Мужчина и женщина картинка нарисованные: D1 81 d0 b8 d0 bb d1 83 d1 8d d1 82 d0 bc d1 83 d0 b6 d1 87 d0 b8 d0 bd d1 8b d0 b8 d0 b6 d0 b5 d0 bd d1 89 d0 b8 d0 bd d1 8b картинки, стоковые фото D1 81 d0 b8 d0 bb d1 83 d1 8d d1 82 d0 bc d1 83 d0 b6 d1 87 d0 b8 d0 bd d1 8b d0 b8 d0 b6 d0 b5 d0 bd d1 89 d0 b8 d0 bd d1 8b

Великих произведений западного искусства

Фра Филиппо Липпи: Портрет женщины с мужчиной у створки — c1440

Нью-Йорк, Метрополитен-музей

Часто портрет показывает не только физиономию натурщика. Этот двойной портрет, который, как считается, был написан для обручения или свадьбы (в 1436 г.) Лоренцо ди Раньери Сколари (1407–1478) и его невесты, Ангиолы ди Бернардо Сапити, раскрывает столько же об обществе, которое его создавало, так и об отдельных людях. .

Лоренцо, кажется, смотрит через окно в комнату, где Ангиола стоит в строгом профиле. Одетая в роскошные ткани и драгоценности, с бледными волосами и кожей, сияющей, как жемчуг, который она носит, женщина — безусловно доминирующая фигура. Но на самом деле картина не о ней.

У молодой девушки-патриция во Флоренции 15 века обычно было два возможных пути в жизни: стать монахиней или женой. Ожидается, что она будет скромной, целомудренной и послушной своему отцу, а в случае замужества — своему мужу. Ее жизнь проходила в семейной сфере, и ее свадьба была одной из немногих, когда она появлялась на публике. Композиция этой картины отражает эту строго регулируемую жизнь.

И действительно, Ангиола изображена как сама жемчужина, драгоценность, заключенная в элегантную комнату; она воплощение женских идеалов красоты и добродетели. Несмотря на то, что они помолвлены, взгляды пары не встречаются; опущенные или отведенные глаза были признаком женской скромности и почтения; встретиться глазами с мужчиной было бы бессмысленно.Выйдя замуж, женщина стала частью семьи своего мужа, о чем здесь свидетельствует включение только герба Сколари, на котором Лоренцо покоится в своих руках. У Ангиолы есть только один девиз: lealt (верность), вышитый по краю ее рукава.

Обе фигуры, типичные для стиля фра Филиппо, элегантно солидны, с упрощенными чертами лица, но с тщательно продуманными украшениями и одеждой. В комментарии 1480 г. отмечалось, что «фра Филиппо Липпи был милостивым, богато украшенным и чрезвычайно искусным; он был очень хорош в композициях и разнообразии, в раскраске, рельефе и в орнаментах любого рода. Такое внимание к материальным поверхностям привлекало многих важных покровителей, от Сколари до Медичи, поскольку искусство Тосканы 15 века было предметом демонстративного потребления, предназначенного для демонстрации богатства и имущества. Липпи также использует топографические детали в зданиях и садах, видимых через окно (техника, которую он, вероятно, перенял из фламандского искусства). Это как если бы художник документировал имущество семьи Сколари: драгоценности, собственность и добродетельную жену.

Новаторский Фра Филиппо Липпи был одним из первых художников, преуспевших в профильном портрете — это изображение считается первым двойным портретом в итальянском искусстве, одним из первых в интерьере и одним из первых, на котором изображена женщина. .Созданный из имперских изображений на классических монетах, этот формат на протяжении десятилетий оставался стандартом для женских портретов (сегодня сохранилось около 40 женских портретов эпохи Возрождения), возможно, поскольку он идеально подходил для символической демонстрации женской добродетели, семейной чести и богатство.

Художник не следовал за ограничительными общественными нравами, представленными в этой работе. Хотя Липпи был монахом-кармелитом (фра) с 14 лет, он не подходил для религиозной жизни.Он был вовлечен в многочисленные скандалы, самый известный в 1456 году, когда он похитил монахиню Лукрецию Бути из монастыря в Прато, где он был капелланом. Однако с помощью одного из его покровителей, Козимо Медичи, оба были освобождены от своих клятв. Они поженились, и у них родился сын Филиппино, который стал таким же успешным художником, как и его отец, обучаясь в мастерской Филиппо вместе с другой звездой следующего поколения, Боттичелли.

Роберт Кампин | Мужчина | NG653.1

Мужчина и женщина, явно муж и жена, смотрят друг на друга.Мы не знаем, кем они были, но их одежда, не слишком богатая, позволяет предположить, что они были относительно зажиточными горожанами. Ясность и достоверность этих парных портретов поразительна, но они не только отражают то, как выглядели натурщики.

Способность Кампина передавать текстуры кожи, меха и ткани означает, что мы не сразу осознаем мастерство, с которым он укладывал одежду натурщиков и даже их особенности. Это строго упорядоченные геометрические композиции, призванные показать нам, на что была похожа пара: пожилой, уставший от жизни мужчина и яркая, оптимистичная молодая женщина.Мужчина сутулится, и морщинки его лица перекликаются с его одеждой; кожа женщины гладкая, глаза сияют, а черты лица и одежда образуют восходящие линии.

Мужчина и женщина, явно муж и жена, смотрят друг на друга. Мы не знаем, кем они были, но их одежда, не слишком богатая, позволяет предположить, что они были относительно зажиточными горожанами.

Портреты, безусловно, были парными.Дубовые доски опор из того же дерева; размеры окрашенных поверхностей совпадают с точностью до миллиметра; оба имеют по краям следы одних и тех же зеленых пигментов, очевидно из оригинальной рамки; спина обоих под мрамор. Возможно, что они изначально были соединены вместе, чтобы образовать диптих, хотя все свидетельства этого были потеряны вместе с оригинальной рамой.

Это одни из самых ярких портретов раннего Возрождения, которые сохранились до наших дней, и их ясность и достоверность поражают.Хотя головы были подчеркнуты — они немного увеличены по сравнению с телами — это явно убедительные изображения мужчины и женщины.

Но способность Кампина передавать текстуры кожи, меха и ткани означает, что мы не сразу осознаем, с какой уловкой он укладывал одежду натурщиков и даже их особенности. Портреты — это не просто представление о том, как выглядела пара, это строго упорядоченные геометрические композиции, призванные показать нам, какими они были: пожилым, уставшим от жизни мужчиной и яркой, оптимистичной молодой женщиной.Невероятно искусный рисовальщик, Кампен делал это с помощью выкроек. Обвисшая кожа мужчины, нахмуренный лоб и нисходящие складки в уголках рта отражаются в линиях его одежды, в то время как лицо и одежда женщины образуют узор из восходящих линий. Ее руки, поднятые вверх на портрете, придают работе еще больший подъем.

Кампен, однако, позаботился о том, чтобы портреты хорошо сочетались друг с другом. Оба лица сильно освещены, поэтому выделяются на плоском черном фоне.Оба изображены под углом в три четверти, смотрящими внутрь друг к другу. Голова мужчины немного больше, но Кампен уравновесил это, подарив жене головной убор побольше и включив в нее ее руки. Смелая, ограниченная цветовая гамма и тщательная композиция объединяют картины. Красный хвост его шляпы опускается по диагонали, чтобы встретиться с ее белыми вуалями, создавая сильную визуальную связь между двумя картинами.

