства карандаш обычно играл подсобную роль для набросков, эскизов, беглых зарисовок, позволяющих потом на их основе создавать произведения живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства, тем не менее он послужил для создания самостоятельных графических творений в области рисунка. Кто не знает выдающихся рисунков Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Дюрера, Гольбейна Младшего, Тициана, Рубенса, Рембрандта, Энгра, Александра Иванова, Врубеля, Серова? У обыкновенного, простого, как мы его частенько называем, карандаша (от тюркского «кара» — черный и «таш» — камень) своя занимательная история происхождения. Люди с древнейших времен пытались чем-нибудь рисовать. Они использовали острый камень, глину, заостренные палки, затем древесные угольки и т.д. Но когда узнали особенности графита (природного минерала черного цвета), то отдали ему предпочтение перед всеми другими рисовальными материалами. Художники Возрождения еще не знали графитового стержня и пользовались свинцовыми, серебряными и даже золотыми штифтами, оставляющими на бумаге следы. И вот появился графит. В чистом виде стержень этого минерала очень хрупок и сильно пачкает руки. Сначала приходилось всячески ухищряться в пользовании графитом: стержни обматывали тесьмой, обмазывали глиной и т.п. Добывать графит стали во второй половине XVI в. в Англии, где было открыто месторождение ценного минерала — одного из видов кристаллического углерода в смеси с другими минеральными веществами. Швейцарский естествоиспытатель Конрад Гейслер был первым, кто дал описание графита в качестве рисовального материала. Длительное время делались неудачные попытки укрепить графитовый стержень с помощью различных добавок, и только в 1761 г. 1790 г. стал временем рождения карандаша примерно в том виде, в каком мы используем его сейчас. Такой графитный карандаш появился благодаря французскому ученому Никола Жаку Контье, испытавшему несколько новых способов укрепления минерального стержня за счет добавления в графит глины в разных пропорциях, что позволило создать вещество различной твердости, и, кроме того, впервые предложившему вклеивать стержень в деревянный пенал. Это предложение было подхвачено, и вскоре в Европе появились фабрики, специализирующиеся на выпуске графитных карандашей. Время шло, карандаш все совершенствовался. В 1846 г. уже производили карандаши 17 степеней твердости. Сегодня графитный карандаш дает на бумаге нескончаемую шкалу неуловимых оттенков, нежнейшие тушевки и тончайшие штриховые пятна. Карандаш для рисовальщика служит как бы походным материалом. Им можно сделать тут же стремительный набросок в карманном альбомчике, быстро зафиксировав таким образом острое впечатление от увиденного. В длительном рисунке обнаруживается способность графитного карандаша передавать объемность предметов и мелких деталей с четкостью и ясностью формы. Рисуют карандашами, на деревянной оправе которых указаны степени мягкости — от М до 5М (за рубежом обозначение указывается буквами Н — степень твердости и В — степень мягкости). Для цветных рисунков применяют карандаши цветные. Они имеют утолщенные стержни, в состав которых входят жировые частицы, соединенные с порошковым пигментом в спрессованном виде. Эти карандаши могут пригодиться в декоративном рисовании. Они тоже имеют свои достоинства, если поработать всерьез над рисунком, например, натюрморта или пейзажа. Цветной стержень отличается упругостью, фактурностью линий и штрихов. Правда, допущенную ошибку в цветном рисунке исправить нельзя — резинка ее не удаляет, иной цвет не перекрывает. Таким образом, работать карандашами удобнее и проще, нежели какими-либо другими материалами, так как они всегда «под рукой». Графитным карандашом выполняют рисунки, начиная от ученических и до высокохудожественных произведений. Каталог: sites -> default -> files жүктеу/скачать 4.08 Mb. Достарыңызбен бөлісу: |
П. Чистяков в свое время определил искусство мастера его умением чувствовать, обладать хорошими теоретическими знаниями и художественным мастерством, необходимым для воплощения творческого замысла. Следовательно, будущим специалистам декоративно-прикладного профиля необходимо изначально принять к сведению, что главное в изучении основ изобразительной грамоты — целенаправленная и настойчивая практическая работа, любознательность и наблюдательность, развитие чувства целого и чувства формы в предмете, воспитание в себе волевых качеств. Итак, вы приступаете к большой работе, связанной с изучением основ изобразительной грамоты. Автор учебника надеется, что она заинтересует вас, заставит задуматься над многими, казалось бы, привычными явлениями окружающего мира.
