Картины михаила врубеля: Mikhail Vrubel: Artwork, Biography Artist, Famous Paintings, Art Style & Life | Arthive.com
06.06.2023 
Разное
10 произведений Михаила Врубеля, которые нужно знать Роза, Демон поверженный и Гадалка //Текст
17 ноября 2021
Ангелы, демоны, духи природы, прекрасные царевны, антропоморфные существа — фантастические персонажи населяют Вселенную образов, созданную Михаилом Врубелем. Впрочем, фантастическое художник видел и во вполне реальных персонажах — своих современниках. Об удивительных произведениях Врубеля — читайте в нашей десятке.
Автор: Екатерина Середнякова
Содержание статьи
1. Суд Париса. Триптих
Михаил Врубель. Суд Париса. Триптих. Левое панно: Юнона. 1893. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Михаил Врубель. Суд Париса. Триптих. Среднее панно: Венера, Парис и Амур. 1893. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Михаил Врубель. Суд Париса. Триптих. Правое панно: Минерва. 1893.
Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Триптих «Суд Париса» — первая крупная декоративная работа Михаила Врубеля, предназначенная для оформления интерьера. Панно в числе других работ заказал инженер Карл Дункер для особняка на Поварской улице в Москве.
Тема Ренессанса, предложенная заказчиком, своеобразно преломляется в интерпретации художника. Живописное решение панно навеяно колоритом позднего Тициана и композиционными мотивами фрески Рафаэля «Триумф Галатеи» виллы Фарнезина. Врубель «решил пейзаж с фигурами», что отражает символистскую тему пантеистического пейзажа, встречающуюся у Арнольда Бёклина. Работая над панно, Врубель находился в поиске приемов декоративной стилизации форм, отличающихся от академических. Античность предстает как призрачное мистическое видение, перекликающееся с античными мотивами второй части «Фауста» Гёте.
В основе идейного замысла — тема духовного выбора, сквозная для творчества художника.
В центральной части триптиха представлена Венера — победительница, возлежащая на перламутровой раковине, что подчеркивает ее связь с морской стихией. Парис во фригийском колпаке несколько иронически отодвинут вглубь идиллического пейзажа. На первый план выносится яблоко раздора — символ судьбы, которое торжествующе несет крошка Амур верхом на дельфине. Разрешение спора трех богинь становится не произвольным решением индивидуальной воли Париса, а высшим жребием богов.
2. Гадалка
Михаил Врубель. Гадалка. 1895. Холст дублированный, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Картина была создана под впечатлением от оперы «Кармен», но оперный образ претерпел существенную трансформацию. Тему гадания, всматривания в лик судьбы, популярную в символизме, художник воплотил в выразительной живописной форме. В результате перед зрителем предстает странная женская фигура-перевертыш. Отчетливо можно различить только верхнюю ее часть, закутанную в шаль. Нижняя часть растворяется в бликующих бронзовых порошках и лаках, смешанных с масляной краской. Выразительная кладка мастихинных мазков создает мерцание, погружая в таинственные метаморфозы форм.
Гадалка напоминает полуфигуру, изображенную на карте. Вещие, неестественно длинные пальцы словно прядут «пряжу судьбы».
В руках она сжимает еще не раскрытые карты. Вообще мотив нити, пряжи — атрибута богинь судьбы Мойр или Парок, прядущих и обрезающих нить жизни, варьируется и в фоне картины, и в бахроме платка. Витиеватая манера письма вызывает ассоциации с таинственными письменами, словно проступающими в рисунке ковра.
В картине раскрывается несколько смысловых планов гадания. На переднем плане лежат раскрытые карты, среди которых, как вызов судьбы, выделяется туз пик, обращенный к зрителю. И наконец, над всем торжествует лицо гадалки, горящее бледным, лунным светом. Оно подобно сакральной маске, сквозь которую проступает прозрение высшей тайны предназначения человека, стоящего над игрой фортуны.
3. Маргарита
Михаил Врубель. Маргарита. Средняя часть декоративного панно для готического кабинета в доме А. В. Морозова в Москве. 1896. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Образы декоративного панно навеяны трагедией Гёте «Фауст».
В трактовке образа Маргариты узнаются черты жены художника Надежды Забелы-Врубель, которая исполняла партию возлюбленной Фауста в знаменитой опере Гуно. Выполненные для готического кабинета в доме промышленника Алексея Викуловича Морозова панно своими удлиненными пропорциями и стрельчатостью форм напоминают готические витражи. Светоносные цветовые пятна вправлены в линеарный каркас — так называемый витражный принцип клуазонизма, популярный в модерне.
Маргарита изображена не в своей трагической земной жизни, где любовь к Фаусту привела ее к страданиям, безумию и смерти, а в небесном преображении, где она спасена и оправдана высшим судом. Это Вечная Гретхен — Вечная Женственность — один из ключевых образов символизма. Ее молитва на небесах спасает мятущегося Фауста от жаждущего получить его душу Мефистофеля. Подобно лучу света или стеблю прекрасного растения, соединяет фигура Маргариты земные цветы и кружево облаков, воплощая гармоническое соответствие земной и небесной красоты. Хрупкая фигурка словно соткана из нежных ломких лепестков белых лилий, символа чистоты и целомудрия.
Монументальным образам Врубеля свойственна особая музыкальность. Линии, формы и цвета звучат как согласованные мелодии или многоголосье небесного хора из финала «Фауста»:
Все быстротечное —
Символ, сравненье.
Цель бесконечная
Здесь — в достиженье.
Здесь — заповеданность
Истины всей.
Вечная женственность
Тянет нас к ней.
Судя по сохранившимся фотографиям готического кабинета, панно «Маргарита» размещалось отдельно над лестницей и не было частью триптиха. Так же был обрезан значительный фрагмент нижней части композиции для размещения ее на стене.
4. Портрет Саввы Мамонтова
Михаил Врубель. Портрет Саввы Ивановича Мамонтова. 1897. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Савва Великолепный, как называли современники Савву Ивановича Мамонтова, был талантливым меценатом особого склада ума, по-настоящему творческой личностью, инициатором многих начинаний в искусстве.
В Абрамцевском художественном кружке ему удалось создать условия для рождения нового русского искусства, он был инициатором создания Русской частной оперы, стоявшей у истоков расцвета театрального искусства в России. Мамонтов сумел оценить масштабность дарования Врубеля, особенно как декоратора и монументалиста, и поддерживал художника.
Портрет был написан незадолго до трагического краха Мамонтова, когда мецената арестовали по ложному обвинению. И хотя вскоре Савва Иванович был оправдан, он уже не смог вернуться к деятельности в прежнем масштабе.
Поражают огромные размеры портрета, почти триумфальная вознесенность «Московского Медичи». Колорит, построенный на столкновении черного и белого с отдельными вкраплениями горячих бордовых оттенков, звучит мрачно и патетично, подобно реквиему. Обращает на себя внимание особая геометрическая стилизация форм, их кубатура. Пространство строится блоками, словно вращающимися вокруг центральной вертикальной оси.