Узкие полоски голого дерева могли быть закрыты рамой. Обрамленные панели должны были быть сделаны профессиональными столярами: рамы были построены вокруг панелей до того, как основание было положено как на рамы, так и на панели, возможно, художником.На этих двух портретах рамки были украшены после того, как картины были завершены. Похоже, они были покрыты зеленым и красным мрамором. Спинки тоже были под мрамор, красного и коричневого цвета, но очень повреждены. Картины в то время не всегда вешали на стены, поэтому иногда украшали и спинки.

Дискурс против рисования и подкрашивания женщин, в котором осуждаются и осуждаются отвратительные грехи дальнейших действий и отравления, гордости и честолюбия, прелюбодеяния и колдовства.Куда добавлено изображение картины или персонаж нарисованной женщины.

Автор:	Тьюк, Томас, д. 1657.
Заголовок:	Дискурс против рисования и окрашивания женщин, в котором осуждаются и осуждаются отвратительные грехи дальнейших действий и отравления, гордости и честолюбия, прелюбодеяния и колдовства. Куда добавлено изображение картины или персонаж нарисованной женщины.
Права / разрешения:	Библиотека Мичиганского университета предоставляет доступ к этим закодированным и с клавиатурой выпускам произведений в образовательных и исследовательских целях. Считается, что эти транскрипции находятся в открытом доступе в Соединенных Штатах; однако, если вы решите использовать любую из этих транскрипций, вы несете ответственность за проведение собственной юридической оценки и получение любого необходимого разрешения. Если у вас есть вопросы о коллекции, свяжитесь с eebotcp-info @ umich.edu. Если у вас есть сомнения по поводу включения элемента в эту коллекцию, пожалуйста, свяжитесь с [email protected]. Это заявление не распространяется на изображения страниц или другие дополнительные файлы, связанные с этой работой, которые могут быть защищены авторскими правами или другими лицензионными ограничениями. Пожалуйста, перейдите на http://www.textcreationpartnership.org/ для получения дополнительной информации.
Источник печати:	Дискурс против рисования и окрашивания женщин, в котором осуждаются и осуждаются отвратительные грехи дальнейших действий и отравления, гордости и честолюбия, прелюбодеяния и колдовства. Куда добавлено изображение картины или персонаж нарисованной женщины. Тьюк, Томас, д. 1657 г., Тьюк, Томас, ум. 1657. Изображение картины. aut Отпечатано в Лондоне: [Томасом Кридом и Бернардом Олсопом] для Эдварда Марчанта, 1616 г.
Альтернативные названия:	Трактат против рисования и окрашивания мужчин и женщин
Тематические условия:	Косметика — Англия — Ранние работы до 1800 года. Англия — Общественная жизнь и обычаи — Ранние произведения до 1800 года.
URL:	http://name.umdl.umich.edu/a14007.0001.001
Как цитировать:	Рекомендации по цитированию этого текста см. В разделе «Цитирование TCP» на веб-сайте Text Creation Partnership.

Последние новости Афганистана: Рекламы, изображающие женщин, «закрашенных» после входа Талибана в Кабул

Рекламы женщин в свадебных платьях, по всей видимости, закрашены в Кабуле после того, как боевики Талибана вошли в столицу Афганистана.

На фотографии, опубликованной в Твиттере афганским журналистом в воскресенье, видно, как мужчина использует валик и белую краску, чтобы скрыть большие изображения за пределами здания.

Рекламы, кажется, размещены за пределами салона красоты Taj, который описывает себя как «лучший свадебный салон красоты в Афганистане».

Видео, размещенное на странице компании в Facebook в марте этого года, показывает модели, позирующие в свадебных платьях, на двух рекламных объявлениях, расположенных по обе стороны от входа в салон.

Инцидент произошел, несмотря на заявление представителя Талибана, что группа боевиков «будет уважать права женщин», когда возьмет под свой контроль Афганистан.

Сухайл Шахин сказал BBC News: «Мы будем уважать права женщин … наша политика такова, что женщины будут иметь доступ к образованию и работе, носить хиджаб».

Он подтвердил позицию талибов, что «никто не должен покидать страну … нам нужны все таланты и возможности, нам нужно, чтобы все мы оставались в стране и участвовали».

Его комментарии последовали за сообщениями днем ​​ранее о том, что женщин отправляли домой с работы в упавших провинциях и в некоторых случаях им предлагали покинуть университеты.

Кадр из видеоролика с рекламой у салона красоты Taj в Кабуле, Афганистан

(Салон красоты Taj / Facebook)

В начале июля, когда повстанцы Талибана захватывали территорию у правительственных сил по всему Афганистану, боевики из группы вошли в офисы банка Azizi Bank в южном городе Кандагар и приказал девяти работающим там женщинам уволиться.

Бандиты проводили их по домам и приказали не возвращаться на работу. Вместо этого они объяснили, что их место могут занять родственники-мужчины, по словам трех женщин и менеджера банка.

«Это действительно странно, что меня не пускают на работу, но теперь это то, что есть», — сказал 43-летний Нур Хатера, который работал в бухгалтерии банка.

«Я выучил английский и даже научился работать на компьютере, но теперь мне придется искать место, где я мог бы просто работать с большим количеством женщин.

Этот инцидент является ранним признаком того, что некоторые права, завоеванные афганскими женщинами за 20 лет, прошедшие с момента свержения жесткого исламистского боевого движения, могут быть обращены вспять.

Талибан неуклонно наводняет страну с тех пор, как в мае начали вывод войск США, а в воскресенье повстанцы вошли в столицу.

Когда группа в последний раз управляла Афганистаном, с 1996 по 2001 год, женщины не могли работать, девочкам не разрешалось посещать школу, а женщинам приходилось закрывать лицо и сопровождать родственников-мужчин, если они хотели выйти из дома.

Женщины, нарушившие правила, иногда подвергались унижениям и публичным избиениям со стороны религиозной полиции талибов в соответствии со строгим толкованием исламских законов этой группой.

Во время до сих пор безрезультатных переговоров о политическом урегулировании лидеры Талибана заверили Запад, что женщины будут пользоваться равными правами в соответствии с тем, что даровано Исламом, включая способность работать и получать образование.

Через два дня после инцидента в Azizi Bank аналогичная сцена разыгралась в филиале другого афганского кредитора, Bank Melli, в западном городе Герат, по словам двух кассиров-женщин, которые были свидетелями этого.

Боевики Талибана патрулируют после взятия под контроль Джелалабада в провинции Нангархар

(EPA)

Трое боевиков Талибана с оружием вошли в филиал, упрекая женщин-служащих за то, что они открывают свои лица на публике. Женщины увольняются, вместо них отправляя родственников-мужчин.

Представитель Талибана Забихулла Муджахид не ответил на запрос о комментариях по поводу двух инцидентов, как и два участвовавших банка.

Что касается более широкого вопроса о том, будет ли женщинам разрешено работать в банках в районах, которые он контролирует, г-н Муджахид добавил, что решение еще не принято.

«После установления исламской системы все будет решено в соответствии с законом, и, дай Бог, не будет никаких проблем», — сказал он.

Соединенные Штаты и другие западные державы опасаются, что Талибан откажется от многих свобод, завоеванных женщинами.

Улучшение прав женщин считается одним из самых больших достижений за 20 лет развертывания сил под командованием США в Афганистане, хотя в основном они были достигнуты в городских центрах.