Древесный лист имеет прожилки, тоже повторяющие законченную в себе форму дерева.
Он исполнял рисунки всех возможных для своего времени типов и жанров, особенно много сделав в области портретного жанра, где глубоко и проникновенно передавал как индивидуальные, так и общественные черты своих моделей. В этом можно убедиться на примере портрета друга художника крупнейшего гуманиста эпохи Возрождения Эразма Роттердамского (рис. 2).
3).
5).
Врубель, как никто другой, тонко понимал и ценил красоту, пытаясь средствами карандаша проникнуть в ее «душу», показать внутреннюю жизнь натуры. В любом из рисунков художника присутствует поиск различных технических приемов работы карандашом.
Последующие выставки наглядно показали, что свежесть и новизна в искусстве рисунка возможны на основе мастерского владения традиционными, хотя, к сожалению, несколько забытыми, техническими приемами. Те из художников, кто унаследовал устойчивую склонность к осуществлению оригинальных замыслов много раз испытанными в прошлом средствами, создали незаурядные карандашные произведения.
Натура художника должна вмещать в себя глубокую и острую впечатлительность, отзывчивость ко всему прекрасному, гармоничному в окружающей среде и искусстве, устойчивость к влияниям художественной среды, многостороннему и мощному воздействию бытующих в ней вкусов. Только подобное условие оградит художника от уступок всем внешним воздействиям в ущерб своему таланту.
немец Каспар Фабер нашел один из способов такого укрепления: растертый порошок графита смешивался со смолой и сурьмой, образовывалась густая по консистенции масса, затвердевшая в отливках стержней, довольно прочных.
Если остро заточить карандаш, можно получить тонкую паутину линий и провести одну резкую, решительную. Положенный почти плашмя, он дает на бумаге сочное бархатное пятно. Вообще карандаш реагирует на все индивидуальные приемы работы, допускаемые рисующими, и в этом заключается проявление его изумительных свойств. Достоинством карандаша являются полная свобода всех операций на бумаге и одновременное исправление допущенной в рисунке ошибки — путем использования резинки или клячки. Таких исправлений, кроме, пожалуй, способов письма масляными красками и гуашевыми красками да разве еще пастели, не знает никакая другая техника изобразительного искусства.
Кәсіпкерліктің мәні, мазмұныЗарисовки цветов
Рисование
цветов — задача более трудная, чем
рисование листьев.
Форма цветов в отличие
от формы листьев более сложная и
разнообразная: колесовидная, колокольчатая,
трубчатая, дискообразная, воронкообразная,
шаровидная и т.д., что привлекает не
только художников, но и мастеров народных
художественных промыслов, создающих
неповторимые по красоте и образному
строю цветочные орнаменты и декоративные
композиции.
Если листья вы рисовали во фронтальном положении, то цветы можно рисовать, кроме фронтального, с разных точек зрения.
При зарисовке цветов полезно знать основные принципы строения и изображения данных растений. В связи с этим нужно изучить наиболее характерные признаки конструктивного строения таких цветов, как лилия, ирис, роза, ромашка, колокольчик, василек.
Самая простая форма цветов такая, когда вокруг круглого центра симметрично располагаются несколько лепестков. Это наблюдается почти у всех плодовых деревьев во время их цветения весной.
Лепестки,
пестики, чашелистики отличаются
удивительным разнообразием формы, и в
их строении можно подметить необычные
для человека композиционные открытия,
где симметрия своей «зеркальностью»
поражает воображение.
Рисование цветов связано с изучением законов композиции (благо природа «поработала» в этой части на человека, заимствующего у нее «готовые» композиционные и цветовые решения) для творческих интерпретаций в области декоративно-прикладного искусства, а также с постижением принципов природного формообразования.
Рисуя цветы с натуры, обратите внимание на то, как эти растения группируются: располагаются на стебле, растут большими группами в форме шара или цилиндра и т.д.
Рис. 12
Свое
значение имеет сам процесс изображения
цветка. Например, рисуя даже один цветок
лилии, вы убедитесь в том, что без
внимательного предварительного изучения
этого растения зрительно довольно
трудно определить его форму. Здесь можно
запутаться в сложном строении листьев,
не разобраться в форме тычинок, упустить
характер лепестков, которые нужно
показать тонкими и нежными. Простым
карандашом вполне возможно передать
все впечатление от цветка, но может
получиться сухой, жесткий и равнодушный
рисунок.