Нечто таинственное врывается в это пространство в виде вихревых движений кисти и зловещих теней, опутывающих фигуру Мамонтова.
5. Пан
Михаил Врубель. Пан. 1899. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Картина была создана в имении Хотылёво Марии Тенишевой. По воспоминаниям композитора Бориса Яновского, первоначально на этом холсте был почти законченный портрет жены художника Надежды Забелы-Врубель.
Образ «Пана», греческого мифического существа, получеловека, полузверя, возник в воображении Врубеля под впечатлением от новеллы «Колодезь cвятой Клары» Анатоля Франса. Вот один из отрывков из этого произведения, созвучный мироощущению Врубеля: «Ничто не теряется, и никому не дано умереть до конца. Существа, затерянные в потоке времен, подобны волнам, которые, как ты видишь, вздымаются и опускаются в море Адриатики. Нет им конца и нет начала, неуловима их гибель и рождение».
Слово «пан» в переводе греческого означает «все», то есть всепроникающий, вездесущий. Пан был столь уродлив, что его мать Дриада в ужасе убежала от него. Он обладал способностью наводить на людей «панический» ужас, который внезапно охватывает человека и также внезапно покидает его. В «Метаморфозах» Овидий описывает, как Пан полюбил нимфу Сирингу, но та, в ужасе убегая от преследующего ее чудовища, бросилась в воды ручья и превратилась в тростник. Пан, оплакивающий возлюбленную, смастерил из тростника свирель и стал извлекать из нее такие чарующие, полные томительной печали звуки, что мифические существа забывали о его пугающем облике.
«Пан» Врубеля скорее русский леший. В нем нашла свое выражение душа северной природы, поскольку художник стремился «уловить интимную национальную нотку». В нем нет ничего устрашающего. Кажется, не Пан пугает нас, а скорее сам испуганно мигает своими маленькими голубыми глазками. Лицо его неожиданно появляется, и в то же время он затаился, зачарованно вслушивается. Кажется, в его свирели, сделанной из тростника, звучит музыка лунного света, журчанье ручейка, шорохи трав. Сам он подобен поросшему сухими травами и лишайниками сучковатому пню. Пан дарует окружающему его миру гармонию.
6. Сирень
Михаил Врубель. Сирень. 1900. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Тема сирени захватывает внимание Врубеля на хуторе Плиски, в имении художника Николая Ге. Здесь Михаил Александрович гостил вместе с женой Надеждой Ивановной в летние месяцы в течение двух лет. В серии декоративных панно художник последовательно разрабатывает фиолетовые и лиловые гаммы.
В «Сирени» торжествует стихийное начало, отражающее панестетическое мироощущение модерна, этот таинственный мир бесконечных метаморфоз природы так же прекрасен, как и героические образы Врубеля. Художник словно видит стихийных духов природы — таинственных существ, порождения древнего мифологического сознания. Кристаллические друзы сиреней в сумеречном лунном свете пробуждаются для фантастического существования. В них таятся почти бесплотные тени, души дерева — дриады, которые, появившись из волн сирени, вновь исчезают в безднах ночи. Луч далекой звезды, виднеющейся на синем треугольнике неба, осветил смутные очертания одной из них, другие, изображенные чуть выше, уже растворяются в мельканиях листьев и лунных бликов.
Врубель не прописывает до конца ни одного цветка, отчего лепестки кажутся порхающими мотыльками, эльфами. В то же время последовательно прослеживаются ритмические подобия между мелкими и крупными изобразительными структурами. Издалека волны сирени напоминают друзы драгоценных аметистов, мазки смешиваются, и форма становится кристаллически твердой.
Сгущением цветовой атмосферы художник добивается удивительной иллюзии удушливого аромата сиреней, наполняющего сумрак ночи. В этом приеме проявляется последовательное использование символистского принципа суггестии — языка намека и внушения, когда предметная сторона изображения недовоплощена, а живописно-экспрессивная — усилена.
Атмосфера таинственных превращений картины перекликается со строками поэта-символиста Иннокентия Анненского.
И бродят тени, и молят тени:
«Пусти, пусти!»
От этих лунных осеребрений
Куда ж уйти?
Зеленый призрак куста сирени
Прильнул к окну…
Уйдите, тени, оставьте, тени,
Со мной одну…
Иннокентий Анненский
7. Демон поверженный
Михаил Врубель. Демон поверженный. 1902. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея
Картина «Демон поверженный» — важный этап в осмыслении Врубелем темы Демона, своего рода антитеза «Демона сидящего».
В процессе работы над образом проблема невозможности создания завершенного произведения стала для художника очевидной. Он создал множество графических подготовительных вариантов.
Вытянутый по горизонтали формат финального холста отсылает к формату более ранней работы Врубеля — полотну 1890 года «Надгробный плач». На трансформацию этой темы также указывает положение головы Демона. Тело Демона неестественно вывернуто. Крестообразно заломленные руки, продолжающиеся крыльями, и истонченный лик с темными провалами глаз будто принадлежат другому крылатому существу, напоминающему вестника света — Серафима, облик которого впервые предчувствует Врубель. Из верхнего правого края картины струится розовый свет, играющий на венце Демона, словно «луч истины», вызволяющий душу из небытия.
На дно миров пловцом спустился я —
Мятежный дух, ослушник высшей воли.
Луч радости на семицветность боли
Во мне разложен влагой бытия.
Максимилиан Волошин
Мучительная гибель Демона в волнах стихий длится вечно.
Это состояние зависания над бездной. Демон окружен своеобразным костром собственных крыльев. Популярный в модерне мотив павлиньих перьев Врубель пишет металлическими лаками, заставляя краски гореть. Но в них не только декоративная красота. Павлиньи перья — символ нетленности и вечности. Свиваясь вокруг Демона наподобие гнезда, они напоминают о птице Феникс, сгорающей и воскресающей из собственного пепла. Дерзновенный творческий дух врубелевского Демона отозвался в искусстве ХХ века, вновь и вновь бросая вызов неведомым мирам.
Как писала Екатерина Ге, сестра Надежды Забелы-Врубель, о выставке «Мир искусства» 1902 года в Петербурге, «Михаил Александрович, несмотря на то, что картина была уже выставлена, каждый день он переписывал ее… Были дни, что Демон был очень страшен, и потом опять появились в выражении лица Демона глубокая грусть и новая красота. Михаил Александрович говорил, что Демон уже не повержен, а летит, и некоторые видели полет Демона».
Возможно, в бесконечности метаморфоз образа Демона, в искажениях его облика Михаил Врубель искал ответы на волнующие его экзистенциальные вопросы о предназначении творческой души, искушенной жаждой познания неведомой красоты, о вечной гибели и возрождении творческого начала.