Афганские женщины, работающие в таких сферах, как журналистика, здравоохранение и правоохранительные органы, были убиты в результате волны нападений с момента начала мирных переговоров в прошлом году между талибами и поддерживаемым США афганским правительством.

Правительство возлагает ответственность за большинство преднамеренных убийств на талибов, которые отрицают факт совершения убийств.

Множество афганских женщин обратились в социальные сети, чтобы попросить о помощи и выразить свое разочарование.

«Каждый город рушится, рушатся человеческие тела, рушатся мечты, рушится история и будущее, рушится искусство и культура, рушится жизнь и красота, рушится наш мир», — написала Рада Акбар в Twitter. «Кто-нибудь, пожалуйста, остановите это».

Малала Юсафзай, активистка женского образования и самый молодой лауреат Нобелевской премии, написала в Твиттере: «Мы в полном шоке наблюдаем, как Талибан берет под свой контроль Афганистан.

«Меня очень беспокоят женщины, меньшинства и защитники прав человека.

«Глобальные, региональные и местные державы должны призвать к немедленному прекращению огня, предоставить срочную гуманитарную помощь и защитить беженцев и гражданских лиц».

Дополнительный отчет Reuters

Известные женские картины — 15 самых знаковых женских портретов

На протяжении всей зарегистрированной истории художники создавали скульптуры, женские портреты и картины женщин, которые стали всемирно известными.От самых ранних статуй плодородия до современных шедевров людям всегда нравилось исследовать тему женщин в искусстве. Возможно, именно врожденная красота и пышные линии женской формы служат источником вдохновения для художников, создавших эти шедевры. И давайте не забывать самих женщин, многие из которых также были талантливыми художниками, написавшими множество шедевров, но не включенных в повествование истории искусства из-за их пола. В этой статье будут рассмотрены некоторые из самых знаковых женских картин, от работ «великих», таких как Боттичелли и да Винчи, до автопортретов женщин-художников, таких как Фрида Кало и Мэри Кассат.

Пятнадцать известных женских картин

Хотя многие всемирно известные художники-мужчины создавали знаменитые женские картины, есть также несколько прекрасных примеров того, как женщины рисуют себя автопортретами. Давайте подробнее рассмотрим пятнадцать известных картин женщин и то, что сделало их такими популярными.

Художник	Сандро Боттичелли
Год	1485
Средний	Холст, масло
Размеры	1,72 м x 2. 78 кв.м.
Текущее местоположение	Галерея Уффици во Флоренции, Италия

Флоренция, Италия, родина Сандро Боттичелли, родившегося в 1445 году. Он был художником в стиле раннего итальянского Возрождения. Сегодня Боттичелли больше всего помнят за его картины на мифологические сюжеты, хотя он также писал много других предметов, таких как религиозные деятели и женские портреты. Он создал множество изображений Мадонны с младенцем, а также помогал в росписи Сикстинской капеллы.Здесь он участвовал в создании прекрасных сцен, таких как Молодость Моисея, Искушения Христа, и Наказание сыновей Коры.

Хотя ему приписывают множество портретов, есть только число, которое можно точно определить как его работу.

Очень известный и плодовитый, его работа Рождение Венеры , вероятно, будет самой знаковой картиной женщины, когда-либо созданной . На этой картине изображена богиня Венера, прибывающая к береговой линии на раковине после своего рождения, из которой она вышла обнаженной и полностью сформировавшейся. Слева от нее находится крылатый бог ветра Зефир, который дует на нее видимыми излучающими линиями, пытаясь помочь снарядному кораблю добраться до берега. Справа от нее — Хора Весны, одна из трех второстепенных греческих богинь. На картине мы видим, как она протягивает плащ, чтобы прикрыть Венеру по прибытии на берег.

Мона Лиза была написана в 1506 году мастером-художником Леонардо да Винчи. Другой художник из Италии, да Винчи, родился в 1452 году. Хотя у него никогда не было формального образования, сегодня его помнят за его вклад во многие научные школы, такие как искусство, наука, математика и технические изобретения. Он считается одним из самых выдающихся людей в истории и не просто выдающимся художником, но гением своего времени. Он был левшой, но был известен тем, что писал нетрадиционными способами, например, справа налево или назад вперед. Он пытался уберечь свои идеи от посторонних глаз, разработав стиль, названный «зеркальным письмом».

Считающийся одной из самых известных картин, когда-либо созданных с изображением женщины, да Винчи создал Мона Лизу в 1506 году. На этом портрете изображена женщина по имени Лиза Герардини, которая была замужем за дворянином Франческо дель Джокондо. В классическом стиле ренессанса портрет показывает половину тела на фоне природного ландшафта. Чтобы изобразить отношения между природой и людьми, да Винчи создал изогнутые линии в ее волосах и одежде, которые продолжаются в их окружении, образуя часть естественных линий рек и гор.Именно ее непреходящая красота и намек на улыбку сделали ее одной из самых узнаваемых женщин в искусстве.

Артемизия Джентилески родилась 8 июля 1593 года в Риме, Италия. Она была художницей в стиле барокко и считается историками искусства одной из самых знаменитых художников 17 века. Она была замечательно опытной художницей, профессионально создававшей искусство с невероятно юных пятнадцати лет. В то время возможностей было мало и мало, особенно для художников-женщин, и Джентилески помог проложить путь многим последующим художницам.

Считается, что Карл I пригласил Джентилески в Лондон в 1638 году, и именно там она написала свой знаменитый автопортрет.Картина призвана изобразить аллегорическую женскую фигуру олицетворения живописи. Такое восприятие живописи возникло из книги Чезаре Рипа Iconologia , где он описал живопись как женщину красоты, с темными густыми волосами и лицом, которое вызывает чувство глубины воображения. Таким образом, она смогла идентифицировать себя как воплощение живописи, чего художники-мужчины не могли достичь в такой личной степени, как она.

Домашние сцены и жизнь людей среднего класса были в центре внимания работ голландского художника эпохи барокко Йоханнеса Вермеера. Он работал над каждой картиной в течение долгих периодов времени, уделяя огромное внимание медленному и неторопливому нанесению деталей. Он наиболее известен своим изысканным и мастерским использованием света в своих произведениях. Вермеер добился умеренного успеха в своей жизни, получив признание купола в Гааге, но его скромные картины были сделаны из особо дорогой краски, из-за которой его семья осталась в долгу, когда он скончался в декабре 1675 года.

Одно из самых известных его произведений — это прекрасно освещенный Девушка с жемчужной серьгой, , один из самых узнаваемых женских портретов в истории искусства. На протяжении веков эта картина носила множество разных имен, в том числе «Мона Лиза из Голландии», пока, наконец, не была названа в честь серьги в последние годы двадцатого века.Из-за размера, формы и поверхности с высокой отражающей способностью некоторые историки усомнились в точном материале серьги, заявив, что она больше похожа на олово, чем на жемчуг.

После недавних реставраций многие элементы росписи были улучшены, например, нежные цвета и проницательный взгляд женщины. После тщательной реставрации этого произведения искусства было также обнаружено, что фон, который мы видим очень темным, когда-то был темно-зеленым.