Только настойчивость в достижении
поставленной цели, кропотливая работа
по рисованию растений позволят выполнить
зарисовку в должной мере и грамотно.
Психологи доказывают, что для любого человека объект первоначально воспринимается пятном, силуэтом, затем начинает различаться промежуток в них, и еще чуть позже форма воспринимается адекватно предмету. Для рисующего характерно такое восприятие предмета, когда он дает и аналитико-техническое обоснование видимой формы, и эмоционально-образно относится к объекту.
В зарисовках цветов важно отнестись к чудесным формам природы с особым настроением, выразить внутренний восторг от созерцания и фиксации самой красоты. Кто-то однажды сказал, что человек, который любит цветы, не способен не только на что-то дурное, но и по-настоящему влюблен в жизнь, готов к созиданию.
Рисуя
цветы, придерживайтесь принципов
изображения: сначала общее очертание,
затем наметка пропорций, пространственное
расположение элементов и далее детальная
проработка изображения (рис.
12).
Известные художники не только с большим для себя удовольствием делали наброски и зарисовки цветов и растений, но и подчеркивали огромную пользу подобных изображений для познания сущего. Много зарисовок цветов исполнили Леонардо да Винчи и Альбрехт Дюрер.
Практические задания
1. Вспомните, почему зарисовки растительных форм имеют практическое значение.
2. Нарисуйте в альбоме заинтересовавшие вас листья и цветы.
Рисование с натуры каркасных геометрических тел
Понятие о пропорциях предметов
Любое правдивое изображение какого-либо предмета передает в рисунке или картине его основные, характерные признаки, понятные зрителю.
Если
задать себе вопрос, по каким внешним
особенностям зритель узнает изображение,
долго искать ответ на него не придется.
Каждому из нас понятно, что «узнавание»
изображения происходит благодаря
переданным художником в произведении
именно основным, характерным признакам
предметов или явлений.
Безусловно, такой
передаче признаков способствуют многие
факторы реалистического изображения:
перспективные построения, светотеневые
отношения, фактура поверхности и т.д.
Что же такое признаки предмета? Это свойства предмета, его приметы. На языке изобразительного искусства отличительные черты объектов рисования называются пропорциями и конструкцией.
Пропорции (лат. proportio — соразмерность) — соразмерность всех частей художественного произведения или архитектурного сооружения, их соответствие друг другу и определенное соотношение с целым.
Конструкция (лат. constructio — оставление, построение) — строение, взаимное расположение частей предмета, структура его формы.
Красота предмета образуется пропорциями, становясь строгой соразмерностью, гармонией всех частей, такой, что ни прибавить, ни убавить ничего нельзя, и все детали, части должны взаимно соответствовать друг другу.
Итак,
в окружающем нас мире все предметы
характеризуются не только конструктивным
строением, но и размерами.
Возьмем,
например, садовую лейку — предмет
сложной комбинированной формы с неполной
симметрией частей (рис. 13). При рисовании
лейки с натуры важно увидеть, что две
ее части — трубка и ручка — расположены
в одной вертикальной плоскости, проходящей
через ось симметрии цилиндрического
корпуса, и тогда в зависимости от поворота
модели не будет допущена ошибка при
построении изображения. Одновременно
рисовальщик обязан следить за соотношением
основных величин предмета — его высотой
и шириной, определяя их на глаз.
Натурные
постановки из двух и более предметов
заставляют рисовальщика учитывать
пропорциональные отношения между ними.
Например, при рисовании с натуры цветущих
комнатных растений (возьмем кактус
опунция и бегонию крупнолистную) из-за
различных размеров внимание рисующего
непременно сосредоточивается на их
соотношениях, а при построении рисунка
— на своеобразной композиционно-пластической
и конструктивной выразительности. На
этой основе образуются представления
о натуре, организовываются в изображении
ее объемно-пространственные свойства,
пропорциональность, пластичность.
Рис. 13
Грамотный рисунок — это прежде всего изображение пропорций предмета. Но это не значит, что предмет надо непременно рисовать в натуральную величину. Это невозможно, если принять во внимание наше зрительное восприятие, и не нужно, если учитывать расстояние от вашего места до натуры. Иное дело, что размеры предмета выдержаны в пропорциях, а также по отношению к окружающей среде и в любом уменьшенном виде выглядят правдиво. Следовательно, здесь все зависит от выбранного вами масштаба изображения. Это касается также и установления размеров отдельных частей предмета по отношению к общим массам.