8. Жемчужина
Михаил Врубель. Жемчужина. 1904. Картон, уголь, гуашь, пастель.
Государственная Третьяковская галерея
Выполненная в технике цветной пастели «Жемчужина» Врубеля — результат обобщения и трансформации мотивов целого корпуса произведений 1890–1900-х. Овальные формы встречаются в декоративных блюдах на тему «Садко» с мотивом плывущих царевен.
Появление у Врубеля раковины морское ушко (хранится в собрании Русского музея) приводит к рождению серии графических работ, в которых художник подходит вплотную к исследованию возможностей абстрактных свето-цвето-пространственных структур. Как мастера модерна, художника привлекает поиск новых возможностей передачи пространства на основе формообразующего первоэлемента стиля — кривой линии, понимаемой в данном случае как формула бесконечного развития.
Художественная манера Врубеля в этой работе отличается невероятной плотностью и тонкостью сопряжения линий и цветовых пятен, передающих эфемерные переливы перламутра.
Выклеивая тонкой бумагой круглящийся контур раковины, мастер достигает осязаемой рельефности, отделения мерцающего края от темного фона. Переливы света и тени лепят глубокие складки, стягивающиеся и вновь ускользающие от взгляда, — они уводят в лабиринт чаши. Резкое уменьшение масштаба цветовых единиц дна раковины создает эффект бесконечной глубины изображения. Динамичная спираль формирует бесконечную вселенную, порождающую все новые и новые самоподобные, выражаясь современным языком, фрактальные формы.
Тем самым пластическое решение выходит за пределы конкретного мотива, превращается в развернутую метафору, рождающуюся на стыке пристального вглядывания в структуру предмета и спонтанного формообразования. В темных углах композиции притаились хтонические существа, словно охраняющие вход в пространство мистических метаморфоз. Крошечные крылатые жемчужные сущности также вовлечены в круговорот. В верхних витках вклеена маленькая муха — своего рода напоминание о том, как из попавшей в раковину моллюска песчинки рождается жемчужина.
В поле раковины затягиваются и встревоженные «царевны».
Микрокосмические процессы становятся метафорическим аналогом вселенского круговорота. Врубель писал: «Ведь я совсем не собирался писать “морских царевен” в своей “Жемчужине”… Я хотел со всей реальностью передать рисунок, из которого слагается игра перламутровой раковины, и только после того, как сделал несколько рисунков углем и карандашом, увидел этих царевен, когда начал писать красками».
9. Роза
Михаил Врубель. Роза. 1904. Бумага, графитный карандаш, акварель.
Государственная Третьяковская галерея
«Роза» — шедевр позднего периода творчества мастера. Мир цветов, как воплощение земного совершенства, неоднократно и прежде привлекал внимание Врубеля. Художник часто делал их стилизованные изображения. Он любил погружаться в мир «бесконечно гармонирующих, чудных деталей». Благодаря особому восприятию он в конкретной форме видел проявление духовной сущности тех или иных вещей.
Акварель была написана в клинике Федора Усольцева, где проходил лечение Врубель, и связана с работой художника над «Портретом Н. И. Забелы-Врубель на фоне березок» (написан в том же году).
Срезанный и поставленный в стакан с водой цветок не рождает ощущения обреченности. Напротив, он обладает своеобразной сверхжизненностью. Художник одарил его нетленностью совершенства. Тяжелый венчик цветка словно впитывает в себя пространство и свет. Это сложный, неуловимо затягивающий лабиринт орнаментальных форм, в глубине которого сокрыт таинственный свет души розы, ее аромат. Лепестки, сохраняя шелковистость и нежность, одновременно жесткие и граненые, как кристаллы. Стебель и листья кажутся вырезанными алмазом, колючими и упругими, как металл. Вода в стакане не жидкость, но плотная стеклянистая масса.
В сгущенной, как кристалл, атмосфере акварели слово звенит крылатая фраза алхимика, ищущего середину всех вещей из «Фауста» Гёте: «То, что природа творит органично, мы научились кристаллизовать».
Графическое произведение Врубеля сродни декоративным изделиям эпохи модерна из многослойного стекла, например, Эмиля Галле или фирмы Фаберже.
Словно темную воду, я пью помутившийся воздух.
Время вспахано плугом, и роза землею была.
В медленном водовороте тяжелые, нежные розы,
Розы тяжесть и нежность в двойные венки заплела!
Осип Мандельштам
10. После концерта
Михаил Врубель. После концерта. Портрет певицы Надежды Ивановны Забелы-Врубель, жены художника, на кушетке у горящего камина. В туалете, исполненном по замыслу художника. 1891–1910. Холст, пастель, уголь.
Государственная Третьяковская галерея
Портрет жены и музы — одно из самых значительных произведений позднего творчества художника. Незавершенность только обостряет символистическую многомерность смысла, неуловимость состояния. Дорогая сердцу художника модель обрела множество воплощений в его живописи, от сказочных персонажей опер Николая Римского-Корсакова до «Серафима».
Взявшись писать портрет Надежды Ивановны в платье, исполненном по собственному замыслу, Врубель далеко уходит от первоначальной задачи. Угли, пылающие в камине, не согревают пространство. Напротив, жерло камина напоминает разверстую пасть ненасытного духа, поглощающего всякую жизнь и тепло. Догорающие угли — своего рода метафора угасающих творческих сил, вдохновения.
В этом портрете раскрывается состояние творческой личности после акта творения. Лицо на фоне беломраморной каминной полки воспринимается как бледная маска. Силы покидают героиню, теплые краски уходят, телесная оболочка истаивает, открывая призрачное свечение души. В общем композиционном решении холста, где модель расположилась возле камина, ее фигура кажется парящей и невесомой.
С глубочайшей проникновенностью и нежностью Врубель повествует о трагедии творчества, об исступленном и жертвенном саморазрушении во имя искусства, которое отличает только истинных творцов, к числу которых он причисляет свою жену-певицу — «вестницу» непостижимо прекрасного мира музыки.
Необычная техника пастели на холсте является блистательным воплощением синтеза графики и живописи, к которому мастер приходит в поздний период.
Надежда Забела-Врубель изображена, по свидетельству ее сестры Екатерины Ге, «в концертном, им же самим сочиненном платье удивительной красоты: опять несколько прозрачных материй одна на другой, пунцовое, черное и серое, все вместе это образовывало какой-то гигантский цветок». Графические этюды платья свидетельствуют о том, что постепенно художник начинает понимать его как нетленную и одухотворенную кристаллическую оболочку, в которую перевоплощается душа модели.
Текст
11.10.2021
Читать
Текст
17.06.2020
Творить
Выразить одобрение автору публикации!
- #10 работ
- #XIX век
- #Живопись
- #Врубель
Рассказываем обо всем через призму русского искусства
картины, биография.