Художник	Эдуард Мане
Год	1863
Средний	Холст, масло
Размеры	130. 5 см x 190 см
Текущее местоположение	Musée d’Orsay, Париж,

Эдуард Мане родился в Париже, Франция, 23 января 1832 года. Считающийся художником-модернистом, он сыграл ключевую роль в переходе от реализма к импрессионизму с его изображениями современной жизни XIX века. Он родился в семье с сильными политическими связями, и ожидалось, что он будет заниматься политикой в ​​качестве карьеры, но от этой идеи он отказался в раннем возрасте, чтобы реализовать свое желание стать художником.В течение последних двух десятилетий своей жизни Мане установил прочные отношения с другими современными художниками своего времени и разработал уникальный стиль, который был известен своими новаторскими решениями и оказал влияние на многих будущих художников.

Олимпия впервые появилась на выставке Парижского салона в 1865 году. На ней изображена обнаженная женщина , лежащая на кровати , а ее слуга приносит ей букет цветов.Викторина Мерент использовалась в качестве модели для Olympia , а Лора была моделью для служанки Олимпии. Вызывающий взгляд модели вызвал негодование широкой публики, так как многие детали картины намекают на то, что она работающая девушка или проститутка. Эти детали включали ее серьги и браслет, сад в ее волосах и шаль, на которой она возлежит. Все они считались символами богатых и откровенно чувственных по своей тематике.

Многие искусствоведы того времени презирали произведение, а консерваторы хотели его уничтожить, но со временем оно стало высоко ценимым и вдохновляющим примером женского искусства.

Джеймс Макнил Уистлер был американским художником, родившимся в Массачусетсе в 1834 году, но большую часть времени проводившим в Соединенном Королевстве. Он был наиболее активен в эпоху, известную как американский позолоченный век, и его работы были известны своим моральным и сентиментальным подтекстом. Его подпись, как говорили, напоминала бабочку с длинным жалящим хвостом, который, как говорили, отражал различные аспекты его личности, такие как его мягкий стиль рисования, но агрессивный публичный образ.

Он был и художником, и музыкантом, обнаружив сходные темы в обоих предметах, что привело к тому, что он назвал определенные произведения после музыкальных терминов, таких как «гармонии» или «аранжировки», тем самым подкрепив свой акцент на тональной гармонии.Его считали основоположником тонализма.

Его самое известное произведение искусства — это также один из самых узнаваемых женских портретов в современном искусстве, где его мать изображена сидящей в кресле и выглядящей типично по-матерински. Он также известен как композиция в сером и черном цветах. 1 и, как говорят, была написана, когда жила в Лондоне.Некоторые историки предполагают, что его мать была заменой модели, которая не смогла присутствовать на сеансе. Его матери, Анне Макнейл Уистлер, в то время было под шестьдесят, и в конце концов ее нарисовали сидящей после того, как она жаловалась на то, что ей приходится долго стоять на ногах.

Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Моне вряд ли нуждается в представлении, поскольку он по праву считается одним из самых известных художников из Франции. Фактически, Моне также считается пионером или отцом импрессионистского движения. Он стремился изобразить природу субъективно, как он ее видел, а не так, как ее воспринимали другие. Это привело к тому, что его почитают как ключевую фигуру, ведущую к модернистскому движению.

На протяжении своей долгой карьеры он прославился как наиболее откровенный авторитет в философии импрессионистов, которая подчеркивает точку зрения художника в отличие от объективного взгляда на мир природы.

Женщина с зонтиком изображает его первую жену и сына, гуляющих по лугу в Аржантее в ветреный день. Он также известен как The Stroll и иллюстрирует использование цвета Моне в типичном стиле импрессионизма. Спонтанное ощущение от картины объясняется тем, что она, скорее всего, была написана на открытом воздухе за один сеанс.Размер 100 на 81 см — это одна из крупнейших его работ того периода. Примерно десять лет спустя он написал две похожие работы, используя дочь своей следующей жены, Сюзанну Моне.

Мэри Стивенсон Кассат, американская художница, родилась в Пенсильвании 22 мая 1844 года. Несмотря на то, что она родилась в Соединенных Штатах, она провела большую часть своей жизни во Франции. Она дружила с Эдгаром Дега и выставляла свои работы вместе с другими современными импрессионистами-мужчинами. Ее работы часто изображали образы жизни женщин в частной социальной обстановке, такие как близкие отношения между матерью и ребенком.

Наряду с Бертой Моризо и Мари Бракмонд Гюстав Джеффруа назвал Кассат одной из «трех великих женщин импрессионистского движения». Ее работы сравнивают с ее коллегами, такими как Дега, поскольку оба стремились изобразить свет и движение с современной чувственностью.

Мэри Кассат написала The Cup of Tea в 1881 году, когда послеобеденный чай был для более богатых женщин повседневным социальным ритуалом.Эта тема соответствовала желанию Кассата изобразить повседневную жизнь 1880-х годов. Остальная часть ее семьи переехала в Париж в 1877 году, и после этого ее сестра Лидия часто использовалась в качестве модели для различных картин Мэри. Картины Кассат представляли собой исследование контрастных цветов, тонких палитр и блестящей манеры письма, и эти элементы демонстрируют, как она приняла импрессионизм в своих произведениях.

Для женщины, рисующей в эпоху преимущественно мужчин, она по-прежнему выделялась своей уникальной техникой и стилем.

Хотя Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, он был американским художником, родившимся 12 января 1856 года.Он создал около 900 картин маслом, а также более 2000 акварелей и считается ведущим портретистом в своей жизни.

Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, Тоскана, в семье американцев. До переезда в Лондон он тренировался в Париже и большую часть времени проводил в Европе. Портрет мадам X выставлялся в Парижском салоне, и он надеялся, что это укрепит его положение как парижского светского художника, но, к сожалению, это было омрачено скандалом.В следующем году он уехал в Англию и продолжил широко известную карьеру художника-портретиста.

T Портрет мадам X в то время считался спорным, так как предполагалось, что ее поза была сексуально провокационной. Сарджент целенаправленно и тщательно выбрал позу для модели Вирджини Готро: ее тело обращено вперед в смелой позе, а ее голова нарисована в профиль.Модель была нарисована в черном платье из атласа, которое одновременно скрывает и раскрывает форму на этой женской картине.

Критики картины отметили, что художник намеренно создал элементы картины, чтобы подчеркнуть изгибы женщины, например стол, к которому она опирается для поддержки.

Эдгар Дега родился в июле 1834 года в Париже, Франция. Дега также работал со многими средствами, включая гравюры, бронзовые скульптуры и рисунок, хотя он наиболее известен своими картинами маслом импрессионистов. На многих его картинах изображены танцоры и танцы, так как изображение движения представляло для него особый интерес. Этот интерес можно далее наблюдать в его картинах купающихся обнаженных женщин и скачущих лошадей.Он также писал портреты, которые пользовались уважением за мастерское отображение сложных человеческих эмоций.

Большинство историков искусства считают его одним из отцов импрессионизма, хотя он утверждал, что ему не нравится этот термин, и предпочитал описание реализма. В отличие от других импрессионистов, многие из его работ изображали помещения.

Эдгар Дега создал Женщина в ванне, протирая ноги как часть серии обнаженных женских портретов, выполненных пастелью.Он не хотел копировать классическое искусство обнаженной натуры римлян или греков, а скорее хотел изобразить настоящих женщин в искусстве, занятых обычными повседневными делами, отнимающими у них время, такими как купание. Многие из его работ сначала создавались спонтанно, а затем завершались и детализировались позже в его мастерской. На этой картине изображена грация движения, его нежные линии изгибаются таким образом, чтобы расслабить зрителя и создать атмосферу, подобную той, которую он испытывает во время купания.

Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме, Италия, 6 апреля 1849 года в семье английских художников.Он был известен своей работой в академическом стиле, прежде чем перейти к стилю прерафаэлитов. Он был особенно известен тем, что изображал женщин в произведениях искусства, на темы которых варьировались от Легенд об Артуре до греческой мифологии. Его любимой темой было создание произведений искусства, вдохновленных такими классическими авторами, как Китс, Шекспир, Гомер, Овидий или Теннисон.

Джон Уильям Уотерхаус нарисовал «Хрустальный шар » в 1902 году и выставил его позже в том же году вместе с «Миссал » в Королевской академии.Можно заметить влияние итальянского Возрождения на творчество художника благодаря использованию кругов, а также использованию горизонтальных и вертикальных линий по отношению друг к другу. По сравнению с готической эпохой было очевидно, что его искусство заметно отличалось от обычно заостренных арок, найденных в архитектуре этого периода.

Теперь принадлежащая частному коллекционеру картина была восстановлена ​​до своей первоначальной красоты после того, как предыдущий владелец накрыл череп на столе.Детали и фактура, запечатленные художником на бархатном платье, изысканно проработаны.

Участник движения Венского сецессиона, этот художник-символист был также очень известной и выдающейся фигурой. Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене. Основным предметом в его творчестве была женская форма, и его работы известны своим сильно эротическим подтекстом. Помимо женских портретов, он был известен еще картинами пейзажей, . По сравнению с другими художниками движения Венского сецессиона, работы Климта демонстрируют наибольшее влияние техник и стилей японского искусства .

Женщина с веером отражает смесь Густава его самобытного стиля и влияния японского искусства на современное искусство, известное как японизм.Это была одна из его последних работ, завершенная в том же году, когда он скончался.

Будучи изначально частью авангардного движения, известного как Венский сецессион, более поздние работы Климта считались более страстными и эмоциональными по сравнению с его ранними работами. В этот период он больше рисковал как в стиле, так и в технике.

Фон напоминает его золотой период своим отчетливым желтым оттенком.Цветы и птицы написаны в его ярко выраженной яркой цветовой палитре. Картина отражает большую часть своего японского влияния со стилизованными и яркими узорами, имитирующими эстетику печати на дереве. Эта работа прекрасно отображает эволюцию пути художника в искусстве, смешивая святое с эротическим, орнаментальным и тонкими аспектами искусства в идеальном равновесии.

Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в Мехико, Мексика. Она была наиболее известна своими многочисленными автопортретами. Редкий пример женщины, рисующей свой собственный портрет, она объявила свою культурную идентичность, используя стили наивного народного искусства. Она использовала свое искусство, чтобы исследовать такие темы, как класс, пол и постколониальное мексиканское общество. Она смешала элементы фэнтези с автобиографическим реализмом, чтобы создать свою уникальную интерпретацию мексиканской культуры и была уникальным голосом женщин в искусстве.

Эта картина вызвала большой интерес у историков, поскольку она содержит много символических элементов, которые имели личное значение для Кало.

На этом произведении она обращена к зрителю лицом к лицу. Позади нее на заднем плане видны большие зеленые листья. Черная обезьяна, кажется, работает с ожерельем из шипов на шее, которое истекает кровью из шипов. На петлеобразных шипах можно увидеть маленькую колибри, а через другое плечо — черную кошку.Несмотря на неприятный на вид сценарий, она, кажется, терпеливо страдает от боли, и на ее лице отразилось торжественное спокойствие.

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания.Хорошо известный всем даже сегодня, Пикассо был одним из пионеров и соучредителей того, что было известно как движение кубизма. Он демонстрировал большие художественные способности с самого раннего возраста, в эти ранние годы рисовал в основном в натуралистическом стиле. В первые десять лет 20-го века его искусство претерпело множество трансформаций, когда он экспериментировал с различными стилями и техниками. Он стал более радикальным в своем подходе к искусству, когда был вдохновлен движением фовистов, особенно такими художниками, как Анри Матисс.

Его уникальный стиль в конечном итоге привел к тому, что Пикассо стал одной из самых известных фигур 20 века.

В 1938 году Пикассо встретил женщину по имени Дора Маркович, фотограф из Югославии. Она стала моделью для его работы « Портрет Доры Маар», считалась важной вехой в женских портретах и ​​сдвигом в том, как можно было изображать женщин в произведениях искусства. Дора изображена сидящей в кресле, ее улыбающееся лицо показывает сочетание вида спереди и в профиль, что было отличительной чертой работ Пикассо.Предлагая зрителю все ракурсы объекта, он смог предложить более правдивое изображение человека, чем статический вид.

Завершает наш список всемирно известный американский художник Энди Уорхол, который родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. Он был режиссером и художником, известным тем, что стирал границы между формами искусства и своими экспериментами со смешиванием материалов. . Он наиболее известен своими шелкографическими изображениями предметов домашнего обихода, таких как консервные банки с супом. Он считается известной фигурой в современном движении поп-арта, беря массовые и китчевые элементы коммерческой культуры и применяя эстетику изобразительного искусства, чтобы возвысить произведение до чего-то ценного и значимого.

Blue Marylin — одно из четырех полотен, созданных в 1964 году, под общим названием The Shot Marylins . Они были названы The Shot Marylins после того, как друг Уорхола, фотограф Дороти Подбер, увидела серию картин, сложенных у стены, и спросила его, может ли она их снять. Он, естественно, предположил, что она имела в виду камеру, но затем она вытащила небольшой револьвер и выстрелила пулей в стопку картин. Всего было пять картин, но одной из них — той, что на бирюзовом фоне — в то время не было в стопке, и поэтому она не считается одной из работ, включенных в коллекцию The Shot Marylins .

Итак, мы узнали, что женская фигура была источником вдохновения для художников на протяжении всей нашей истории на Земле. Все самые влиятельные художники своего времени создавали изысканные образцы женских портретов в стилях, известных при их жизни, давая нам женское искусство, которое варьируется от реальных до реальных стилей искусства, вплоть до странных и абстрактных.

Мы создали Интернет-историю о знаменитых картинах женщин.

Часто задаваемые вопросы

Все ли женские картины написаны художниками-мужчинами?

Нет, в этом списке есть несколько прекрасных примеров женщин-художников. Каждый из них добавил свой колорит движениям своих эпох и сумел выделиться даже среди своих коллег-мужчин. Среди этих женщин — Фрида Кало и ее автопортреты, великолепные работы Артемизии Джентилески в стиле барокко и картины Мэри Кассат, изображающие повседневную жизнь богатых женщин ее эпохи.

Все ли женские портреты фотореалистичны?

Нет, может быть несколько движений, которые стремились изобразить как можно более правдоподобно, но большинство женщин в произведениях искусства на протяжении всей истории человечества изображались во многих стилях. Являясь одним из наиболее распространенных предметов, нарисованных художниками, существует бесчисленное множество вариаций того, как женщины изображаются в искусстве, от импрессионизма до кубизма. От реалистичного до фантастического, наши художники всегда любили отмечать чувственные линии и изгибы женских форм в своем искусстве.

100 Картины Анализ, биография, цитаты и искусство

Мексиканская художница Фрида Кало известна своими автопортретами, болью и страстью, а также яркими яркими красками. В Мексике ее прославляют за внимание к мексиканской культуре и культуре коренных народов. феминистками за ее изображение женского опыта и формы.