Таким образом, выдержать пропорции в рисунке — значит добиться соотношения величин всех частей предмета к целому в пределах формата и выбранного масштаба изображения.
Но
пропорции есть не только в соотношении
величин предмета. В каждом светотеневом
рисунке нужно передать еще и пропорциональные
натуре отношения в тоне.
Известно, что
правдивого изображения натурной
постановки рисовальщик достигает на
основе передачи как раз взаимных
отношений по светлоте. Вы уже знаете,
что самая светлая на предмете в натуре
часть или точка во много раз светлее
самой белой бумаги, не говоря уже о
карандаше, не способном проложить
темного пятна, адекватного пятну в
натуре. Что же должен делать в этом
случае рисовальщик? Правдивости в тоне
добиваются выдержанностью в рисунке
тонального масштаба.
Пропорциональных натуре отношений достигают благодаря учету белизны бумаги и кроющей силе карандаша. А за основу таких отношений берут, например, блик и самое темное пятно в тени, сравнивая в рисунке с ними все остальные градации светотени. Умелое владение тоном завершает правдивую передачу натурной постановки.
При
изложении понятия о пропорциях предметов
нужно подробнее остановиться на так
называемом «золотом сечении». Сведения
о нем восходят ко времени расцвета
античной культуры и упоминаются в трудах
великих древнегреческих мыслителей
Пифагора, Платона, Евклида.
До сих пор
считается, что понятие о золотом делении
ввел в научный обиход в VI в. до н.э. философ
и математик Пифагор, позаимствовавший,
вероятно, знание его у египтян и вавилонян,
широко применявших это красивое
пропорциональное соотношение величин
при создании пирамид, храмов, рельефов,
пальметок. Волею судьбы Пифагор посетил
землю фараонов, где увидел нечто его
глубоко поразившее, затем был пленен
персами, от которых попал в Вавилон.
Тамошние жрецы помогли любознательному
греку изучить теорию чисел, музыку,
философию. Вернувшись в зрелом возрасте
на родину, Пифагор основал в городе
Кротоне общество математиков и философов,
занимавшихся не только геометрией и
наукой мудрости, но и теорией музыки.
Пифагор открыл знаменитое математическое
соотношение: квадрат гипотенузы равен
сумме квадратов катетов.
Если
Пифагор позаимствовал золотую пропорцию
у египтян, то последние, вероятно,
переняли ее у более древних предшественников,
о которых мы уже, к сожалению, никогда
не узнаем.
Древний мир загадочен, и вот
новые доказательства этого: при
археологических раскопках палеолитической
стоянки на реке Ангаре в Сибири была
найдена пластинка из бивня мамонта с
рисунком-календарем на ее поверхности.
Удивляют размеры пластинки (13,6*8,2 см), с
точностью до 1 мм отвечающие золотой
пропорции. Возможно это случайность,
но впечатляющая. Как тут не подумать о
том, что законы красоты — в соизмеримости
формы: эта пластинка для человека эпохи
позднего каменного века только в таком
соотношении сторон была приемлемой.
Наш далекий предок, конечно, не мог знать
о закономерностях зрительного восприятия
и эмоционального воздействия вещи.
Интуитивное познание мира привело
человека, жившего 15 тысяч лет назад, к
неожиданному для современной науки
результату. Почему же тогда подобные
пропорции выдерживались в разных других
предметах и изображениях, найденных
археологами?
Например,
пропорции «золотого сечения» обнаружены
в некоторых первобытных фресках пещер
Франции, Испании и Швейцарии, в наскальных
рисунках близ села Шишкино на реке Лене.
Все это было бы странным, если бы не
оказалось закономерным: наблюдательность
человека подсказала ему эту пропорцию
на основе природных проявлений данного
соотношения. Поистине «божественная»
назвал эту пропорцию современник
великого Леонардо да Винчи монах-математик
Лука Пачоли. И вообще, вся история учения
о пропорциях связана с поисками теории
гармонии и красоты. Античная эстетика
и эстетика Ренессанса искали законы
красоты в соотношениях отдельных частей
и целого. Эти соотношения в формах
предметов дают симметрия и золотая
пропорция. Пропорции
золотого сечения» и симметрия
позволяют бесконечно разнообразить
композиционные построения в произведениях
искусства всех родов и видов.
Математики
разных веков объяснили, изучили и глубоко
проанализировали золотую пропорцию.