Произведения Михаила Александровича ВрубеляВрубель — фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже три поколения предков художника жили в России, выбрав военную стезю. Михаил рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска.
Увлечение живописью проявилось рано. Отец всячески поощрял увлечение младшего сына. Водил его на занятия в художественные школы и студии. Когда пришла пора выбирать себе профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца, который считал, что будущее сына должно быть связано с «пользой для общества». Врубель поступает в Петербургский университет на юридический факультет.
Университет был окончен, но юристом будущий художник не был ни одного дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств.
С художниками Врубель познакомился еще будучи студентом-правоведом. Всякий свободный час Михаил проводил в Эрмитаже, изучая работы великих мастеров.
В художественной «тусовке» Петербурга он давно стал своим, успевая учиться не только в классах академии, но и в мастерских своих друзей.
Педагоги Врубеля отмечали его острое чувство формы, цвета, умение передать самую сложную фактуру. Его главный учитель Чистяков считал Михаила самым талантливым из своих учеников. Именно этот профессор рекомендовал молодого мастера для реставрации фресок в средневековом монастыре под Киевом.
Киевский период жизни Врубеля тесно связан с изучением канонов Византийской живописи. Художник работает с упоением, забывая обо всем на свете. Но скоро увлечение сменяется метаниями. Мастер то бросает работу и уезжает из Киева, то возвращается и принимается за реставрацию. Подобные метания не могли понравиться заказчику. К творческим метаниям добавляются финансовые проблемы.
В свои работы художник вносил свое понимание библейских сюжетов. Церковь отказалась от услуг Врубеля, и только после его смерти признала его правоту и философскую трактовку церковных росписей.
После киевского периода в жизни художника наступает период московский. Работы Врубеля не пользуются популярностью, заказчиков у него нет. Счастливая встреча с известным меценатом Саввой Морозовым позволяет художнику отчасти решить финансовые проблемы.
В этот период мастера занимает демоническая тема. Его серия «демонов» до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков.
Несмотря на неоспоримую гениальность и новаторство работ, в них уже можно разглядеть признаки того недуга, который прервет творческую деятельность художника.
Покровительство Мамонтова позволяет Врубелю активно работать в своей манере, не считаясь со вкусами публики. Художник оформляет несколько оперных спектаклей, пробует свои силы в архитектуре, керамической пластике. Критика часто отзывалась о работах Врубеля резко и незаслуженно уничижительно.
XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а долгожданный сын рождается в серьезным дефектом — заячьей губой.
К личным трагедиям добавляются жесточайшая творческая депрессия.
В 1902 году художника помещают в психиатрическую клинику. Состояние его постоянно ухудшается и родственники с друзьями готовятся к самому худшему. Однако, усилия профессора Бехтерева возымели успех. Спустя год Врубель уезжает на отдых в Крым. И хотя работать он практически не может, но появляется надежда на выздоровление. Надежда рухнула в один момент: Врубель теряет сына.
Небольшие периоды прояснения, сменялись безумием… Последнее событие, которое мастер сумел воспринять — избрание его академиком в 1905 году.
Последующие пять лет художник лишь существовал, являясь постоянным пациентом различных клиник.
Михаил Врубель Живопись, Биография, Идеи
Резюме Михаила Врубеля
Новаторские работы Врубеля бросили вызов ортодоксальным взглядам в русском искусстве настолько, что его коллеги часто не понимали их. Хотя при жизни его недооценивали, сейчас история «востребовала» его как одного из отцов-основателей русского авангарда.
Врубель заработал себе раннюю известность серией картин маслом и глиняных скульптур, основанных на русском фольклоре, в которые он привнес элементы символистской живописи и стиля модерн. Позже он создал графические иллюстрации к поэзии Михаила Лермонтова, у которых он черпал вдохновение для своих знаменитых произведений «Демон». Фигура Демона стала мотивом в творчестве Врубеля и прочитывалась, таким образом, как олицетворение собственного внутреннего смятения художника. Действительно, художник провел последние годы своей жизни в психиатрических больницах, хотя именно в эти годы он написал некоторые из своих самых необычных работ, некоторые из которых теперь приводятся в качестве основополагающих образцов русского модерна.
Снять рекламу
Свершения
- Нарушая все традиции и приемы петербургской Академии художеств, картина Врубеля передала глубоко духовную и светлую внутреннюю жизнь, вмещавшую в себя тьму и смятение ума. Именно эта мистическая составляющая искусства Врубеля уводит зрителя далеко за рамки его картин.
- Отвергнутый русской церковью неприятие его искусства, Врубель отказался от католицизма и русского православия и обратился к философии. Его особенно привлекал Иммануил Кант, полагавший, что путь к истинному духовному просветлению связан с идеей о том, что можно достичь полной самореализации только через личное творчество.
- Поселившись в Москве, Врубель познакомился с новыми художественными стилями, зародившимися в Западной Европе. Декоративный и естественный стиль модерна, и особенно его акцент на эстетике, хорошо сочетались с его кантианским мировоззрением. Воодушевленный возможностями нового стиля и желая экспериментировать с символизмом и ближневосточными украшениями и узорами, Врубель стал пионером того, что должно было стать красочным и специфически русским модерном. Можно найти некоторое сходство между Врубелем и символистскими мозаиками Густава Климта.
- Врубеля почитали за его плотные мазки и склонность разбивать фигуры на почти анархическую массу граней и плоскостей. Это побудило нескольких восторженных комментаторов назвать Врубеля одним из первых предшественников кубизма. В таких картинах, как « Венеция » (1893 г.), Врубель начал сознательно экспериментировать с коллажем и кубическими формами. Действительно, когда Венеция впервые была выставлена в Париже, Пабло Пикассо был настолько увлечен работой, что назвал Врубеля «гением».
Это побудило нескольких восторженных комментаторов назвать Врубеля одним из первых предшественников кубизма. В таких картинах, как « Венеция » (1893 г.), Врубель начал сознательно экспериментировать с коллажем и кубическими формами. Действительно, когда Венеция впервые была выставлена в Париже, Пабло Пикассо был настолько увлечен работой, что назвал Врубеля «гением».Убрать рекламу
Жизнь Михаила Врубеля
Михаил Врубель прожил непростую жизнь; Преследуемый депрессией и помещенный в учреждение после смерти его единственного сына, он также провел свои последние годы в психиатрической клинике. Поэтому неудивительно, что мотив, которым он наиболее известен, — это демон, которого он изображал на картинах на протяжении всей своей жизни.
Читать полную биографию
Читать творческое наследие
Важное творчество Михаила Врубеля
Развитие искусства
1884
Богородица с младенцем
Подвешена между высокодекоративными колоннами и аркой, Богородица с младенцем — одна из нескольких росписей, которые Врубель помогал реставрировать в церкви св.