Кало, который в детстве болел полиомиелитом, чуть не погиб в автобусной аварии в подростковом возрасте.У нее были множественные переломы позвоночника, ключицы и ребер, раздроблен таз, сломана стопа и вывих плеча. Она начала серьезно заниматься живописью, пока поправлялась в гипсе. За свою жизнь она перенесла 30 операций.

Жизненный опыт — общая тема примерно 200 картин, эскизов и рисунков Кало. Ее физическая и эмоциональная боль ярко изображена на холстах, как и ее бурные отношения. со своим мужем, коллегой по художнику Диего Риверой, за которого она вышла замуж дважды.Из 143 ее картин 55 — автопортреты.

Разрушения, нанесенные ее телу в результате автокатастрофы, очень подробно показаны в «Сломанной колонне». Кало изображена почти обнаженной, разделенной посередине, с ее позвоночник представлял собой сломанную декоративную колонну. Ее кожа усеяна ногтями. Ей также поставили хирургический бандаж.

Я пишу автопортреты, потому что я так часто бываю одна, потому что я человек, которого я знаю лучше всего », — Фрида Кало

Первый автопортрет Кало был Автопортрет в бархатном платье в 1926 году.Он был написан в стиле мексиканских портретистов XIX века. которые сами находились под сильным влиянием мастеров европейского Возрождения. Она также иногда черпала у мексиканских художников фон из завязанных на спине занавесок. Автопортрет — Время летит (1929), Портрет женщины в белом (1930) и Все автопортреты, посвященные Льву Троцкому (1937) имеют этот фон.

В своем втором автопортрете «Время летит» Кало использует народный стиль и яркие цвета.Она носит крестьянскую одежду, а красный, белый и зеленый на картине — цвета мексиканского флага.

В течение своей жизни автопортрет — это тема, к которой Фрида Кало всегда возвращается, поскольку художники всегда возвращались к своим любимым темам — Винсент Ван Гог его Подсолнухи, Рембрандт, Автопортрет, и Клод Моне его «Водяные лилии».

Фрида и Диего: Любовь и боль

У Кало и Риверы были бурные отношения, отмеченные множеством романов с обеих сторон.Автопортрет с подстриженными волосами (1940), изображена Кало в мужском костюме, с ножницами в руках, волосы упали вокруг стула, на котором она сидит. Это время, когда она стригла волосы, которые любил Ривера, когда у него были романы.

Картина 1937 года «Память, сердце» показывает боль Кало из-за романа мужа с младшей сестрой Кристиной. Большое разбитое сердце у ее ног показывает интенсивность страданий Кало. Фрида Кало и Диего Ривера развелись в 1939 году, но через год воссоединились и снова поженились.Две Фриды (1939) изображают Кало дважды, вскоре после развода. Одна Фрида носит костюм из региона Техуана в Мексике, представляя Фриду, которую любил Диего. Другая Фрида носит европейское платье как женщина, которую Диего предал и отверг. Позже она вернулась в Техуану. платье в «Автопортрете как Техуана» (1943) и «Автопортрет» (1948).

Артефакты доколумбовой эпохи были обычным явлением как в доме Кало / Ривера (Диего собирал скульптуры и идолов, а Фрида собирала украшения), так и на картинах Кало.Она носила украшения этого периода в «Автопортрете — время летит» (1926), «Автопортрет с обезьяной» (1938) и «Автопортрет с косой» (1941) и др. Другие артефакты доколумбовой эпохи можно найти в книге «Четыре жителя Мехико» (1938), «Девушка с посмертной маской» (1938) и «Автопортрет с маленькими обезьянами» (1945).

Моя картина несет в себе послание боли », — Фрида Кало.

Сюрреалистичный или реалистичный?

Фрида Кало участвовала в «Международной выставке сюрреализма» в 1940 году в Galeria de Arte, Мексика.Там она выставила две свои самые большие картины: Две Фриды и Раненый стол (1940). Сюрреалист Эндрю Бретон считал Кало сюрреалистичной, но Кало отвергла это лейбл, заявив, что она просто нарисовала свою реальность. Однако в 1945 году, когда дон Хосе Доминго Лавин попросил Фриду Кало прочитать книгу Зигмунда Фрейда «Моисей и единобожие», чьи психоаналитические работы являются на основе — и изобразите ее понимание и интерпретацию этой книги. Фрида Кало написала Моисея, и эта картина была признана второй премией на ежегодной художественной выставке во Паласио де Bellas Artes.

Кало за свою жизнь не продала много картин, хотя иногда писала портреты по заказу. У нее была только одна персональная выставка в Мексике за всю ее жизнь, в 1953 году, всего за год до ее смерти в 47 лет.

Сегодня ее работы продаются по очень высокой цене. В мае 2006 года автопортрет Фриды Кало «Рутс» был продан за 5,62 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке, установив рекорд самой дорогой цены. Латиноамериканские работы, когда-либо купленные на аукционах, также делают Фриду Кало одной из самых продаваемых женщин в искусстве.

Широко известная своими марксистскими взглядами, Фрида вместе с революционером марксизма Че Геварой и небольшой группой современных деятелей стала контркультурным символом 20 века и создал наследие в истории искусства, которое продолжает вдохновлять воображение и умы. Фрида Кало, родившаяся в 1907 году и умершая в возрасте 47 лет, стала знаменитостью даже за свою короткую жизнь, которая простиралась далеко за пределы Мексики. Хотя ничего подобного культовому статусу, который в конечном итоге сделал бы ее матерью селфи, ее неизгладимый образ узнаваем везде.

В музее Фриды Кало в Мехико ее личные вещи выставлены по всему дому, как будто она все еще там жила. Кало родилась и вырос в этом здании, кобальтовые стены которого дали название Голубому дому. Несколько лет она жила там с мужем и умерла там. Объект является самым популярным музеем в Район Койоакан и один из самых посещаемых в Мехико.

американская готика | Чикагский институт искусств

Дата:

1930

Автор:

Грант Вуд
Американец, 1891–1942

Об этом произведении искусства

Это знакомое изображение впервые было публично выставлено в Чикагском институте искусств, благодаря чему Грант Вуд получил трехсотдолларовую премию и мгновенно прославился.Толчок к созданию картины возник, когда Вуд посещал небольшой городок Элдон в его родной Айове. Там он заметил небольшой деревянный фермерский дом с единственным огромным окном, выполненным в стиле, называемом плотницкой готикой. «Я представлял себе американских готиков с распростертыми лицами в этом американском готическом доме», — сказал он. Он использовал свою сестру и дантиста в качестве моделей для фермера и своей дочери, одевая их так, как если бы они были «деталью из моего старого семейного альбома». Детализированный, отполированный стиль и строгая фронтальность двух фигур были вдохновлены искусством фламандского Возрождения, которое Вуд изучал во время своих путешествий по Европе между 1920 и 1928 годами.После возвращения, чтобы обосноваться в Айове, он стал все более ценить традиции и культуру Среднего Запада, которые он прославлял в таких произведениях, как эта. Американская готика , которую часто понимают как сатирический комментарий к персонажам Среднего Запада, быстро стала одной из самых известных картин Америки и теперь прочно вошла в массовую культуру страны. Тем не менее, Вуд задумал это как позитивное заявление о американских ценностях, используемых в сельской местности, как обнадеживающий образ во времена больших потрясений и разочарований.Мужчина и женщина в их прочном и хорошо продуманном мире со всеми их сильными и слабыми сторонами представляют собой выживших.

