Картины художника гоген: Поль Гоген — 516 произведений
21.09.1975 
Разное
Поль Гоген — 516 произведений
Эже́н Анри́ Поль Гоге́н (фр. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡoˈɡɛ̃]; 7 июня 1848 — 8 мая 1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена при жизни не находили спроса, художник был беден. Картина Гогена «Когда свадьба?» — одна из самых дорогих проданных картин.
Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис Гоген (1814—1849), был журналистом в отделе политической хроники журнала Тьера и Армана Мара «Насьональ», одержимым радикальными республиканскими идеями; мать, Алина Мария (1825—1867), была родом из Перу из богатой креольской семьи. Её матерью была известная Флора Тристан (1803—1844), разделявшая идеи утопического социализма и опубликовавшая в 1838 году автобиографическую книгу «Скитания парии».
В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер от сердечного приступа.
Таким образом, до семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.
В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию, чтобы получить от дяди по отцовской линии наследство, и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро учится французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 1861 году Алина открывает швейную мастерскую в Париже, а её сын готовится к поступлению в Мореходное училище.
В 1873 году Гоген женится на молодой датчанке Мэтте-Софи Гад, вхожей в семью Ароза. Гоген становится и отцом: в 1874 году рождается сын Эмиль, в 1877 году — дочь Алина, в 1879 году — дочь Кловис, в 1881 году — сын Жан-Рене, в 1883 году — сын Поль. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось.
Его семья занимает все более комфортабельные квартиры, где особое внимание уделяется мастерской художника. Гоген, как и его опекун Ароза, «коллекционирует» картины, особенно импрессионистов, и понемногу пишет их сам.
С 1873—1874 года появляются его первые пейзажи, один из них будет выставлен в Салоне 1876 года. Гоген знакомится с художником-импрессионистом Камилем Писсарро до 1874 года, но их дружеские отношения завязываются с 1878 года. Гогена приглашают участвовать в выставках импрессионистов с начала 1879 года: коллекционера постепенно воспринимают всерьёз и как художника. Он проводит лето 1879 года у Писсарро в Понтуазе, где пишет сады и сельские пейзажи, похожие на пейзажи «мэтра», как и всё то, что он будет писать вплоть до 1885 года. Писсарро знакомит Гогена с Эдгаром Дега, который всегда будет поддерживать Гогена, покупая его картины и убеждая это делать Дюрана-Рюэля, торговца картинами импрессионистов. Дега станет владельцем около 10 полотен Гогена, в том числе «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго», или «Хина тефатоу»
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA.
Полный текст статьи здесь →
ещё …
Художники по направлению: Символизм — WikiArt.org
направление
Символи́зм (фр. Symbolisme) — одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870—1880-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символику, недосказанность, намёки, таинственность и загадочность.
«Воображение, создающее аналогии или соответствия и передающее их образом, вот формула символизма».
Термин «символизм» в искусстве впервые был введён в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в одноимённом манифесте — «Le Symbolisme», опубликованном 18 сентября 1886 года в газете «Le Figaro». В частности, манифест провозглашал:
К тому времени существовал другой, уже устойчивый термин «декадентство», которым пренебрежительно нарекали новые формы в поэзии их критики. Иннокентий Анненский указывал:
«Символизм» стал первой теоретической попыткой самих декадентов, поэтому никаких резких разграничений и тем более эстетической конфронтации между декадентством и символизмом не устанавливалось. Следует, однако, отметить, что в России в 1890-е гг., после первых русских декадентских сочинений, эти термины стали противопоставлять: в символизме видели идеалы и духовность и соответственно так его манифестировали, а в декадентстве — безволие, безнравственность и увлечение лишь внешней формой.
Так, известна эпиграмма Владимира Соловьёва в отношении декадентов:
Основные принципы эстетики символизма впервые появились в творчестве французских поэтов Шарля Бодлера, Поля Верлена, Артюра Рембо, Стефана Малларме, Лотреамона.
Явление символизма Лев Троцкий объясняет просто «желанием забыться, оказаться по ту сторону добра и зла».
В своих произведениях символисты старались отобразить жизнь каждой души — полную переживаний, неясных, смутных настроений, тонких чувств, мимолётных впечатлений. Поэты-символисты были новаторами поэтического стиха, наполнив его новыми, яркими и выразительными образами, и иногда, пытаясь добиться оригинальной формы, они уходили в считаемую критиками бессмысленной игру слов и звуков. Можно сказать, что символизм различает два мира: мир вещей и мир идей. Символ становится неким условным знаком, соединяющим эти миры в смысле, им порождаемом. В любом символе есть две стороны — означаемое и означающее. Вторая эта сторона повернута к ирреальному миру.
Понятие и образ Тайны, таинственного, мистического проявляется как в романтизме, так и в символизме. Однако, романтизм, как правило, исходит из того, что «познание мира есть познание самого себя, ибо человек — величайшая тайна, источник аналогий для Вселенной» (Новалис). Иное понимание мира у символистов: по их мнению, подлинное Бытие, «истинно-сущее» или Тайна — есть абсолютное, объективное начало, к которому принадлежат и Красота, и мировой Дух.
Вячеслав Иванов в своей работе «Заветы символизма» ёмко и по-символистски образно выразил художественные признаки и эстетические принципы собственно «символического» направления в искусстве (сказанное здесь о поэзии вполне применимо и к остальным видам искусства):
Удивительной магией символистичной образности проникнуты такие строки Константина Бальмонта, проливающие свет и на эстетические принципы символизма:
В отличие от других направлений в искусстве, использующих элементы характерной для себя символики, символизм полагает выражение «недостижимых», иногда мистических, Идей, образов Вечности и Красоты целью и содержанием своего искусства, а символ, закреплённый в элементе художественной речи и в своём образе опирающийся на многозначное поэтическое слово, — основным, а иногда и единственно возможным художественным средством.
Самое яркое изменение, привнесённое символизмом, касается формы художественного воплощения его поэтики. В контексте символизма произведение любого вида искусства начинает играть именно поэтическими смыслами, поэзия становится формой мышления. Проза и драма начинают звучать поэзией, зрительные искусства рисуют её образы, с музыкой же связь поэзии становится просто всеобъемлющей. Поэтические образы-символы, как будто приподнимающиеся над реальностью, дающие поэтический ассоциативный ряд, воплощаются у поэтов-символистов в звукописной, музыкальной форме, причем звучание самого стихотворения имеет не меньшее, а то и большее значение для выражения смысла того или иного символа. Константин Бальмонт так описывает собственные ощущения от звуков, из которых затем складываются поэтические слова:
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA.
Полный текст статьи здесь →
Художники по направлению: Постимпрессионизм — WikiArt.org
направление
Постимпрессиони́зм (фр. postimpressionisme, от лат. post — «после» и «импрессионизм») — художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом — французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол.
1880-х гг. до нач. ХХ в.
Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как натуралисты) или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать её основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.
К выдающимся представителям постимпрессионизма в живописи относятся Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, объединённые по сути лишь тем, что они отталкивались от импрессионизма. Они сильно повлияли на последующее развитие изобразительного искусства, став основой направлений в современной живописи. Крупные мастера своей проблематикой положили начало многим тенденциям изобразительного искусства XX в.: работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к символизму и модерну. При этом многие мелкие направления (например, пуантилизм), существовали только в данный хронологический период.
Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английский критик Роджер Фрай, говоря о впечатлении от устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.
Начало постимпрессионизма приходится на кризис импрессионизма в конце XIX века. Тогда, в 1886 году, состоялась последняя выставка импрессионистов, где были впервые показаны работы постимпрессионистов — неоимпрессионистов. Тогда же был опубликован «Манифест символизма» французского поэта Жана Мореаса. Однако некоторое время импрессионизм и постимпрессионизм (несмотря на его название), существуют параллельно, причём постимпрессионизм одновременно и принимал, и отвергал некоторые принципы своего предшественника.
Будущие художники-постимпрессионисты (многие из которых ранее примыкали к импрессионизму), начали искать новые методы и выразительные средства, которые были бы более созвучны эпохе.
Желая преодолеть эмпиризм художественного мышления, они отказались от стремления импрессионистов запечатлеть сиюминутность («впечатление»), и принялись осмысливать длительные состояния окружающего мира, стремились запечатлеть длительные, сущностные состояния жизни, причём — и материальные, и духовные. Кроме того, вырос интерес к философским и символическим началам искусства, что также было результатом определенного духовного кризиса европейской культуры этого времени, поисков художниками устойчивых идейно-нравственных ценностей. Тем не менее, художники, ныне объединяемые под термином «постимпрессионисты», не были объединены ни общей программой, ни школой, ни методом.