Кирилла в Киеве в начале 1880-х гг. . Хотя это были реставрационные, а не оригинальные работы (Врублев работал в составе группы студентов, реставрировавших более 150 работ в течение семи месяцев), росписи по-прежнему несли в себе фирменный стиль художника.
Формальная композиция Богородица с Младенцем взята из традиционных изображений Богородицы и Христа и демонстрирует полную связь Врубеля с русской, византийской и средневековой христианской изобразительной традицией. Складки ткани, задумчивое выражение лица, использование сочных красок и золота сродни тому, что Врубель видел в росших русских православных церквях, а также в своих путешествиях в Венецию, предпринятых в том же году, что и это произведение. был окрашен.
В своей биографии Врубеля 1911 года художник Степан Еремич назвал произведения, созданные в Киеве в 1880-е годы, лучшими в творчестве Врубеля. Хотя это мнение может не выдержать критики, комментарии Яремича действительно объясняют важность киевских картин в развитии стиля, который можно увидеть в более поздних работах Врубеля.
Росписи церкви Святого Кирилла можно рассматривать как начало исследования Врубелем духовности и личной веры, предшествующее его отказу от религии и экспериментам с символизмом. Здесь, в торжественности и задумчивости взглядов фигур, зритель начинает видеть Врубеля, созерцающего наполненность и покой, достигаемые через прозрение и личное размышление.
Картон, масло — Кирилловская церковь, Киев, Украина
1890
Демон сидящий
Еще работая в Киеве над реставрационным проектом, Врубель начал экспериментировать с иллюстрациями к «Демону», которые он основывал на описании Демона в поэме Михаила Лермонтова, крупнейшего поэта и писателя того времени и по сей день величайшего героя русского романтизма. Влияние реставрации святого Кирилла очевидно в использовании Врубелем толстых мазков для создания мозаичной текстуры. Это особенно заметно справа от фигуры Демона, где геометрические формы, созданные кистью, разбивают плоскость на абстрактное пространство. Как отмечает искусствовед Мария Тарутина, здесь зритель видит, как Врубель использует «средневековые средства для модернистских целей».
Обращение Врубеля к фигуре Демона тонко детализировано, в то время как он подчеркивает настроение одиночества, помещая свой предмет на пустой и бесконечный фон. Монументальность этого произведения меценат Врубеля Мамонтов охарактеризовал как «чарующие симфонии гения».
Сам Врубель описывал Демона как «дух, соединяющий в себе мужское и женское обличье, дух не столько злой, сколько страдающий и раненый […] могучее и благородное существо». Неоднозначность пола Демона отражается в неопределенности обстановки. Пейзаж отдаленный и создает ощущение одиночества и беспокойства: Демон может смотреть в далекий закат, а может быть и адское пламя. Эта картина демонстрирует личное неприятие Врубелем христианства и фиксированную стабильность религии в этот период его жизни в пользу представления о том, что творческие свершения принесут ему духовное содержание. Демон задумчив и экспрессивен, взвешивая в уме личную веру, муку и покорность, совсем как сам Врубель в эти годы до того, как попал в психиатрическую лечебницу.
Изолированный и задумчивый, Врубель отвергает традиционный религиозный взгляд на Демона как на злое существо, стирая границы между добром и злом — Христом и Сатаной — чтобы дать более современный взгляд на духовную личность. В этом отказе от традиционной дихотомии художник призывает зрителя вместо этого рассмотреть индивидуальную душу: ощущение, что путь — это самоанализ, а не массовая религия.
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1897
Портрет Саввы Мамонтова
В этом портрете зритель может увидеть влияние народного творчества и церковных мозаик и росписей, которые Врубель помогал реставрировать в начале своей карьеры. Художник использует толстые мазки, чтобы создать эффект мозаики на заднем плане картины, используя приглушенные цвета, чтобы выделить более смелую фигуру Мамонтова на переднем плане. В окружении предметов, связанных с богатым коллекционером произведений искусства, таких как роскошные ткани и мебель, Мамонтов также облачен в свой первозданный костюм.
Это демонстрирует то, что искусствовед Джеймс Кертис описывает как «сильную театральность» искусства Врубеля.
Врубель менее известен как художник-портретист (возможно, из-за того, что он недостаточно абстрактен для передачи идей символизма), но при жизни он создал немало портретов. Важно отметить, однако, что его портретное творчество в основном состоит из изображений хорошо знакомых ему людей, таких как поэт Валерий Брюсов и его собственная жена Надежда Забела, которых Врубель писал неоднократно. Поэтому вполне естественно, что такой портрет своего покровителя и друга Саввы Мамонтова Врубель нарисовал во время своего пребывания в творческом товариществе Мамонтова: в усадьбе Абрамцево. Пара была близка: Врубель сопровождал семью Мамонтовых на отдыхе в Италию в 189 г.1. Происходя из богатой купеческой семьи, Мамонтов поощрял и прославлял художников, работавших в разных областях, интересующихся традиционным русским фольклором и ремеслами. Историк искусства Анна Чучваха описывает Абрамцево как место, которое «олицетворяло собой возрождение народного искусства и стилизацию народного творчества».
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1900
Царевна-Лебедь
Большую часть этой картины занимает почти абстрактное изображение белых перьев Царевны-Лебедь. Легкими мазками Врубель создает фактуру перьев, из которых вырисовывается более детализированная фигура Царевны-Лебедь с причудливо расписанным драгоценными камнями головным убором и фатой. Драматизм фигуры на переднем плане и таинственность задника характерны для произведений рубежа веков, вдохновленных русским фольклором и сказками, а широко раскрытые и задумчивые глаза Царевны-Лебедя напоминают врубелевские изображения Богородицы. в его вкладе в реставрацию св. Кирилла в Киеве.
На драматизм и театральность этой картины повлияла женитьба Врубеля на оперной певице Надежде Забеле, состоявшаяся за четыре года до создания этой работы. После женитьбы Врубель ушел в мир театра, создавая декорации и костюмы для нескольких балетов и опер. Здесь главный герой с широко раскрытыми глазами смоделирован со своей жены, когда она играла роль Царевны-Лебедя в «» Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» .
Именно этот очень личный элемент делает эту картину, по словам искусствоведа Лидии Иовлевой, «кипящей страстью и сильным темпераментом».
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1900
Город Леденец из «Сказки о царе Салтане»
С 1896 по 1901 год Врубель написал эскизы декораций и создал костюмы для 9 оперных постановок в составе оперного театра Саввы Мамонтова. Московская частная оперная труппа. Арка и ворота богато украшены и экзотически оформлены в темных тонах и с обильным использованием золота. Узоры и здесь, и в городе под куполом, лежащем за ним, основаны на врубелевском исследовании фактуры, такой как керамика, витражи и мозаика.