Статус

На просмотре, Галерея 263

Отделение

Искусство Америки

Художник

Грант Вуд

Название

американская готика

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

Сделано в 1930 г.

Средний

Масло на бобровой доске

Надписи

Подпись и дата внизу справа на комбинезоне: GRANT / WOOD / 1930.

Размеры

78 × 65.3 см (30 3/4 × 25 3/4 дюйма)

Кредитная линия

Друзья коллекции американского искусства

Справочный номер

1930 г. 934

Расширенная информация об этой работе

История публикаций

• «Присуждение премий на ежегодной американской выставке», Бюллетень Института искусств Чикаго, 24, вып.9 (декабрь 1930): 120.
• Бюллетень Чикагского института искусств 25, вып. 2 (февраль 1931 г.): обложка (илл.), 8, 25.
• «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Института искусств Чикаго: Отчет за 1931 год, 26 вып. 2 (февраль 1932 г.): 70.
• «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1933 год 28, вып. 3 (март 1934 г.): 71, 73.
• «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1934 год 29, вып.3 (март 1935 г.): 72.
• «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1935 год 30, вып. 3 (март 1936 г.): 68.
• Фредерик А. Свит, «Полвека американского искусства», Бюллетень Чикагского института искусств 33, вып. 6 (№ 1939): 97.
• Анита Бреннер, «Есть ли американское искусство?», Журнал New York Times (23 ноября 1941 г.), ил. п. 13.
• Фредерик С. Уайт, Вехи американской живописи в нашем веке, введение Ллойда Гудрича (Бостон: Институт современного искусства с Chanticleer Press, Нью-Йорк, 1949), 30, 74, ил.пл. 21, 75.
• Алин Б. Лушхейм, «Житель Нью-Йорка посещает Институт искусств», The Art Institute of Chicago Quarterly 46, no. 2 (1 апреля 1952 г.): 23.
• «Люди и события: портреты на телевидении», The Art Institute of Chicago Quarterly 50, no. 2 (1 апреля 1956 г.): 39.
• Анри Дорра, Американская муза (Viking Press, 1961), 124, ил. п. 156.
• «Беседы в летней галерее», Календарь Чикагского института искусств 65, вып. 3 (май – август 1971 г.): 18.
• «Выбор лектора: пятнадцатиминутные беседы в галереях на лето», Бюллетень Чикагского института искусств 67, вып.3 (май-июнь 1973 г.): 11.
• Мэтью Байгелл, Американская сцена: американская живопись 1930-х годов (Praeger Publishers, 1974), 18, 109, 110, 111, ил. 1, 12.
• «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 69, вып. 4 (июль – август 1975 г.): 8.
• «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 73, вып. 5/6 (сентябрь – декабрь 1979 г.): 14.
• Ванда Корн, «Картина, ставшая символом национального духа», Smithsonian 11, 8 (ноябрь 1980 г.), 84–96, илл. п.85.
• Wanda M. Corn, Grant Wood: The Regionalist Vision, exh. Кот. (Институт искусств Миннеаполиса / издательство Йельского университета, 1982 г.), 3, 25–26, 33, 35, 60, 128–142, pl. 32.
• Ванда М. Корн, «Рождение национальной иконы: американская готика Гранта Вуда», Чикагский институт искусств, лекции столетия, музейные исследования 10 (Институт искусств Чикаго / Contemporary Books, Inc., 1983), 253 –275, рис. 1.
• Музей искусств Давенпорта, Айова, Грант Вуд: раскрытие американского мастера (Музей искусств Давенпорта / Гранатовые книги, 1995), 24, 69–73, 96–98, cat.16, пл. 16.
• Чикагский институт искусств, Чикагский институт искусств: живопись и скульптура двадцатого века, выбранный Джеймсом Н. Вудом и Тери Дж. Эдельштейн (Институт искусств Чикаго, 1996), 67, ил.
• Джеймс М. Деннис, Регионалисты-отступники: современная независимость Гранта Вуда, Томас Харт Бентон и Джон Стюарт Карри (University of Wisconsin Press, 1998), 14, 19–20, 100–02, рис. 7.
• Леа Россон Делонг, Мейн-стрит Гранта Вуда: искусство, литература и Средний Запад Америки, exh. Кот. (Эймс, Айова: Художественный музей Брунье, Университетские музеи, 2004 г.), 17–18, 24, 27–29, 39, 97, 104, 106, 159, 203, 205, 207, рис. 12.
• Томас Ховинг, Американская готика: биография американского шедевра Гранта Вуда (Chamberlain Bros., 2005).
• Стивен Биль, Американская готика: жизнь самых известных картин Америки (W.W. Norton & Co., 2005).
• Сью Тейлор, «Семейный альбом Гранта Вуда», American Art 19, 2 (лето 2005 г.): 48–67.
• Джудит А. Бартер и др., Американский модернизм в Институте искусств Чикаго, От Первой мировой войны до 1955 г. (Чикаго: Институт искусств Чикаго / Издательство Йельского университета, 2009 г.), кат. 79.
• Лаура Хоптман, «Уайет: мир Кристины», Один на один (Музей современного искусства, 2012), 4 (илл.).
• Duane Preble Emeritus et al., Prebles ’Artforms (Pearson, 2013), 11-е изд., 428. (ил.).
• Шанталь Георгель, «Милле» (Citadelles et Mazenod, 2014), (ил.).
• Картины в Институте искусств Чикаго: основные моменты коллекции (Чикаго: Институт искусств Чикаго / издательство Йельского университета, 2017), 123.
• Джудит А. Бартер, «Пролог: Ein neue Welt der Kunst», в Es war einmal в Америке — 300 Jahre US-amerikanische Kunst [Однажды в Америке: три века американского искусства], ред. Барбара Шефер и Анита Хахманн (Кельн: Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud / Wienand Verlag, 2018), 24, рис. 10 (ил.).
• Эндрю Грэм-Диксон, «Американская готика» — тайна Среднего Запада Гранта Вуда », Christie’s, 22 октября 2019 г., https://www.christies.com/features/American-Gothic-A-Midwestern-mystery-10143- 1.aspx, (ил.).
• Марта Руис дель Арбол, изд., Джорджия О’Киф, отл. Кот. (Мадрид: Национальный музей Тиссена-Борнемисы, 2021 г.), 66–67, рис. 45 (ил).