Возникшие новые течения декларативно отказывались от эстетики импрессионизма и реализма. Художники занимались поисками, которые приводили к возникновению различных направлений, из которых и сложился постимпрессионизм: пуантилизм (Жорж Сёра, Поль Синьяк), символизм Гогена и группы «наби» (Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар), создание линейно-живописного строя будущего стиля модерн (Тулуз-Лотрек и др.
), принципы Сезанна, и проч. Различные направления и индивидуальные творческие системы активно влияли друг на друга.
Сезанн, например (и его последователи сезаннисты), считал, что задача художника заключается не в фиксации мгновенных впечатлений от действительности, а в глубоком её изучении, выявлении и передаче общих, основополагающих качеств — объёма, структуры, весомости; в интересе вечного монументального характера мира, его устойчивых, непреходящих черт. Его методом было построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на её обобщение и геометричность, а основой живописи были рисунок, цвет и контрасты.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.
wikipedia.org/wiki/ПостимпрессионизмПоль Гоген
«Я хотел завоевать право дерзать… И хотя мои силы были слишком малы, машина была пущена в ход. Публика мне ничем не обязана, мои картины лишь относительно хороши, но художники, которые теперь пользуются этой свободой, кое-чем мне обязаны», – так определил значение своего творчества Поль Гоген. Его путь к искусству был долог и непрост. В 35 лет он отказался от размеренной обеспеченной жизни, оставил карьеру преуспевающего биржевого маклера, покинул семью, чтобы целиком посвятить себя творчеству. Пройдя через увлечение импрессионизмом, художник быстро разочаровался в этом направлении. Мечтой Гогена становится создание нового искусства, свободного от условностей европейской цивилизации, – искусства «варварского» яркостью цветовых сочетаний, «примитивного» с точки зрения форм и композиционных построений и бесконечно прекрасного в своей чистоте и наивности.
В 1891 году Гоген уезжает на Таити в надежде найти там новые источники вдохновения. Художник был поражен экзотической красотой этих мест. Его дневник с поэтическим названием «Ноа ноа» («Благоуханная земля») проникнут восторгом перед новым для него миром. На Таити художественный стиль Гогена приобрел особое, гармоничное звучание. Яркими интенсивными красками живописец выразил восторг перед экзотической природой, воплощением земного рая. Художник внимательно изучает новый для европейцев мир, его природу, историю, культуру. Он полагает, что именно в «примитивном искусстве», неразрывно связанном с природой, можно обнаружить основные законы бытия.
Но действительность оказалась далека от ожиданий. Болезни и нужда заставили Гогена вернуться в Париж, где его ждали новые разочарования. Произведения, созданные им на Таити, не нашли понимания у публики; аукцион живописных работ не принес большого дохода. Получив небольшое наследство, он вновь уезжает в Полинезию, на этот раз навсегда.
Гоген первым из европейских художников обратился к традициям «примитивного» искусства, чтобы вернуть живописи простоту и наивность. Он открыл для мастеров ХХ столетия выразительную силу неевропейских культур. Плоскостность формы, повышенная интенсивность цвета, декоративность композиций – все эти открытия Гогена послужили отправной точкой для творческих поисков следующих поколений французских художников.
Искусствоведческий анализ живописи и описание картины Поля Гогена «Королева»
Наша Галерея современного искусства продолжает цикл статей об истории искусства.
Мы приглашаем всех желающих посетить наши Мастер классы и Лекториум по истории живописи, методологии атрибуциии предметов искусства,графики, скульптуры, истории изобразительного искусства, которые проводятся в Москве. Мы рекомендуем записаться заранее и обозначить те темы лекций, которые были бы Вам интересны. Приходите, будет интересно.
Наши Мастер классы и Лекториум >>>>
Каталог Наши художники >>>>>
Каталог товаров Живопись >>>>
Автор статьи Анастасия Вахрамеева
Искусствоведческий анализ и описание картины Поля Гогена «Королева.
(Жена короля)»
«Нет совершенной красоты без некоторой необычности пропорций»
Эдгар По
Картину можно назвать одним из лучших произведений позднего творчества Гогена. Полотно было написано во время второго приезда художника на Таити (с 1895 до смерти в 1903 году). Это была тщетная попытка Гогена на закате дней скрыться от европейской цивилизации, максимально приблизившись к дикой первозданной природе Полинезии, обитатели которой «знают лишь радостные стороны жизни», чудесный мир, где можно жить «почти без денег». Однако в годы второй поездки художник был уже полностью разочарован в жизни: знойное солнце тропиков лишь усугубляло экзему, а бесчисленные беспорядочные связи привели к неизлечимому заболеванию. В отсутствии стабильного источника дохода – полотна, которыми расплачивался Гоген, зачастую шли на подстилки котам и собакам,– даже в хижине под пальмами на берегу южного моря художник ощущал себя брошенным и безумно одиноким. Парадоксально, но именно в свои отчаянные и несчастные годы, на все более европеизировавшемся Таити он создал самые большие и эйфористические картины рая.
По окончанию работы над полотном мастер написал другу Даниэлю де Монфрейду: «Только что закончил картину — один метр тридцать сантиметров на один метр, которую считаю гораздо удачнее всего предыдущего: обнаженная царица лежит на зеленом ковре, служанка срывает плоды, два старика подле большого дерева рассуждают о древе познания; в глубине морское побережье… Деревья в цвету, собака сторожит, справа два голубя воркуют».
Полотно довольно большого размера, что в соединении с прямоугольным форматом может при первом рассмотрении ввести зрителя в заблуждение, и он увидит в ней повествование. Это не так, мастеру был важен не конкретный сюжет, а символизм всего происходящего. Художник со всем присущим ему своеобразием написал ветхозаветную сцену, а не реальную таитянскую жизнь. Для передачи библейского сюжета он заимствует художественные приемы, обращаясь к искусству Египта, Индии, Ирана, Камбоджи и тщательно изучая таитянский фольклор. Художник пропустил библейский сюжет через призму собственного восприятия.
В центре изображена прекрасная таитянка. Поза, которую принимает обнаженная королева, напоминает нам как «Спящую Венеру» Джоржоне и «Обнаженную Маху» Гойи, так и скандально известную «Олимпию» Мане . Она «обнажена, но царственно одета» . В отличие от героини Ренуара таитянская Ева абсолютно естественна в своей наготе, ее красивое молодое тело без ложного стыда, присущего цивилизации, открыто зрителю.
В отличие от Анны с этюда Ренуара, которая скрывает свою наготу и при этом прямо обращает к зрителю выразительные слегка грустные глаза, жена короля смотрит не на нас – ее отрешенный взгляд направлен куда-то в сторону, что отдаляет зрителя от недоступной королевы и таинственного мира Гогена. Но запретный плод сладок, и чем больше становится дистанция между реальным миром и земным раем, воплощенным мастером, тем более привлекательным становится полинезийский Эдем. Зрителю нельзя проникнуть в этот мир. Красота королевы идеальна в своей дикости и неприкосновенности. В этих строках как нельзя лучше раскрывается образ чернокожей красавицы Гогена: «…Эта таитянская Ева очень нежна, очень мудра в своей наивности.
Загадка, скрытая в глубине ее детских глаз, для меня непостижима…Это Ева после грехопадения, она еще может бесстыдно ходить обнаженной, она еще не растеряла своей животной красоты первого дня творения… Это Ева, и тело ее еще тело животного. Но голова уже эволюционировала, мысль развила тонкость чувств, любовь оставила на губах ироническую улыбку, и пусть наивно, но она ищет в своей памяти причины времен прошедших и настоящих. Она смотрит на вас, и во взгляде у нее загадка» .
Что связывало самого мастера с созданной и воспетой им королевой? Если руководствоваться тем, что картина относится к позднему этапу творчества Гогена (второй приезд художника на Таити), то, скорее всего это его вторая таитянская жена Паола (Гоген считал, что с нее был написан самый лучший портрет обнаженной женщины). Однако, отталкиваясь от описаний внешности из «Ноа Ноа», можно подумать, что это первая полинезийская жена – Техура… «Молодая женщина с правильными чертами лица, прямыми черными волосами, стройным телом, небольшой грудью и длинными хорошо развитыми ногами, фигурирующая почти во всех его таитянских картинах, — это несомненно Техура».