Из пропорции вытекает, что если высоту
или длину формата бумаги, картины
разделить на 100 частей, то больший отрезок
«золотого сечения» равен 62 частям, а
меньший — 38. Эти три величины — целое,
больший отрезок, меньший отрезок —
позволяют построить нисходящий ряд
отрезков: 100 — 62 = 38; 62 — 38 = 24; 38 — 24 = 14; 24
— 14 = 10.
Значит, для художника числа 100,
62, 38, 24, 14, 10 являются рядом величин
«золотого сечения», выраженных
арифметически. Достаточно убедиться в
этом при анализе, например, любого
произведения Рафаэля: здесь все подчинено
бесконечному разнообразию чисел золотого
деления. Рафаэль, возможно, в процессе
создания своих композиций использовал
циркуль-измеритель, изготовленный из
двух деревянных планок и скрепленный
одной осью, находящейся на линии «золотого
сечения» (62, 38). При работе этого циркуля
длинные и короткие концы все время дают
требуемое соотношение пропорциональных
отрезков.
Благодаря
повторению равных, чередованию равных
и неравных величин в пропорциях «золотого
сечения» в рисунке или картине создастся
определенный ритмический строй,
втягивающий зрителя в рассматривание
изображения. О картинах Рафаэля
убедительно сказал выдающийся художник
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин: «К
Рафаэлю… приходишь как на отдых. Эта
нежная ясность, детская гениальная
шаловливость с цветом и формой, то
беззаботно жизнерадостная, то задумчивая
и грустная.
..— она обезоруживает вас,
распускает напряженные мускулы. Как
совершенный в своих силах, Рафаэль не
боится… композиционных канонов».
Но если даже. Рафаэль повторял и чередовал все величины в золотой пропорции лишь благодаря гениальному композиционному чутью и интуиции, то остается констатировать, что так устроила единство мозга и глаза человека сама природа, которая к тому же как бы приложила «божественную» пропорцию к себе самой.
Итальянский
математик Леонардо из города Пизы, более
известный под прозвищем Фибоначчи (сын
Боначчи), в 1202 г. написал математический
труд под названием «Книга об абаке»
(абакой называли счетную доску), в котором
собрал все известные тогдашним любителям
счета задачи. Там, например, одна задача
была связана с вопросом «Сколько пар
кроликов в один год от одной пары
рождается?» Поразмыслив на тему кроликов,
Фибоначчи выстроил знаменитый ряд цифр:
0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, 233, 277, 610 и т.д.
Особенность этого ряда такова, что
каждый его член, начиная с третьего,
равен сумме двух предыдущих: 2 + 3 = 5; 3 + 5
= 8; 5 + 8 = 13; 8 + 13 = 21; 13 + 21 = 34; 21 + 34 = 55; 34 + 55 =
89 и т.
д. (Это отношение же чисел ряда
Фибоначчи все больше и больше приближается
к отношению «золотого сечения» (21 : 34 =
0,617; 34 : 55 = 0,618). Таким образом, суммы,
полученные Леонардо Фибоначчи,
примечательны тем, что отношение рядом
расположенных чисел в пределе стремится
к золотой пропорции. Что касается ряда
Фибоначчи в качестве задачи, то она
оказала косвенное влияние на исследователей
растительного и животного мира,
приходивших в конце концов к этому ряду
как арифметическому выражению закона
золотого деления.
Альбрехт Дюрер разработал способ геометрического деления отрезка прямой по «золотому сечению»: ВС = ½ АВ; CD=BC (рис. 14)
Рис. 14
Советский
художник А. Н. Лаптев в 1954 г. написал в
сборнике «Вопросы изобразительного
искусства» статью «Некоторые вопросы
композиции» и в ней, в частности,
говорилось: «…Хочу упомянуть о давно
известном, особенно в классическом
искусстве, законе пропорций «золотого
сечения».
В силу некоторого свойства
нашего зрительного восприятия эти
пропорции (примерно 6 к 4) являются
наиболее гармоническими и наиболее
отвечающими общему понятию красоты и
наиболее часто употребляемыми» (М.,
1954. С. 66 — 67).
При изложении о пропорциях в рисовании с натуры какого-либо предмета нужно подчеркнуть, что точность определения соразмерных величин зависит от того, как развит глазомер рисующего. Глазомер развивается у каждого при условии систематических занятий изобразительной деятельностью.