История выставки

• Институт искусств Чикаго, Сорок третья ежегодная выставка американской живописи и скульптуры, 30 октября — 14 декабря 1930 г., кат. 207, ил.
• Сидар-Рапидс, ИА, февраль 1931 г.
• Академия изящных искусств Буффало, Художественная галерея Олбрайт, Двадцать пятая ежегодная выставка избранных картин американских художников, 26 апреля — 22 июня 1931 г. , кат.139, ил. п. 26.
• Галерея изящных искусств Сан-Диего, выставка современной восточной живописи [вероятно], ок. Июнь 1932 г., кат. Санта-Барбара, Калифорния, Мемориальная картинная галерея Фолкнера, гр. Август 1932 г.
• Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Картины и гравюры чикагских художников, 28 февраля – 30 марта 1933 г., кат. 37, ил. фронтиспис.
• Художественный институт Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1933 г., кат. 666, пл. 92.
• Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Филлипса, ноябрь 1933 — февраль 1934.
• Филадельфия, Музей искусств Пенсильвании, 31 марта — 10 апреля 1934 г.
• Институт искусств Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1934 г., кат. 716.
• Чикаго, Lakeside Press Galleries, ссудная выставка рисунков и картин Гранта Вуда, февраль – март 1935 г., кат. 33, ил. п. 23.
• Нью-Йорк, галереи Фераргил, выставка картин и рисунков Гранта Вуда, март – апрель 1935 г. , кат. 15.
• Канзас-Сити, Миссури, Уильям Р.Галерея Нельсона, 2 октября — 8 ноября 1935 г.
• Далласский музей изящных искусств, выставка столетия, 6 июня — 29 ноября 1936 г., кат. 15, ил. п. 64.
• Чикагский женский клуб, 20 января 1937 г.
• Блумингтон, Иллинойс, Выставка искусств Центрального Иллинойса, 19 марта — 8 апреля 1939 г., кат. 106, ил. п. 29.
• Айова-Сити, фестиваль изящных искусств, зал ожидания Союза Айовы, Университет Айовы, выставка картин Гранта Вуда и Марвина Д. Коуна, 16–23 июля 1939 г., кат. 23.
• Художественный институт Чикаго, Полвека американского искусства, 16 ноября 1939 г. — 7 января 1940 г., кат.178, пл. 46. ​​
• Блумфилд-Хиллз, Мичиган, Академия искусств Крэнбрука, 17 мая — 6 июня 1940 г.
• Нортгемптон, Массачусетс, Художественный музей Смит-колледжа, американское искусство: аспекты американской живописи, 1900–1940, 12–22 июня , 1940, кат. 33.
• Художественный музей Вустера, Десятилетие американской живописи 1930–1940 гг. , 18 февраля — 22 марта 1942 г., ил. п. 23.
• Ассоциация художников Сидар-Рапидс, Мемориальная выставка Гранта Вуда, 1 сентября — 1 октября 1942 г., без кат. См. Cedar Rapids Gazette, 06.09.1942.
• Институт искусств Чикаго, Мемориальная выставка картин и рисунков Гранта Вуда, включенная в Пятьдесят третью ежегодную выставку американской живописи и скульптуры, 29 октября — 12 декабря 1942 г., кат.2, цвет ил. фронтиспис.
• Нью-Йорк, Музей современного искусства, Портреты ХХ века, 8 декабря 1942 г. — 24 января 1943 г., стр. 145, ил. п. 99.
• Балтимор, Мэриленд, 12 февраля — 7 марта 1943 г.
• Художественный музей Вустера, 17 марта — 19 апреля 1943 г.
• Бостон, Институт современного искусства, десять американцев, 20 октября — 21 ноября 1943 г. , Кот. 29, ил.
• Сагино, Мичиган, Художественный музей Сагино, выставка американской живописи с колониальных времен до наших дней, 10 января – 15 февраля 1948 г., кат. 71, пл. 13.
• Далласский музей изящных искусств, известные американские картины, 9–31 октября 1948 г. , n.pag., Ил.
• Бостон, Институт современного искусства, вехи американской живописи нашего века, ок. 2 января – с. 3 марта 1949 г., кат. 21.
• Монреаль, Канада, 18 марта — 20 апреля 1949 года.
• Канадская национальная выставка произведений искусства, 26 августа — 10 сентября 1949 года.
• Белойт, Висконсин, Колледж Белойт, 11 октября — 11 ноября 1949 года.
• Дейтон, Огайо, Дейтонский институт искусств, Художник и его семья, 3 марта – апрель 1950 г., кат.40.
• Cedar Rapids, IA, Coe College, Centennial Exhibition, 15 мая — 9 июня 1952 г., кат. 24.
• Нью-Йорк, Вильденштейн, Достопримечательности американского искусства, 1670–1950, 26 февраля — 28 марта 1953 г., кат. 50, ил.
• Сиракузский музей изящных искусств, 125 лет американского искусства, 15 сентября — 11 октября 1953 г., кат. 59, ил. п. 18.
• Dubuque, IA, Dubuque Art Association, Тридцать лет Гранта Вуда, 15–23 февраля 1955 г., кат. 9.
• Де-Мойн, Айова, Центр искусств Де-Мойна, Передача искусства из собраний Среднего Запада: американская и европейская живопись и скульптура, 1835–1955, 13 октября — 6 ноября 1955 г. , кат.20, ил.
• Давенпорт, Айова, Муниципальная художественная галерея Давенпорта, Грант Вуд и американская сцена, 3–24 февраля 1957 г., кат. 5, ил. п. 5.
• Лейк-Форест, Иллинойс, Институт искусств Дюрана, Колледж Лейк-Форест, Век американской живописи: шедевры, предоставленные Институтом искусств Чикаго, 10–16 июня 1957 г., кат. 24.
• Бруклинский художественный музей, «Лицо Америки: история портретной живописи в США», 13 ноября 1957 г. — 26 января 1958 г., кат. 92, рис. 41.
• Вашингтон, округ Колумбия, Галерея искусств Коркоран, Американская муза: параллельные тенденции в литературе и искусстве, 4 апреля — 17 мая 1959 г., кат.130.
• Художественный институт Чикаго, Искусство в Иллинойсе, В честь полувекового юбилея штата Иллинойс, 15 июня — 8 сентября 1968 г., с. 10.
• Чикагский институт искусств, 100 художников, 100 лет: выпускники SAIC, Выставка столетия, 23 ноября 1979 г. — 20 января 1980 г., кат. 112, ил. п. 35.
• Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Grant Wood: The Regionalist Vision, 16 июня — 4 сентября 1983 г. , кат. 25, пл. 32; Институт искусств Миннеаполиса, 25 сентября 1983 г. — 1 января 1984 г .; Институт искусств Чикаго, 21 января — 15 апреля 1984 г .; Сан-Франциско, М.Мемориальный музей Х. ДеЯнга, 12 мая — 12 августа 1984 г.
• Омаха, Северная Каролина, Художественный музей Джослин, Грант Вуд: раскрытие американского мастера, 10 декабря 1995 г. — 25 февраля 1996 г., кат. 14, пл. 16; Давенпорт, Айова, Художественный музей Давенпорта, 23 марта — 8 сентября 1996 г .; Вустер, Массачусетс, Художественный музей Вустера, 6 октября — 31 декабря 1996 г.
• Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Американский век: искусство и культура, 1900–1950, 23 апреля — 22 августа 1999 г., кат. 435, цвет ил. п. 225.
• Сидар-Рапидс, Айова, Художественный музей Сидар-Рапидс, Грант Вуд на Аллее Тернер, 5, 10 сентября — 4 декабря 2005 г.
• Галерея Ренвик, Смитсоновский институт, Студия Гранта Вуда: место рождения американской готики, 10 марта — 11 июня 2006 г.
• Центр искусств Де-Мойна, After Many Springs: Искусство на Среднем Западе в 1930-е годы, 30 января — 30 марта, г. 2009.
• Художественный институт Чикаго, Америка После падения: живопись 1930-х годов, 5 июня — 18 сентября 2016 г .; Париж, Musee de l’Orangerie, 15 октября 2016 г. — 30 января 2017 г .; Лондон, Королевская академия, 25 февраля — 4 июня 2017 г., кат. 47.
• Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Grant Wood: American Gothic and Other Fables, 2 марта — 10 июня 2018 г., без кат., пл. 33, контрольный список стр. 259.

Происхождение

Художник; продан Чикагскому институту искусств, ноябрь 1930 г.

Мультимедиа

Образовательные ресурсы

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований. Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.