Пропорции фигуры темнокожей красавицы не цитируют античных богинь. Крепкое телосложение таитянки далеко от европейского «ложного идеала хрупкости». Если натурщица Ренуара, напоминает зрителю фарфоровую статуэтку, то сияющая загорелая кожа королевы делает ее подобной бронзовой статуе. Примечательно, что все персонажи на полотне имеют разный цвет кожи. Сияющий бронзовый загар королевы контрастирует с серовато-голубыми силуэтами служанок, напоминающих по цвету индийские божества, и слегка сутулыми фигурами беседующих стариков, похожих на деревянных идолов.
Изображенная королева очень органично вписывается в природный ландшафт. Основную вертикаль картины держит дерево, ставшее поводом дискуссий двух стариков. О чем они размышляют? Древо познания добра и зла, от которого всевышний предостерегал первых людей в ветхозаветном сюжете, это исток и вместе с тем цель для человеческой души. Все больше отдаляясь от цивилизации, Гоген постепенно утрачивал всякое представление о добре и зле: «Сглаженность различий между полами, которая у дикарей делает мужчину и женщину столь же друзьями, сколь и любовниками, и тем самым устраняет даже понятие порока, почему она внезапно вызвала у старого цивилизованного человека как раз порочные представления, явившись в опасном обличье новизны и неизведанности».
Ствол древа, расположенный в центре композиции, овивает змей. Это легко узнаваемое воплощение искусителя и разрушителя. Суть первородного греха и мирового несовершенства состоит в разъединении божественного единства. Ева мечтала вкусить вечность, отведав плод с Древа познания. Отделение женского начала от мужского лишает познания жизни. О соединении мужского и женского на полотне могут косвенно указывать воркующие справа голуби. (То, что это именно голуби, указывает сам художник, крупный размер и яркий цвет птиц без указаний Гогена может невольно заставить зрителя принять их за фазанов.)
Перемещая взгляд вглубь, за стволом дерева зритель замечает темную собаку довольно внушительных размеров. Можно ли правильно трактовать этот образ сторожащей собаки, очертания морды которой навевают мысли о египетском Анубисе, ведь в мистическо-религиозном контексте христианского райского сада ей наверняка не нашлось бы места… Но в мире людей есть такие черные псы. Скорее всего, это некий символ одиночества.
Гоген ощущал, что жизнь прошла, он прожил ее как бродячая собака, а цель, на алтарь которой было положено все, по-прежнему ускользала.
Определить время суток и найти источники света на полотне Гогена не представляется возможным. У мастера было специфическое отношение к светотени: «Вы хотите знать, презираю ли я тени? Как средство выявления света – да. Посмотрите на японцев, которые так восхитительно рисуют, и вы увидите у них жизнь на солнце и открытом воздухе без теней. Так как тени являются обманом зрения, вызванным солнцем, то я склонен отказаться от них». Мы наблюдаем смешение времен года, поскольку в тропических широтах, как в райском саду, можно одновременно лицезреть все фазы годового цикла жизни растений: на дереве и кустарниках присутствует как зеленая, так и желтая листва. И эта желтая листва сама по себе излучает свет.
Главное в этой картине – цвет, она как лирический гобелен, где все абсолютно гармонично. Сам художник отмечал: «Мне кажется, что по цвету я еще никогда не создавал ни одной вещи с такой сильной торжественной звучностью».
Колорит этой картины скорее можно назвать холодным. Невероятная палитра цветов, используемых художником, довольно условна: на родине полотна Гогена были осмеяны в статьях, где упоминались «оранжевые реки» и «красные собаки». Столь яркие краски помогают лучше передать экзотическую атмосферу острова и культуру таитян. «Пламенеющие пейзажи, омытые сверкающим солнцем, позволили наконец Гогену добиться интенсивности цвета, которая не была больше результатом его воображения, а находила обильную пищу в наблюдении действительности…»
Особенно выделяется яркий изумрудный цвет зеленого «ковра», в чуть более светлом варианте он продублирован Гогеном при обозначении кроны деревьев в верхнем левом углу. Разбросанные перед лежащей королевой созревшие фрукты пестрят желтым, оранжевым, красным и светло-сиреневым цветами. Для обозначения созревших плодов, срываемых служанкой, используется ярко-красный. Ядовитый желтый цвет с примесями зеленого, в который окрашена листва древа познания, не ощущается теплым.
Так о подобной листве писал Гоген: «На лиловой земле – длинные змеевидные листья металлической желтизны, которые кажутся мне тайными священными письменами древнего Востока». Холодный компонент зеленого уравновешивается темно-коричневым в обозначение ствола дерева и линейных контуров фигур. В целом в изображении растительности присутствуют различные оттенки оранжевого, бурого и золотистого. Линия берега показана свинцово-синим цветом с легким сиреневатым отливом, чуть далее вправо розовеет прибрежная зона. Море вблизи показано синим, в отдалении художник использует более насыщенный оттенок темно-синего цвета, обозначая тем самым линию горизонта. Когда мы смотрим на край неба, который удается разглядеть сквозь листву, создается впечатление, что это разбавленный тон морского синего.
В колорите полотна отсутствует черный. Следуя импрессионистической традиции, Гоген не использовал черный, белый и серый цвет. Как альтернатива черному у него выступают вся гамма от насыщенного бурого до темно-коричневого, а также темно-зеленый цвет.
Данные цвета используются и для обозначения контуров персонажей. Эти контуры делают образы линейными, что придает им некую декоративность. Но изображенные фигуры помещены в уловную иллюзорную среду, которая не позволяет говорить о линейности в классическом понимании.
Отношение к пространству, как и к светотени, у Гогена очень непростое. Художника критиковали за то, что на его картинах «недоставало воздуха». Но, несмотря на это, в столь монументальной работе не быть глубины. Глубина обозначается косою линией побережья, которая создает динамику, морское побережье с небом на заднем плане занимает примерно одну треть полотна, если отсекать по горизонтали. Выше мы уже отмечали исключительную цветовую уравновешенность, в расположении изображенных – также присутствует гармония. В божественной безмятежности художник сумел соединить здесь изображение трех царств: человеческого (королева, старики, служанка) животного (собака, змей, голуби), и растительного (древо познания, плоды), сосуществующих в вечной гармонии рая.
В этом триединстве на фоне древа познания можно увидеть и круговорот жизни:
Я умер камнем и воскрес растеньем,
Растеньем умер и животным стал,
Прожив свой век, я возродился человеком
Смерть не страшна – ну что я потерял?
На картине несколько пространственных планов. Ближе всего к зрителю расположены фрукты, сразу за ними лежит обнаженная женщина, которая прячется от солнца, перекрыв голову веером, в тени дерева, ствол и крона которого создают уже третий план. Дополнительную символическую и смысловую нагрузку несут собака, старцы и служанка.
Взгляд зрителя будет постепенно скользить по этим фигурам в размышлениях о древе познания, как символе вечной жизни. Вертикальный ствол древа познания добавляет полотну некую монументальность.
Если говорить о фактуре картины Гогена, то это полотно написано большей частью за счет довольно свободных и широких мазков. Иногда возникает ощущение, что мазки абсолютно одинаковые, и отличаются только цветом.
«Благоухающее таитянское Ноаноа», воплощенное в образе прекрасной женщины, «эквивалент величия, глубины и тайны Таити», этот как путь художника к постижению красоты и истины.
Альбом Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г., стр.42
Альбом: Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г.
Гоген П. Ноа Ноа/ пер. с франц. Н.Рыковой, Л.Ефимова, СПб.: Азбука-классика, 2012. Стр. 68
Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 392
Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 148
Альбом Поль Гоген из серии Великие художники. М., 2009 г., стр.42
Ревалд Дж. Постимпрессионизм, М., Аванта+, 2011, стр. 388
Наши Мастер классы и Лекториум >>>>
Каталог Наши художники >>>>>
Каталог товаров Живопись >>>>
Поль Гоген — Большое дерево
Оригинальное название: Te raau rahi
Год создания: 1891
В марте 1891 года, спустя три года после расставания с Ван Гогом и его жёлтым домом, Гоген получил финансирование от Министерства народного образования и изящных искусств Франции, чтобы «отправиться на Таити для изучения и, в конечном итоге, рисования костюмов и ландшафтов этой страны».