Flower Sketch Svg — Etsy.de
Etsy больше не поддерживает старые версии вашего веб-браузера, чтобы обеспечить безопасность пользовательских данных. Пожалуйста, обновите до последней версии.
Воспользуйтесь всеми преимуществами нашего сайта, включив JavaScript.
Найдите что-нибудь памятное, присоединяйтесь к сообществу, делающему добро.
(
1000+ релевантных результатов,
с рекламой
Продавцы, желающие расширить свой бизнес и привлечь больше заинтересованных покупателей, могут использовать рекламную платформу Etsy для продвижения своих товаров.
Вы увидите результаты объявлений, основанные на таких факторах, как релевантность и сумма, которую продавцы платят за клик. Узнать больше.
)
Цветочные рисунки | Итоги Inktober 2018 — Катрина Крауч
Прошел еще один год инктобера… Я всегда хочу участвовать, но в том, чтобы быть мамой и вести бизнес, есть что-то сложное (особенно если вы похожи на меня и вскочили на в последнюю минуту без планирования Не будь как я ).
Я решил присоединиться к хэштегу другого художника #flowertober, который, как мне показалось, будет прекрасной возможностью продолжить работу с тем, что я люблю (цветы), а также поддержать более меньшую задачу, чем массивность, которой является вызов inktober. Как вы, наверное, уже догадались, хотя я и смог немного повеселиться и создать несколько дополнительных цветочных рисунков, я определенно не закончил задание! Даже знаю, я пишу о своих ботанических / цветочных рисунках, месяц еще не закончился, и я знаю, что у меня, вероятно, не будет другого рисунка, чтобы внести свой вклад! Но, увы, так иногда бывает в жизни, и больные дети нуждаются в объятиях, а этой маме тоже нужно спать!
Да ладно, хватит об этом! Давайте перейдем к изображениям, которые я смог закончить!
На самом деле я не думаю, что эти цветочные рисунки расположены не в том порядке, в котором я их закончил, но это нормально! В любом случае, мы можем наслаждаться этим 😉
В последнее время я влюблена в космос — я всегда была девушкой пионов, но я хотела размяться и сосредоточиться на цветах, меньше лепестков и объема.
В этом году ко мне в студию пришли космеи, и их нежные, порхающие лепестки тоже покорили мое сердце! Так что, конечно, я должен был включить пару из них здесь, но я попытался сохранить это своей отправной точкой, а не придерживаться ее!
Мне нравится движение этой фрезии (справа). По общему признанию, это не мой любимый цветок для рисования, потому что они довольно структурированы, и мне нравится что-то более причудливое и прощающее, но мне нравится изящная арка этого конкретного экземпляра. В конце концов, я очень рад, что фрезию попросил один из моих друзей в Instagram.
Мне нравится этот набросок двойных фиалок слева… что-то в том, что они танцуют вместе, делает меня таким счастливым. Он также был создан для моей любимой группы мальчиков-близнецов, так что это придает ему смысл!
И лилейник справа, пожалуй, мой любимый из всей серии. Я начал играть с большим количеством движения и изящных макетов, а не строго следовать цветочной «модели», и я влюбился в нее! Многие мои дизайнерские работы вдохновлены стилем модерн — мне нравится баланс структуры и движения, акцент на природе и асимметричный дизайн.
У меня такое чувство, что в будущем вы увидите еще много моих цветочных рисунков в этом стиле! Мне не терпится нарисовать такую — представляете?!
Гигантскому маку (слева) трудно сказать «нет»! Для этого рисунка я оставил часть своего первоначального карандашного рисунка видимым, прежде чем начал рисовать контур самого рисунка цветка. Это то, что я всегда делал, чтобы помочь мне почувствовать бумагу, общую форму и пространство, и просто начать с уверенности. Мне нужен для этого? Не совсем — и мне не «разрешили» делать это на моих занятиях в колледже, — но это быстрый шаг, который экономит мне много времени и стресса. И я действительно думаю, что есть что сказать о том, что вы можете с уверенностью прыгать в проект! Особенно что-то вроде рисования цветов.
И, наконец, в этой коллекции у нас есть ландыш. Это, наверное, мой наименее любимый цветочный рисунок из всего испытания. Лично я люблю ландыши, но что-то в них мешает мне запечатлеть их! Может быть, это их идеально сформированные цветы или их веселый звон, который так естественен для них, но так трудно уловить в один момент.
Leave a Comment