Опера основана на сказке классика русского поэта и драматурга Александра Пушкина. В сказке мистический город Леденец возникает в одночасье из моря, эффект, которого Врубель достиг благодаря использованию синего и белого цветов. В рассказе представлены идеи двойственности между реальностью и сном, которые Врубель снова иллюстрирует в своем эскизе сценографии через фантастически замысловатые и роскошные узоры и манипулирование пространством для создания трехмерной атмосферы.
Он и раньше имел дело с оформлением масштабных площадей, например, церковных фресок, но здесь он использует пространство для создания динамизма и ощущения глубины. За тяжелыми дверями и аркой царство Леденца разворачивается сквозь беспорядочную череду куполов и башен, затягивая зрителя.0020 Салтан украшения, и даже его страшные враги газетные критики говорят, что украшения прекрасны».
Бумага, акварель, карандаш — Бахрушинский музей, Москва лейтмотив во всем его творчестве, первоначально был основан на поэме Лермонтова, считается, что увлечение Врубеля фигурой Демона началось после просмотра оперы Антона Рубинштейна «Демон » в Киеве где-то в середине 1880-х годов. проиллюстрировано двумя его самыми знаковыми работами, работами, которые якобы служат форзацами для его карьеры: Демон Сидящий (1890) и, двенадцать лет спустя, Демон Поверженный .
Подобно Демону сидящему , Врубель использует мозаичные текстуры для создания абстрактного и неопознаваемого фона, на котором лежит фигура Демона.
Однако на этом сходство заканчивается. В этом произведении фигура Демона резко изменена: он потерял мускулистую стойку предыдущего Демона и вместо этого лежит в простате (а не сидит) и истощен. Он также потерял задумчивый взгляд предыдущего Демона и вместо этого смотрит прямо и вызывающе на зрителя. Врубель использовал металлический бронзовый порошок в элементах этой работы, чтобы отражать свет, подобно русским иконам и произведениям искусства, найденным в русских православных церквях.
На этой картине Демон возвращается, чтобы преследовать Врубеля (или наоборот). Головной убор, который носил Демон, был истолкован как терновый венец, что снова создает двусмысленность между Добром и Злом и отражает собственное неприятие художником религии. Терновый венец намекает на печаль и жертвенность, отражая собственное душевное состояние Врубеля в это время; действительно, после выставки этой работы у него случился тяжелый нервный срыв. Художник-символист-пейзажист Константин Богаевский вспоминал, как увидел картину во время ее показа на выставке «Мир искусства» в 1902: «Он произвел на меня сильное впечатление, которое я не могу сравнить ни с каким другим.
Он светился, как будто был сделан из драгоценных камней, так что все вокруг казалось серым и невещественным», — сказал он.
Группа «Мир искусства» организовала в общей сложности шесть выставок в период с 1898 по 1904 год в Санкт-Петербурге и Москве, хотя последняя выставка была неудачной попыткой Дягилева предотвратить «переход» московских членов группы в Союз русских художников. группа (образована в 1903 г.).
Холст, масло — Государственная Третьяковская галерея, Москва
1904
Шестикрылый Серафим
Эта картина тесно связана с более ранними картинами Врубеля «Демон» как по стилю, так и по сюжету. Снова обращаясь к библейской форме, художник передает фигуру, монументально доминирующую на холсте, на мозаичном фоне переплетающихся мазков. Элементы золота и металла создают ощущение сияния картины, а серьезность лица, запавшие глаза и неоднозначный пол серафима перекликаются с врубелевскими фигурами Демонов прошлых лет. Из тумана заднего плана зловеще появляются руки: одна держит светящийся красный шар, а другая парит над головой зрителя с кинжалом.
Написанный за шесть лет до преждевременной смерти Врубеля, Шестикрылый Серафим был одним из крупнейших произведений позднего периода творчества художника. Эта картина показывает кульминацию пожизненной фиксации и борьбы с религией, а также растущую потребность исследовать темы искупления, страдания и покаяния. Как отмечает искусствовед Мария Тарутина, более поздние картины Врубеля часто отвергались как некоторые из его более слабых работ, но также могут быть истолкованы как признак его все более ухудшающегося психического здоровья. Тем не менее, как и прежде, ранние влияния Врубеля эпохи Возрождения и Византии используются в модернистских целях для создания радикальных форм и передачи духовных тем.
Можно найти явное сходство между Врубелем и символистскими картинами Густава Климта, лидера антиистеблишмента Венского престолонаследия. Подобно Врубелю, зрелые произведения Климта использовали символизм для передачи психологических идей, обычно связанных с сексуальным раскрепощением и человеческими страданиями, и для продвижения тезиса о том, что искусство должно быть освобождено от законов традиционной культуры.
И, как и Врубель, картины и фрески Климта использовали мерцающую узорчатую мозаику, прямоугольные и бетонные узоры для создания богато украшенных фигур и фонов.
Холст, масло — Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Убрать рекламу
Биография Михаила Врубеля
Детство
Михаил Врубель родился в 1856 году в городе Омске на юго-западе Сибири. Один из четырех детей, его мать происходила из древнерусского дворянства и умерла, когда Врубелю было всего три года. Его отец, Александр Михайлович Врубель, был поляком по происхождению и военным, и воспитал своих детей, чтобы они были знакомы как с католицизмом, так и с Русской православной церковью.
Окончив школу, Врубель решил последовать примеру отца и сделать военную карьеру. Он служил в Императорской Российской Армии и астраханском казачестве, пережив конфликты на себе, участвуя в Кавказской и Крымской войнах. После войны Врубель выучился на военного юриста, окончив юридический факультет Санкт-Петербургского университета в 1880 году.
частные репетиторы. Во время учебы в Санкт-Петербурге Врубель посещал вечерние занятия в городской Академии художеств, а затем стал очным аспирантом, где учился у Павла Христякова. Он также имел доступ к музею и архивам Академии, в которых хранились специализированные коллекции древнерусского искусства, в том числе средневековые византийские произведения и русские иконы.
Раннее обучение и работа
Еще до окончания учебы работа Врубеля привлекла внимание искусствоведа и историка профессора Адриана Прахова, который приехал в школу, чтобы набрать студентов для помощи в восстановлении росписей и мозаик XII века в церкви. Святого Кирилла в Киеве. Вклад Врубеля в реставрацию оказался решающим как для проекта, так и для его собственной карьеры, поскольку он дал ему образование в византийском колорите и методах, которые наполнят его собственные работы.
Врубель пробыл в Киеве пять лет, хотя в 1884 году посетил Венецию для изучения итало-византийской церковной мозаики в качестве исследования.
Его особенно увлекли мозаики базилики Сан-Марко и работы художников Беллини и Карпаччо.