Интерес Гогена к экзотическим местам был давним: с аналогичной целью в 1886 году он совершил свое первое путешествие в Бретань на севере Франции, а в 1887 году на остров Мартинику, французскую колонию в Карибском бассейне. Эти поиски были мотивированы и подпитаны благодаря «первобытному» имиджу художника, который он культивировал; после своей экспедиции 1887 года он написал жене Метте: «Вы должны помнить, что у меня двойная натура, состоящая из индейца и чувственного цивилизованного человека». Основанием для утверждения Гогена о подобном наследии послужило то, что он провел первые годы своей жизни в Перу, где жили родственники его матери. Картина «Большое дерево», написанная во время первого пребывания Гогена на Таити, соответствовала целям художника запечатлеть местную флору и фауну. В то же время она демонстрировала художественную цель Гогена показать «первобытную» или естественную основу своего искусства. Обосновавшись в новом месте, Гоген разработал особый метод работы. Позже он писал: «В любой местности мне нужен период инкубации, чтобы каждый раз узнавать особый характер растений, деревьев — всего ландшафта».
Он характеризовал свои первоначальные наброски, как «документы», которые, как он писал другу, «пригодятся, я надеюсь, мне во Франции». Написанное в октябре или ноябре 1891 года, «Большое дерево» изображает жанровую сцену местной семьи, занимающейся своей повседневной деятельностью. Мужчина слева наклонился, чтобы расколоть кокос, сидящая женщина заботится о ребенке, а их собака свернулась клубком для сна; на заднем плане другая женщина повернулась к животным. Среди характерных местных элементов — соломенные хижины в отдалении и одежда с красными, синими и желтыми узорами, одетая на взрослых. Основанная на одном из «документов» Гогена, запечатлевших местных жителей за работой, эта картина раскрывает, казалось бы, объективный взгляд на повседневную жизнь Таити. Выполняя свою миссию «нарисовать костюмы и пейзаж Таити», Гоген решил не фокусироваться на чертах лица, а вместо этого изобразить жизнь таитян со стороны. Как если бы он был документальным репортером, местные жители, похоже, совершенно не замечают присутствия Гогена.
Подписывая картину, художник назвал ее «Te raau rahi», что в переводе с таитянского звучало, как «создание великой таитянской медицины». Это означает, что пышная растительность картины является более чем живописным фоном для этой мирной сцены. Во время своих многочисленных наблюдений за работающими жителями Гоген фиксировал таитянскую практику использования «орехов и листьев дерева автура, а также стручков и цветов дерева хоту в лечебных целях». В «Большом дереве» можно точно определить местную растительность — большое дерево хоту слева, правее за ширмой банановых листьев возвышается тропическое миндальное дерево, а у правого края полотна распустился красным куст гибискуса. Записывая гармоничные отношения между людьми и их землей, Гоген показал свой интерес к тому, чтобы как можно больше узнать о Таити, ее природе и людях.
Картина Поля Гогена стала самым дорогим произведением искусства в мире
Картина Поля Гогена таитянского периода «Когда свадьба?» стала самым дорогим проданным произведением искусства в мире.
Ее купил у швейцарского коллекционера Рудольфа Штейхелина коллекционер из Катара за сумму, близкую к $300 млн.
Работа, как и другие вещи из собрания Штейхелинов, была на хранении в Художественном музее Базеля. Коллекцию начал собирать после Первой мировой войны дедушка Рудольфа Штехелина, его тезка. Продажу произведения Рудольф Штехелин объяснил необходимостью «модифицировать активы», а также тем, что ему предложили за картину удачную цену. «Большая часть моих активов — это картины, на которые люди приходят смотреть бесплатно. Это великие произведения искусства, но это еще и инвестиции».
В Катар «Когда свадьба?» отправится только в январе следующего года. Сначала она будет показана на выставке картин Гогена в Фонде Бейелеров, затем отправится в мадридский Центр искусств королевы Софии, а затем будет выставлена в Phillips Collection в Вашингтоне.
Интересно, что ранее самая дорогая картина Поля Гогена, проданная на аукционе, стоила гораздо меньше.
В 2007 году полотно «Утро», тоже таитянского периода художника, ушло с молотка на Sotheby`s за $39,2 млн.
Предыдущая рекордная продажа произведения искусства также была непубличной, и покупатель тоже был из Катара. В 2011 году полотно Поля Сезанна «Игроки в карты» приобрела катарская королевская семья за $250 млн. Самым дорогим произведением искусства, проданным на аукционе, стал триптих Фрэнсиса Бэкона «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда», ушедший с молотка на Christie`s за $142,4 млн.
Интерес к Гогену подогревается и событиями, далекими от арт-рынка, но близкими к Голливуду. В это воскресенье, 8 февраля, на выставке Гогена в Фонде Бейелера выступит с лекцией американский актер Киану Ривз («Матрица»). Ривз расскажет о главном литературном произведении Гогена — «Ноа-Ноа», о жизни художника на Гаити. Все билеты на мероприятие проданы.
Член Клуба коллекционеров Алексей Савинов в эфире “Ъ FM”: «Мне всегда казалось, что цена определяется спросом. Вот если подряд три-четыре картины Гогена начнут уходить за такую стоимость, тогда мы можем говорить о тенденции и как-то пытаться ее осмыслить, как когда-то давным-давно за Гогена давали по $40 млн японцы — это обсуждалось даже в советской прессе как «их нравы».
Одна ласточка весны не делает, мы тут можем говорить скорее о такой неожиданности, диковинке, которая может попасть в книгу Гиннесса и только».
Директор портала ARTinvestmant Константин Бабулин в эфире “Ъ FM”: «Художник редкий, и последние продажи были в районе 2007-2008 годов. Пока еще только близкие картины продавались за $30-35 млн, что уже много. С другой стороны, 2008 год — это пик, дальше произошел кризис, и цены немного скорректировались. Тем не менее, мы имеем частную сделку, что важно, — $300 млн, и при этом это Музей Катара. Еще мы знаем, что рядом в Арабских Эмиратах тоже создается музей — Лувр №2. За ценой люди не стоят. Думаю, что за ценой $300 млн заложено больше пиара. Другого разумного, логического объяснения в принципе быть не может».
Рита Русакова
Анализ 50 известных картин и биографий
Когда в ноябре 1882 года Парижская биржа рухнула, биржевой маклер по имени Поль Гоген (1848-1903) остался без средств к существованию.
Из зажиточной буржуазии он погружался «все глубже и глубже в грязь»
пролетариата, и вскоре смог предложить жене и пятерым детям только «сухой хлеб в долг». Поэтому он решил сделать карьеру на своей страсти к живописи и весной 1891 года самостоятельно бежал из старого мира на остров Южных морей.
Таити.
Это был полет в экзотический рай в воображении Гогена. Но в конце девятнадцатого века нетронутая природная первозданность Таити сохранилась лишь в районах, напоминавших резервации, под властью французов. и английских колонизаторов. Гоген поселился в одной из родных деревень и рисовал, чтобы отогнать разочарование и покорность. В получившихся изображениях использовались светящиеся цвета и блестящие поверхности, которые не были связаны с данная реальность, чем спроецированная мечта европейца, уставшего от цивилизации.
Хотя неоднозначная карьера Поля Гогена в искусстве была относительно короткой, всего за тридцать лет он создал весьма оригинальные шедевры в самых разных стилях и материалах.
Начиная со своей собственной уникальной версии импрессионистов
живописи, он быстро перешел к мощной, довольно грубой форме деревянной скульптуры, к дико неортодоксальным и фантастическим керамическим предметам, к живописи клоассонизма с ее твердыми очертаниями, к живописи синтетизма с ее широким
обобщенных форм, до символистской живописи с ее таинственными контрастами.
Эволюция Гогена отражает его хищнический интеллект, вобравший в себя стилистические принципы самых разнообразных художественных традиций: народного искусства, карикатуры, средневековой скульптуры и витража, японской гравюры и декоративного искусства.
искусство, персидские рукописи и ткани, дальневосточная скульптура и так называемое примитивное искусство южных морей. Тем не менее, он редко упускал из виду весь спектр условностей старых мастеров, воплощенных для него в таких разнообразных моделях, как
Караваджо, Рембрандт, Иоганн Вермеер, Эжен Делакруа и др.
Энгр.Его эклектизм, по-видимому, мотивировался стремлением создать вневременной, универсальный художественный язык, способный выражать, помимо физических фактов видимого мира, невидимые эмоциональные истины мысли,
мечты и суеверия.
Несмотря на такую богатую сложность, необыкновенная жизнь Гогена всегда интриговала его поклонников не меньше, а иногда и больше, чем его искусство. Глобальная по своим масштабам, его жизнь определялась благородными, хотя и бессердечными и часто ненужными жестами.
самодовольной жертвы и неповиновения во имя искусства.Не менее желая причинить боль другим, чем самому себе, чтобы исполнить свое предназначение художника, Гоген отказался от деловой карьеры, жены и пятерых детей и манипулировал
друзей и коллег безжалостно, поскольку он стремился освободиться от мирских обязанностей, которые мешали его целеустремленной страсти. Хвастаясь тем, что он назвал полудиким темпераментом, Гоген добивался внимания и
восхищение, изображая из себя беспокойного индивидуалиста, всегда готового принять бедность и страдания, когда он повернулся, чтобы избежать компромисса, уехав из Парижа в Руан, из Руана в Копенгаген, из Копенгагена в Бретань, из Бретани в Мартинику и так далее.
до тех пор, пока смерть не настигла его на отдаленном южно-тихоокеанском острове Хиваоа в 1903 году.
Поль Гоген осмелился высказываться о своих художественных взглядах, а не полагаться исключительно на журналистов и историков. Он активно продвигал свое собственное дело, написав на протяжении всей своей карьеры, тем самым способствуя тенденции, которая продолжается с самозваными художниками-знаменитостями нашего века, такими как Макс Эрнст, Марсель Дюшан, Сальвадор Дали или Марк Ротко. В письме Морису Дени в 1895 году Гоген поздравил своего молодого ученика с искусствоведением:
Мне приятно видеть, как художники заботятся о своих интересах… В течение некоторого времени, больше всего с тех пор, как [я сформулировал] свой проект похоронить себя на островах Тихого океана, я почувствовал это обязательство, которое возлагается на молодых художников, разумно писать на темы искусства.»
Влияние
Как и его друг, другой художник-постимпрессионист Винсент Ван Гог, Поль Гоген не был хорошо оценен до самой смерти. Позже Гоген получил признание за экспериментальное использование
цвета и синтетический стиль, которые заметно отличались от импрессионизма.
Его работы оказали влияние на французский авангард и многих современных художников, таких как Пабло Пикассо и
Анри Матисс.
Искусство Гогена стало популярным после его смерти, и многие из его картин находились во владении русского коллекционера Сергея Щукина. Он был важной фигурой в символистском движении как художник, скульптор, гравер, керамист и писатель.
Символизм Гогена был уникален тем, что он искал спасения от цивилизации в менее индустриализированных, так называемых примитивных культурах, а не в воображаемом мире грез своих предшественников.Поиски потерянного рая Гогеном в конце концов привели его
к Южным морям, где он наполнил свои полотна, гравюры и скульптуры очень личными и эзотерическими образами, которые намеренно ускользают от четкой или конечной интерпретации. После смерти Гогена в Центральной Европе символизм стал свидетелем позднего расцвета.
процветает в работах Венского Сецессиона и, в частности, Густава Климта, чьи полотна демонстрируют глубокое увлечение как продуктивными, так и разрушительными силами женской сексуальности.
Смелые эксперименты Гогена с колоритом привели непосредственно к синтетическому стилю современного искусства, в то время как его выражение внутреннего смысла сюжетов в его картинах под влиянием перегородчатого стиля проложило путь к Примитивизм и возвращение к пасторальности. Он также был влиятельным сторонником гравюры на дереве и гравюры на дереве как видов искусства.
Должен ли я совершить это далекое путешествие только для того, чтобы найти то самое, от чего я бежал? Мечта, которая привела меня на Таити, жестоко разочаровалась в действительности.Это был Таити прежних времен, который я любил. Ввиду неизменная физическая красота расы, казалось невероятным, что все ее древнее величие, ее личные и природные обычаи, ее верования и ее легенды исчезли. Но как я мог один найти следы этого прошлое, остались ли такие следы? Как я мог узнать их без какого-либо руководства? Как разжечь огонь, пепел которого развеян?»
— Поль Гоген
Поль Гоген
Гоген был финансово успешным биржевым маклером и художником-самоучкой, когда он начал собирать работы импрессионистов в 1870-х годах.
Вдохновленный их примером, он взялся за обучение живописи у Камиля Писсарро. Писсарро и Эдгар Дега организовали для него показ своих ранних работ в области живописи на четвертой выставке импрессионистов в 1879 году (а также на ежегодных выставках импрессионистов, проводившихся до 1882 года). В 1882 году, после того как крах фондового рынка и рецессия сделали его безработным и разоренным, Гоген решил покинуть мир бизнеса, чтобы посвятить себя жизни художника на полную ставку.
В 1886 году Гоген отправился в Понт-Авен в Бретани, суровую страну горячо верующих людей, далеких от городской утонченности Парижа.Там он выковал новый стиль. Он был в центре группы художников-авангардистов, посвятивших себя синтезу, упорядочиванию и упрощению сенсорных данных до их основ. Величайшим нововведением Гогена было использование цвета, который он использовал не из-за его способности имитировать природу, а из-за его эмоциональных качеств. Он наносил его на широкие плоские области, обведенные темной краской, что имело тенденцию уплощать пространство и абстрактную форму.
Это уплощение пространства и символическое использование цвета оказали большое влияние на художников начала двадцатого века.
В Бретани Гоген надеялся раскрыть выразительный потенциал, который, по его мнению, скрывался в более сельской, даже «примитивной» культуре. В течение следующих нескольких лет он часто путешествовал между Парижем и Бретанью, проводя время также в Панаме и Мартинике. В 1891 году его неприятие европейских городских ценностей привело его на Таити, где он рассчитывал найти нетронутую культуру, экзотическую и чувственную. Вместо этого он столкнулся с миром, уже преображенным западными миссионерами и колониальным правлением. В значительной степени Гогену пришлось изобретать мир, который он искал, не только в картинах, но и в резьбе по дереву, графике и письменных работах.Пока он изо всех сил пытался выразить волнующие его вопросы жизни и смерти, знания и зла, он переплетал образы и мифологию островной жизни с образами и мифологией западной и других культур. После поездки во Францию (1893–1895) Гоген вернулся, чтобы провести оставшиеся годы, омраченные болезнью и депрессией, в Южных морях.
Поль Гоген | МоМА
Наряду со своими современниками Винсентом Ван Гогом и Полем Сезанна Поль Гоген был пионером модернистского искусства.Его использование выразительных цветов, плоских плоскостей и упрощенных, искаженных форм в картинах, а также грубая, полуабстрактная эстетика в скульптурах и гравюрах на дереве оказали глубокое влияние на художников-авангардистов начала 20 века, начиная с Анри Матисса. и Пабло Пикассо немецким экспрессионистам.
Гоген, не имевший формального художественного образования, вел странствующую жизнь, подолгу селясь в разных частях мира, включая, что наиболее известно, Таити. Он родился в Париже, но провел свое раннее детство в Лиме, Перу, где у его матери были родственники.Его привязанность к Перу помогла разжечь пожизненное желание путешествовать и идентифицировать себя как «дикаря» — термин, заключающий в себе его идеализирующий и уничижительный взгляд на незападные народы и культуры, которые на него повлияли.
В молодости он работал на фондовой бирже в Париже, а в свободное время рисовал. Между 1879 и 1886 годами он выставлялся с импрессионистами, но впоследствии присоединился к зарождающемуся символистскому движению, которое отдавало предпочтение внутренним чувствам и косвенным воспоминаниям, а не визуальным эффектам света в природе.В 1882 году, потеряв работу во время краха французского фондового рынка, он полностью посвятил себя живописи.
В 1891 году Гоген уехал из Франции на Таити, который долгое время рисовался в его воображении раем, не испорченным европейскими общественными нравами. Там он создавал светящиеся картины и небольшие деревянные скульптуры, похожие на тотемы, которые он назвал «сверхдикими». Эти работы, в том числе Hina Tefatou (Луна и Земля) (1893 г.), были не столько изображением того, что он там видел, сколько идеализированной проекцией того, что он надеялся найти.Художник вернулся во Францию в 1893 году, но, разочарованный откликом на его картины на таитянскую тематику, уехал навсегда в 1895 году и совершил свое второе путешествие на Таити.
В 1901 году он переехал на отдаленные Маркизские острова, где и умер в 1903 году.
Больше, чем любой другой крупный художник его поколения, Гоген черпал вдохновение, работая в разных техниках. Помимо живописи, он в разное время интенсивно занимался керамикой, резьбой по дереву, литографией, гравюрой на дереве, монотипией и переводным рисунком.В гравюрах на дереве, таких как Te Atua (Боги) (1893–94), он сочетал смелую выемку своих резных деревянных скульптур с ярким, вызывающим воспоминания цветом. Он использовал рисунок маслом — гибрид рисунка и гравюры, который он изобрел, — для создания больших, высококлассных композиций, таких как Tahitian Woman with Evil Spirit (ок. 1900 г.). Благодаря этим набегам на гравюру Гоген извлек выгоду из тонких абстракций печати, чтобы придать своим изображениям таинственное, сказочное качество.