Убрать рекламу
После реставрации Кирилловской церкви Врубель изо всех сил пытался найти оплачиваемую работу. Вернувшись в Россию, он поселился в Одессе и в 1886 году принял участие в конкурсе на проект только что построенного Владимирского собора. Однако на его нестандартные идеи было наложено вето. Этот отказ и финансовые трудности, с которыми Врубель столкнулся в конце 1880-х годов, побудили его переосмыслить свое религиозно-философское мировоззрение. Он отошел от организованной религии и начал сомневаться в своей христианской вере, став заядлым читателем работ таких философов, как Иммануил Кант. Все чаще Врубель тяготел к мысли, что он достигнет духовного наполнения только через стремление к своим творческим начинаниям.
Зрелый период
В 1890 году Врубель переехал в Москву. Здесь он нашел других художников, которые экспериментировали за пределами живописи в прикладном искусстве, таком как гончарное дело и керамика, витражи, а также дизайн костюмов и декораций.
Новые идеи и художественные течения из Европы можно было увидеть в Москве, и именно здесь Врубель познакомился с зарождающимся стилем модерн. В отличие от исторических стилей, преподаваемых в девятнадцатом веке, модерн искал вдохновения в узорах и движениях, встречающихся в природе, часто за счет использования современных материалов и декоративного искусства, а не живописи. Вдохновленный идеей, что искусство неотделимо от своего окружения, Врубель преуспел в экспериментировании, развивая живой интерес к восточным искусствам, таким как персидские ковры, и развитию фактуры в живописи.
На решение отойти от живописи и изобразительного искусства и перейти больше к прикладному искусству, безусловно, повлияла его женитьба на известной оперной певице Надежде Ивановне Забеле в 1896 году. Врубель создавал декорации и костюмы для своей жены, которая пела в спектаклях. опер Римского-Корсакова, в том числе Снегурочка и партии Царевны Волховой в Садко и Царевны Лебеди в Сказка о царе Салтане .
В 1898 году художники Александр Бенуа и Леон Бакст вместе с искусствоведом Сергеем Дягилевым основали художественный журнал-манифест «Мир искусства», продвигавший русскую версию модерна. Трио организовало несколько выставок вместе с журналом, и именно благодаря выставочному туру, который путешествовал по Европе, международная репутация Врубеля выросла (не в последнюю очередь благодаря поддержке Пабло Пикассо). Творчество Врубеля и его современников из «Мира искусства», в том числе Константина Сомова и Евгения Лансере, предлагали иной взгляд на западноевропейские черты, поскольку они привносили в модерн специфически русскую эстетику: а именно яркие цвета, фольклорные сказки и традиционные узоры.
Поздний период
Через жену Врубель познакомился с промышленником и меценатом Саввой Мамонтовым. С 1870-х годов Мамонтов владел усадьбой Абрамцево близ Хотькова, к северу от Москвы, и управлял ею как художественной колонией («Абрамцевская колония»). Одной из ключевых целей сообщества было изучение русского народного творчества и качества средневекового производства для производства красивых предметов мебели, керамики и текстиля.
Группа художников, писателей и дизайнеров, собравшихся здесь для обмена идеями, включая Врубеля, Исаака Левитана, Илью Репина, Елену Поленову, Аполлинария и Виктора Васнецовых, стала известна под общим названием Мамонтовский кружок. Врубель стал крупной фигурой в кружке, создавая росписи и декорации: Мамонтов даже назначил его начальником керамических мастерских. Вместе с художниками Константином Коровиным и Валентином Серовым Врубель активно участвовал в жизни колонии: вместе они принимали участие в любительских драматических и музыкальных постановках. Врубель писал в 189 г.1, что в Абрамцеве ему удалось найти «ту интимную национальную ноту, которую [ему] так хотелось запечатлеть на холсте и в орнаменте».
Удалить рекламу
В рамках этого движения к экспериментам в различных формах искусства начали проявляться признаки особого стиля: символизм. В России символизм впервые осуществился в литературе в конце девятнадцатого века, например, в творчестве поэта Александра Блока и писателя Андрея Белого.
Врубель был, по словам искусствоведа Лидии Иовлевой, «первым сознательным, принципиальным символистом среди живописцев». Символистский принцип выражения психологической правды и внутреннего мира художника через искусство дал ключевую отдушину Врубелю, который всю жизнь боролся со своим душевным здоровьем. В то время как другие художники использовали стиль модерн как средство для живописи в реалистической манере, Врубель постепенно перешел к символизму как к средству исследования духовных мыслей, иногда даже через абстрактные формы, которые были далеко от социальной сферы повседневной жизни. . Вскоре с символизмом начали экспериментировать и другие художники из группы «Мир искусства», в том числе Виктор Борисов-Мусатов и Михаил Нестеров.
На рубеже ХХ века психическое здоровье Врубеля ухудшилось, и после тяжелого нервного срыва он был госпитализирован. Он продолжал рисовать, находясь в клинике, но был вынужден остановиться, так как в последние годы своей жизни он становился все более слепым.
Наследие Михаила Врубеля
Врубель был одним из первых художников в России, который исследовал стиль модерн и то, как концепции символизма могут быть исследованы в изобразительном искусстве. Оглядываясь назад на художественные методы прошлого, он использовал такие приемы для создания стиля, который был связан с духовным, а не с религиозным. Эти идеи, хотя и отвергнутые жюри конкурса в то время при подаче работ, были более охотно оценены новым поколением русских художников.
Необходимость оглянуться назад, чтобы двигаться вперед, и предложение о том, что искусство не должно ограничиваться одним холстом, были идеями, которые продолжали находить отклик в двадцатом веке в России и за ее пределами. Как заметила историк искусства Роберта Ридер, «именно он больше, чем любой другой русский художник того периода, должен был оказать решающее влияние на направление искусства в следующем поколении русских художников».
Сценическое творчество Врубеля почиталось петербургскими артистами группы «Мир искусства», в том числе основателем «Русского балета» Сергеем Дягилевым.
Параллели влияния можно увидеть у крупных художников десятилетия после смерти Врубеля: например, у Павла Филонова, Василия Кандинского и Казимира Малевича. Сын профессора Адриана Прахова, художник Николай Прахов, писал о зарождении лучизма в картинах Врубеля и сравнивал их с народным искусством Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Между тем скульптор Наум Габо заявил, что Врубель «освободил искусство живописи и скульптуры от академических и реалистических схем. Его гений ответственен за формирование визуального сознания нашего поколения, пришедшего после него».
Remove Ads
Influences and Connections
Influences on Artist
Influenced by Artist
Giovanni Bellini
Pavel Christyakov
Vittore Carpaccio
Savva Mamontov
Adrian Прахов
Ренессанс
Византийское искусство
Модерн
Medieval Russian painting
Wassily Kandinsky
Mikhail Larionov
Ilya Repin
Leon Bakst
Konstantin Somov
Sergei Diaghilev
Константин Станиславский
Константин Коровин
Валентин Серов
Symbolism
Art Nouveau
Rayonism
Russian Moderne
Russian Primitivism
Open Influences
Close Influences
Useful Resources on Mikhail Vrubel
Books
веб-сайты
статьи
книги
Приведенные ниже книги и статьи представляют собой библиографию источников, использованных при написании этой страницы.