Вступительное слово Старра Фигуры, куратора отдела рисунков и эстампов, 2016 г.
биографий и картин Поля Гогена в высоком разрешении.
art-Гоген.comПоль Гоген
Гоген (Gauguin) Эжен Анри Поль (06.07.1848, Париж — 05.08.1903, пос. Атуона, Маркизские острова), французский живописец. В молодости служил матросом, с 1871 — биржевым маклером в Париже. В 1870-х гг. в одиночку занялся живописью. В 1883 году бросил Биржу и полностью посвятил себя искусству, что привело Гогена к бедности, разрыву с семьей, скитаниям. В 1886 жил в Пон-Авене (Бретань), в 1887 — в Панаме и на острове Мартиника, в 1888 работал два месяца (у В.Ван Гог) в Арле, в 1889—91 — преимущественно в Ле Пульдю (Бретань). Ранние годы были связаны с импрессионизмом. В дальнейшем неприятие буржуазной цивилизации пробуждает интерес к народному творчеству с его наивным мировосприятием, искусству архаической Греции, Средневековья, Древнего Востока.
Автопортрет с палитрой
1894 92х73см
Поиски обобщенных образов таинственного смысла явлений, издавна интересующие к застылому образу жизни, который Гоген искал в Бретани и Мартинике Арле («Видение после проповеди», 1888, г.
Национальная галерея Шотландии, Эдинбург; «Желтый Христос», 1889, Галерея Олбрайт Буффало), Гоген сближает программу с символизмом и возглавляет его и группу близких ему молодых художников (т.н. Понт-авенская школа) создать новую систему живописи («синтез») с помощью обобщения и упрощения форм и линий. Отсечение и объем, свет и линейная перспектива и ритмика вытесняются сравнением отдельных плоскостей чистого цвета, полностью заполняющих форму объектов и играющих ведущую роль в создании эмоционально-психологического повреждения картины («Кафе в Арле» , 1888, Музей изобразительных искусств, Пушкин, Москва). Система живописи Гогена получила дальнейшее развитие в его работах, созданных на острове Таити (Океания).Он отправился туда в 1891 году, увлекшись творческими поисками и мечтой об идеальном обществе. Казалось Гогену, здесь, вдали от европейской цивилизации, человек живет в гармонии с щедрой тропической природой, дарующей ему свободу от борьбы за существование. В 1895 г., после непродолжительного возвращения во Францию, Гоген навсегда уезжает в Океанию (сначала на Таити, а в 1901 г.
на о. Хива-Оа). Хотя колониальная действительность не отвечает утопической мечте Гогена, он создает в своих картинах ощущение первозданного рая, полного солнца и духовно целостного, населенного людьми, живущими в гармонии с природой («Таитянская пастораль», 1893, Эрмитаж, Ленинград, «Брод» 1901 Музей изобразительных искусств.Пушкин; «И золото их тел», 1901, Музей импрессионизма, Париж). Живопись Океании словно несла в себе экзотический привкус незнакомого мира и поэтический строй полинезийской культуры и мифологии, открытые первыми европейскими живописцами. Эмоциональная насыщенность цвета, плоскостность и статичность композиции, органическое слияние декоративного и монументального начала, новизна и многозначительность образов, характерные для произведений Гогена, во многом стимулировали творческие поиски живописцев начала 20 века.Работал в области скульптуры, рисунка, керамики. В ряде литературно-критических работ он дал теоретическое обоснование своего творческого метода.
Поль Гоген — Картины, Таити и факты
Кем был Поль Гоген?
Французский художник-постимпрессионист Поль Гоген был важной фигурой в символистском художественном движении начала 1900-х годов.
Его использование смелых цветов, преувеличенных пропорций тела и резких контрастов в его картинах отличало его от современников, помогая проложить путь художественному движению примитивизма.Гоген часто искал экзотические места и проводил время, живя и рисуя на Таити.
Молодость
Знаменитый французский художник Гоген, родившийся в Париже 7 июня 1848 года, создал свой собственный уникальный стиль живописи, так же как и свой собственный жизненный путь. Известный своими смелыми цветами, упрощенными формами и сильными линиями, он не имел формального художественного образования. Вместо этого Гоген следовал своему собственному видению, отказываясь как от своей семьи, так и от художественных условностей.
Гоген родился в Париже, но его семья переехала в Перу, когда он был маленьким ребенком.Его отец-журналист умер во время путешествия в Южную Америку. В конце концов, вернувшись во Францию, Гоген отправился в море в качестве торгового флота. Он также некоторое время служил во французском флоте, а затем работал биржевым маклером.
В 1873 году он женился на датчанке по имени Метте Гад. В итоге у пары родилось пятеро детей.
Начинающий художник
Гоген начал рисовать в свободное время, но вскоре серьезно занялся своим хобби. Одна из его работ была принята на «Салон 1876 года», важную художественную выставку в Париже.Примерно в это же время Гоген познакомился с художницей Камиллой Писсарро, и его работы привлекли внимание импрессионистов. Импрессионисты были группой художников-революционеров, которые бросили вызов традиционным методам и предметам и были в значительной степени отвергнуты французским художественным истеблишментом. Гогена пригласили показать на четвертой выставке группы в 1879 году, и его работы появились среди работ Писсарро, Эдгара Дега, Клода Моне и других великих художников.
К 1883 году Гоген перестал работать биржевым маклером, чтобы полностью посвятить себя своему искусству.Он также вскоре расстался со своей женой и детьми и в конце концов уехал в Бретань, Франция. В 1888 году Гоген создал одну из самых известных своих картин «Видение проповеди».
Ярко окрашенная работа изображала библейскую историю о борьбе Иакова с ангелом. В следующем году Гоген написал «Желтого Христа», поразительное изображение распятия Иисуса.
Гоген был одним из самых ярких персонажей мира искусства. Он называл себя дикарем и утверждал, что имеет кровь инков.Увлекаясь алкоголем и кутежами, Гоген в конце концов заразился сифилисом. Он дружил с коллегой-художником Винсентом Ван Гогом. В 1888 году Гоген и Ван Гог провели вместе несколько недель в доме Ван Гога в Арле, но их совместное времяпрепровождение закончилось после того, как Ван Гог ударил Гогена бритвой во время ссоры. В том же году Гоген написал известную картину маслом «Видение после проповеди».
ПОДРОБНЕЕ: Как бурная дружба Винсента Ван Гога с Полем Гогеном заставила его отрезать себе ухо тип личной и творческой свободы.Переехав на Таити, Гоген был разочарован, обнаружив, что французские колониальные власти вестернизировали большую часть острова, поэтому он решил поселиться среди коренных народов и подальше от европейцев, живущих в столице.
Примерно в это же время Гоген заимствовал из родной культуры, а также из своей собственной, для создания новых, новаторских произведений. В «La Orana Maria» он превратил христианские образы Девы Марии и Иисуса в таитянскую мать и дитя. В это время Гоген создал много других работ, в том числе резную скульптуру под названием «Овири» — слово, происходящее от таитянского слова «дикарь», хотя, по словам Гогена, скульптурная женская фигура на самом деле была изображением богини.Известный своим пристрастием к молодым девушкам, Гоген познакомился с 13-летней таитянской девочкой, которая послужила моделью для нескольких его картин.
В 1893 году Гоген вернулся во Францию, чтобы показать некоторые из своих таитянских произведений. Реакция на его работы была неоднозначной, и ему не удалось много продать. Критики и покупатели искусства не знали, что делать с его примитивистским стилем. Вскоре Гоген вернулся во Французскую Полинезию. В это время он продолжал рисовать, создав один из своих поздних шедевров — картину на холсте «Откуда мы пришли? Что мы? Куда мы идем?» это изображение Гогеном жизненного цикла человека.
Смерть
В 1901 году Гоген переехал на более отдаленные Маркизские острова. К этому времени его здоровье ухудшалось; он перенес несколько сердечных приступов и продолжал страдать от прогрессирующего сифилиса. 3 мая 1903 года Гоген умер в одиночестве в своем изолированном доме на острове. В то время у него почти не было денег — только после его смерти искусство Гогена начало получать широкое признание, в конечном итоге оказав влияние на таких художников, как Пабло Пикассо и Анри Матисс.
Expedition Magazine — Penn Museum
Non, mille fois non, l’artiste ne nalt pas tout d’une piece.Qu’il apporte un nouveau maillon a la chaine begine, c’est déjà beaucoup. . . Les idees sont comme les reves un assemblage plus ou moins forme de Chooses ou pensees entrevues; sait-on bien d’ou elles viennent.
PAUL GAUGUIN: Racontars de rapin.
Гоген был, конечно, не первым великим европейским художником, который искал вдохновения в чужих, экзотических уголках мира.
Делакруа и несколько более мелких художников романтического поколения, например, посетили Марокко, Алжир и Ближний Восток.Однако полученная ими стимуляция вылилась просто в живописные анекдоты, безусловно, местного колорита, но новые мотивы никогда не сопровождались какими-либо стилистическими заимствованиями или техническими новшествами. Если на данный момент мы обойдем вниманием особый случай большой привлекательности японского искусства для европейских художников во второй половине прошлого века, то можно с уверенностью сказать, что Поль Гоген был первым художником, открывшим и оценившим эстетические достоинства искусства. искусство так называемых первобытных народов, которым до сих пор пренебрегали и пренебрегали, — вплоть до того, что он принял и использовал в своих работах многие из их характерных черт и рисунков.Самое раннее столкновение можно датировать 1886 годом, т. е. почти за двадцать лет до знаменитого случая, когда Матисс и Пикассо были ошеломлены видом африканской маски в мастерской Дерена, события, которое так часто совершенно ошибочно провозглашалось первой решающей встречей между Европейское и примитивное искусство.
Цель нынешней выставки в Музее университета — представить материал, подробно показывающий, как, когда и в какой степени Гоген находился под влиянием художественных традиций незападных народов.
Большинство многочисленных биографов Гогена смутно связывают происхождение его интереса к первобытному искусству на протяжении всей его жизни (если я могу использовать этот удобный термин в этой статье) с различными путешествиями и пребываниями в тропиках, которые он совершил в детстве и юности, до он занялся живописью в 1871 году. Они включали шестилетнее пребывание в Лиме, Перу, в возрасте от одного до семи лет и два путешествия в Южную Америку (и, возможно, даже вокруг света) в качестве ученика и второго помощника на различных торговых судах. , в возрасте от семнадцати до двадцати лет.Далее последовала трехлетняя военная служба в Императорском флоте Наполеона III, за этот период он познакомился с большинством портов Средиземноморья. Наконец, в 1887 году он совершил авантюрное путешествие в Панаму и Мартинику, где впервые попытался нарисовать сцены, залитые интенсивным тропическим солнечным светом.
Нет сомнения, что эти ранние зарубежные опыты во многом повлияли на Гогена — например, он часто говорит о своей «ужасной тяге к неизведанному» — и что свободная и легкая жизнь, которой он был свидетелем в тропиках, в значительной степени способствовала к его окончательному решению бежать в Южные моря от своего унылого парижского существования.Но что касается его искусства, то влияние этих лет скитаний равно нулю по той простой причине, что ни на Мартинике, ни в тех немногих южноамериканских портах, которые он посетил, не осталось местного искусства. Ближайший контакт с живым туземным искусством в эти периоды его жизни действительно произошел в нежном возрасте, когда он жил с матерью в Лиме, где до сих пор живут индейцы, работавшие в хозяйстве его прадеда или приезжавшие на городские рынки. носили домашние костюмы традиционного доиспанского покроя.Единственный известный результат этого стимула ничтожен; она состоит из вышивки в отчетливо перуанском стиле, которую Гоген помог выполнить своей жене в начале их брака, в начале 1870-х годов.
Совершенно иная ситуация в отношении перуанского и другого американского доколумбового керамического искусства, ибо здесь многочисленные заимствования Гогена очевидны и хорошо задокументированы. Начнем с того, что в юности у него постоянно была перед глазами небольшая коллекция перуанских глиняных сосудов, которые его мать привезла с собой из Лимы.Кроме того, он специально упоминает в своем Intimate Journals (так называется американское издание Avant et Apes ), что ему показали великолепную частную коллекцию таких керамических работ в Париже. Наконец, многие прекрасные образцы американской доколумбовой керамики были выставлены в музее Трокадеро, открывшемся в 1878 году.
Реакция Гогена на этот экзотический стимул была, однако, очень медленной, поскольку только в 1886 году он начал изготавливать керамические изделия в быстро обманутой надежде на получение постоянного дохода.Чтобы понять его эпохальные достижения в этой новой области, в которую он вошел со своей обычной смелостью и энергией, нужно помнить, что в его время единственной принятой нормой для керамических изделий была симметричная, цилиндрическая форма классической вазы, сформированная на гончарном круге.
Если настоящий художник изволил уделить пятое внимание керамическому искусству, он неизменно концентрировался на добавлении каких-то украшений к этой заданной, неизменной форме. В большинстве случаев он даже не снисходил до того, чтобы сам прикасаться к глине, а просто делал рисунок, который на самом деле выполнялся искусным мастером.
То, что сделал Гоген зимой 1886-1887 гг., когда с помощью окольных уговоров ему удалось получить доступ в мастерскую известного керамиста Эрнста Шапеле, было, как обычно, чем-то шокирующим и революционным. Он совершенно оставил в стороне самый необходимый инструмент ремесла, гончарный круг, которым в Европе пользовались с глубокой древности, и просто голыми руками месил большие куски глины в вазы новых, фантастических форм. Некоторые из его творений настолько радикально отошли от устоявшейся традиции, что, пожалуй, нам следует называть их полыми глиняными скульптурами.Лучшее и лаконичное изложение его процедуры содержится в малоизвестной статье во французской газете Le Soir от 25 апреля 1895 г.
: «Моя цель — преобразить вечную греческую вазу и заменить гончарный круг умными руками способен вдохнуть в него жизнь произведения искусства». Таким образом, керамические работы Гогена уникальны не только из-за его полного разрыва с ранее существовавшим, но и в самом буквальном смысле этого слова: он никогда не делал копий и не позволял механически воспроизводить свои керамические изделия для массового потребления.
Гоген охотно признался в своем долгу перед анонимными мастерами Перу и Мексики, как, например, в резком нападении на обычный мусор, представленный на Всемирной выставке в Париже: «Керамическое искусство — не праздное времяпрепровождение. В самые отдаленные периоды прошлого это искусство пользовалось большим почетом у американских индейцев. Бог также создал человека из небольшого количества глины». Возможно, стоит добавить, что его основная техника создания и формирования сосудов исключительно вручную была именно той, которую использовали американские индейцы, у которых никогда не было гончарного круга.
К несчастью для Гогена, он слишком далеко опередил свое время и в этой области, а это означало, что его достижения были полностью проигнорированы, и поэтому он с треском не смог получать регулярный доход, как он надеялся.
Однако, вероятно, не это было главной причиной, по которой он в конце концов вообще отказался от своих экспериментов с керамикой, после того как в течение трех зим подряд очень старался зарекомендовать себя как гончар. Объяснением этому является тот простой факт, что, отправившись на Таити и оставшись там, Гоген по незнанию лишил себя всех возможностей изготовления гончарных изделий, по причине полного отсутствия на этом острове подходящей глины.
Обожженная глина всегда была хрупким материалом, и тонкие, изысканные керамические изделия Гогена оказались хуже большинства других. Из 63 известных сохранившихся произведений не менее 47 принадлежат частным коллекционерам, а те немногие, что были приобретены музеями, практически все оказались в таких периферийных и запретных местах, как Копенгаген, Реюньон и частично закрытый бывший Музей Колонии в Париже.
Частных коллекционеров редко просили предоставить репрезентативное количество произведений для пяти больших ретроспективных выставок Гогена, которые проводились до сих пор.Специальной выставки его керамических работ никогда не проводилось. По этим различным причинам оригинальность и величие Гогена как керамиста впервые были реализованы в течение последних нескольких лет благодаря публикации Кристофером Греем и Мерете Бодельсен двух превосходных каталогов-резонов.
В своем тогдашнем понимании доколумбовой керамики Гоген был единственным среди современных ему европейских художников. Когда мы подходим к японской цветной печати, следующему экзотическому стимулу, ставшему доминирующей силой в его развитии, мы обнаруживаем, что его привлекательность была гораздо шире.Уже в конце 1850-х годов она воспламенила воображение нескольких французских художников, а в последующие десятилетия ввоз и продажа японских предметов искусства росли так быстро, что можно определенно говорить об общепринятой моде.
Из первоклассных художников по крайней мере Мане, Писсарро, Дега, Моне и Ван Гог, которых Гоген хорошо знал, тщательно изучали и во многих случаях перенимали технику японских гравюр укиё-э . Гоген разделял этот общий интерес ко всему японскому почти с самого начала своей карьеры художника и продемонстрировал его в визуальной манере уже в 1885 году, нарисовав натюрморт с японской марионеткой и несколькими веерами.Однако здесь мы имеем лишь механическую сборку предметов японского искусства; и стилистически эта малоизвестная картина, принадлежащая французскому частному коллекционеру, до сих пор выполнена в импрессионистской манере, которой придерживался Гоген в течение первых пятнадцати лет своего творчества. То же самое относится и ко многим пастелям в виде японских вееров, которые он сделал в эти годы.