Они также предлагают некоторые доступные ресурсы для дальнейших исследований, особенно те, которые можно найти и приобрести через Интернет.
Посмотреть больше книг
Статьи
La Gulue At The Mulin 9000. Модерн
Подробнее
Танец жизни (1899-1900)
Эдвард Мунк
Символизм
Подробнее
Парк (1909-10)
Густав Климт
Подробнее
Михаил Александрович Врубель Галерея картин в хронологическом порядке
Михаил Александрович Врубель (17 марта 1856 – 14 апреля 1910) считается одним из русских живописцев движение символистов. Однако он намеренно стоял в стороне от современных художественных тенденций. Происхождение его необычного стиля могло быть связано с поздневизантийской и ранней ренессансной живописью. Узнать больше »
Работы Михаила Врубеля в хронологическом порядке
| Анна Каренина встречает сына , 1878 | Обручение Марии и Иосифа , 1881 | Портрет студента , 1882 |
| Автопортрет , 1882 | Пирующие римляне , 1883 | Гамлет и Офелия , 1883 |
| Модель в восточном платье , 1884 | Ангел с Лабарой , 1884 | Шиповник , 1884 |
| Полевые цветы , 1884 | Гамлет и Офелия , 1884 | Моисей , 1884 |
| Пьета , 1884 | Натюрморт. Ткани. , 1884 | Богородица с младенцем , 1884 г. |
| Женская голова (Эмили Л. Прахова) , 1884 | Архангел Гавриил , 1885 | Христос , 1885 |
| Сошествие Святого Духа на апостолов , 1885 | Итальянский рыбак , 1885 г. | Мадонна , 1885 |
| Одесский порт , 1885 | Автопортрет , ок.1885 | Св. Кирилл , 1885 |
Натюрморт. Гипсовая маска, рожок люстры. , 1885 | Мужчина в старинном русском костюме , 1886 | Восточная сказка , 1886 |
| Полет Фауста и Мефисто , 1886 | Цветы в синей вазе , 1886 год | Персидский принц , 1886 |
| Портрет девушки на фоне персидского ковра , 1886 | Красные азалии , ок.1886 | Ангел с кадилом и свечой , 1887 |
| Орхидея , ок.1887 | Пит , 1887 | Портрет М. В. Якунчиковой , ок.1887 |
Красные цветы и листья бегонии в корзине , ок. 1887 | Воскресение , 1887 | Воскресение , 1887 |
| Белый ирис , 1887 г. | Христос в Гефсимании , 1888 | Гамлет и Офелия , 1888 |
| Портрет офицера (Печорин на диване) , 1889 | Прощание Зары с Исмаилом , 1890 | Голова Демона , c.1889 |
| Голова Демона , 1890 | Голова Демона с горами , 1890 | Муза , 1890 |
| Принц Гвидо (Эскиз костюма к опере «Сказка о царе Салтане») , 1890 | Демон сидящий , 1890 | Летающий Демон , ок. 1890 |
| Демон и Ангел с душой Тамары , 1891 | Дуэль Печорина и Грушницкого , 1891 | Итальянская ночь (Эскиз занавеса в Русской частной опере) , 1891 |
| Итальянская ночь в Неаполе (Эскиз занавеса в Русской частной опере) , 1891 | Италия. Сцены античной жизни. (Эскиз занавеса в Русской частной опере) , 1891 | Тамара и Демон , 1891 |
| Тамара и Демон , 1891 | Танцующая Тамара , 1891 | Тамара Лежащая в состоянии , 1891 |
| Всадник («Везет лошадь быстрее лани…») , 1891 | Хождение по воде , 1891 | Суд Париса , 1893 |
| Венеция , 1893 | Катания. Сицилия. , 1894 | Фантастический пейзаж , 1894 |
| Примавера , 1894 | Розы и орхидеи , 1894 | Испания , 1894 |
| Венеция. Мост Вздохов , 1894 | Желтые розы , 1894 | Портрет Т. Любатовича в роли Кармен , 1895 |
| Гадалка , 1895 | Снегурочка , ок.1895 | Ваза , 1895 г. |
| Водяные лилии , c.1895 | Пленные печенеги (Эскиз костюма к опере «Рогнеда») , 1896 | Фауст , 1896 |
| Гензель и Гретель , 1896 | Рыцарь , 1896 | Портрет предпринимателя К. Арцыбушева , ок.1896 |
| Принцесса Мечтательность , 1896 | Ромео и Джульетта , ок.1896 | Утро , 1897 |
| Игра наядами и тритонами , ок.1897 | Портрет С. Мамонтова, основателя Первой частной оперы , 1897 | Портрет жены предпринимателя Арцыбушева , 1897 |
| Купец-викинг (Эскиз костюма к опере «Садко») , 1897 | Волхова, морская царевна (Эскиз костюма к опере «Садко») , 1897 | Богатырь , 1898 |
| Надежда Забела-Врубель в роли княжны Волховой , 1898 | Разлука Морского Короля и Принцессы Волховой , 1898 | Портрет Надежды Забелы-Врубель, жены художника, в ампирном платье , 1898 |
| Пророк , 1898 | Микула Селянинович и Ольга , 1899 | Кастрюля , 1899 |
| Садко , 1899 | Садко , 1899 | Александровская Слобода , 1899 |
| Летающий Демон , 1899 | Валькирия , 1899 | В сумерках , 19:00 |
Египтянка , ок. 1900 | Кулачный боец (Эскиз костюма к опере «Чародейка») , 1900 | Волшебник Кудьма (Эскиз костюма к опере «Чародейка») , 1900 |
| Лелле , 1900 г. | Сирень , 1900 | Мамыров, старый дьякон (Эскиз костюма к опере «Чародейка») , 1900 |
| Мизгир , ок.1900 | Князь Юрий (Эскиз костюма к опере «Чародейка») , 1900 | Принц-егерь (Эскиз костюма к опере «Чародейка») , 1900 |
| Княгиня Волхова , ок.1900 | Княгиня Волхова , 1900 | Садко , 1900 |
| Сирень , 1900 | Царевна-Лебедь , 1900 | Дама в сирени (Портрет Надежды Забелы) , c. 1901 |
| Сын художника , 1901 | Платье , ок.1901 | Падший Демон , 1901 |
| Падший Демон , 1901 | Сирень , 1901 | Павлин , ок.1901 |
| Лебедь , 1901 | Зимняя канавка , 1901 | Тридцать три рыцаря , 1901 |
| Падший Демон , 1902 | Портрет Надежды Забелы-Врубель , ок.1903 | Кампанулы , 1904 |
| Жемчужная устрица , 1904 | Портрет доктора Федора Усольцева на фоне иконы , ок. Comments |
Leave a Comment