Затем летом 1888 года в творческом развитии Гогена произошел внезапный перерыв, когда он в быстрой последовательности создал целую серию произведений в совершенно новом стиле, сразу же окрещенном «синтетическим» из-за сильного стремления упростить и свести все к своему.
наиболее важные формы.Нет никаких сомнений в том, что некоторыми из его источников вдохновения должны были быть средневековые церковные окна и гравюры Эпиналя, и что молодой художник Эмиль Бернар передал Гогену большую часть своего безграничного энтузиазма по поводу этих моделей. Но их значение постоянно сильно переоценивалось, в то время как еще более сильное японское влияние до сих пор недооценивается или игнорируется, несмотря на хорошо документированный и проницательный тезис Ивонн Тирион, выдержки из которого были опубликованы в 1956 году. Сам Гоген также признал свой долг прямо перед начало с описания в письме первой картины, нарисованной в этой новой серии, изображающей борцовскую схватку между двумя обнаженными мальчишками, как «совершенно японскую, дикарем из Перу».Эта ссылка на его перуанское происхождение и ссылки очень естественны и уместны, если мы вспомним, что он провел две предыдущие зимы, создавая керамические изделия настолько изысканные и в высшей степени оригинальные, что они не могли быть проданы.
Апофеозом этого нового стилистического приключения, длившегося менее полугода, конечно же, стал знаменитый Vision apres le sermon , в котором присутствуют почти все типично японские черты укиё-э : плоские участки немодулированного цвета, упрощенные формы, произвольная перспектива, высокий ракурс, асимметричная композиция, декоративная проработка, концепция живописи как символа.Хотя стиль Гогена продолжал меняться и развиваться, его восхищение японским искусством продолжало проявляться во включении множества цветных гравюр в переносной музей репродукций, который он взял с собой в Южные моря; и типичные укиё-э стилистические приемы повторяются в его картинах с частыми интервалами вплоть до его смерти в 1903 году.
Третью группу неевропейских культур, увлекавших Гогена примерно в то же время, в конце 1880-х годов, он обычно называл «восточными».Однако, когда он время от времени пытается объяснить, что он на самом деле имел в виду под этим довольно расплывчатым термином, он конкретно упоминает только Египет, Персию и Камбоджу.
Поскольку он никогда не был ни в одной из этих стран, он, должно быть, видел высоко ценимые образцы «восточного искусства», о которых он так часто упоминает, в музейных коллекциях Парижа или просто в качестве фотографий или иллюстраций в книгах и журналах. Возможности точного определения того, что Гоген видел или читал, к сожалению, очень малы, но недавние исследования Мерете Бодельсен, например, показали, что он, должно быть, наткнулся на репродукции фризов яванского храма в Боробудуре, которые произвели на него такое сильное впечатление еще во времена зимой 1886-87 гг.С другой стороны, мы точно знаем из различных упоминаний в его письмах и сочинениях, что он искал и находил вдохновение для многих своих картин в трех определенных местах Парижа.
Первым был, конечно же, Лувр, располагавший, среди прочего, прекрасной коллекцией египетских и персидских (ассирийских) скульптур и барельефов. Гоген выражает свое восхищение некоторыми из львов Асшурбанипала в следующих показательных выражениях: «Я утверждаю, что потребовался великий гений, чтобы придумать цветы, которые на самом деле являются мускулами этих животных, или, наоборот, мускулами, которые являются цветами.
Вот вам и весь таинственный Восток».
Кроме того, в Музее Гиме, открывшемся для широкой публики в начале 1888 года, имелись представительные коллекции египетских и дальневосточных древностей. Тот факт, что этот музей был организован таким образом, чтобы дать панораму нехристианских религий только сделало это более интересным для Гогена, чей друг, художник Серюзье, уже объяснял буддийскую философию и изо всех сил пытался обратить его в теософскую веру.
И последнее, но не менее важное: Всемирная выставка в Париже в 1889 году предоставила Гогену прекрасную возможность увидеть широкий спектр восточной архитектуры, скульптуры и других произведений искусства. Франция тогда недавно завоевала несколько небольших королевств в Юго-Восточной Азии, которые были объединены в новое владение с искусственным названием Индокитай — нынешний Вьетнам, — и это ценное дополнение к быстро расширяющейся французской колониальной империи было должным образом отмечено возведением нескольких храмы из Аннама, Тонкина и Кохинхины на выставочной площадке Дома инвалидов.
Была также любопытная «составная» копия, составленная из «типичных» частей знаменитого храма Ангкор-Ват в Камбодже и нескольких вьетнамских деревень, театров и ресторанов. Гоген провел много дней, бродя по колониальной части, где он также мог изучать целые деревни из Африки, Океании и Явы, населенные подлинными, но, конечно же, хорошо обученными и хорошо воспитанными дикарями.
Составить подробный список всех прямых заимствований Гогена из «восточного» искусства, которое он видел в Лувре, Музее Гиме и в колониальном разделе Всемирной выставки, было бы почти невыполнимой задачей — и вряд ли стоит пытаться.Ибо влияние этих новых открытий на Гогена не ограничивается копированием и включением в его картины той или иной фигуры или рисунка, но выражается, прежде всего, в переформулировке всей его художественной программы, отныне основанной на том, что он с полным основанием считал быть существенными, общими качествами этих различных форм «восточного» искусства, т. е. их статическим, декоративным, «синтетическим» и символическим характером.
Сходство этой программы со стилистическим идеалом укиё-э арт поразительно, и уж точно не случайно именно в этот период его пожизненное восхищение японскими гравюрами начало приносить плоды.
Для художника, столь увлеченного неевропейским искусством, как Гоген, было лишь вопросом времени, когда он начнет прилагать серьезные усилия для более тщательного изучения его, у его истоков, живя среди одного из народов, создавших его. . Кроме того, у него была и другая, более прозаическая причина желания покинуть Европу около 1890 года: он все еще голодал и считал, что жизнь в тропиках дешевле и проще. Его первым выбором, вполне естественно, был французский Индокитай. Он ожидал найти там «весь Восток и его философию, как она запечатлена в его искусстве.Что касается финансовой стороны его проекта, то Гоген, по-видимому, считал само собой разумеющимся, что новые французские колониальные власти с радостью наняли бы его администратором или инспектором на отдаленном посту в джунглях в Тонкине, «где я могу работать над своей картиной и экономить деньги».
».
К сожалению, бюрократы Колониального департамента не поняли, какой замечательный имперский строитель таится в этом неизвестном художнике-синтетике, и, к великому негодованию Гогена, в конце концов отклонили его заявку.Его следующим выбором был Мадагаскар. Мотивация была та же, ибо в письме он говорит о многих экзотических расах и религиях, богатых мистикой и символикой, которые он хотел изучать там. Финансовые проблемы могли быть решены так же легко, хотя и совершенно по-другому. Он оптимистично утверждал, что, собрав небольшую группу художников, готовых работать вместе, возделывать землю и держать пару коров, можно будет жить совсем без денег. Единственным коллегой-живописцем, немедленно принявшим приглашение Гогена, был Эмиль Бернар, который нашел план великолепным, за исключением одного.Он только что прочитал сентиментальный бестселлер «Управление Лоти » и теперь был твердо убежден, что еще более отдаленный полинезийский остров Таити в южной части Тихого океана предлагает еще большие преимущества как с художественной, так и с экономической точки зрения.
Зная о Таити так же мало, как и о Мадагаскаре, Гоген быстро сдался, после чего Бернар бросил учебу.
Насколько сильно и искренне он верил в народный миф, восходящий к временам Руссо и изображающий Таити как земной рай, лучше всего видно из следующего краткого изложения его личного положения и художественных целей, которое он дал в интервью газете «Эхо». de Paris, , 23 февраля 1891 года, за несколько месяцев до его отъезда: «Причина, по которой я уезжаю, заключается в том, что я хочу жить в мире и избежать влияния нашей цивилизации.Я только хочу создать простое искусство. Для этого мне необходимо погрузиться в девственную природу, не видеть никого, кроме дикарей, разделять их жизнь и иметь единственное занятие, как дети, изображать образы собственного мозга. , используя исключительно средства, предлагаемые первобытным искусством, которые являются единственно верными и действительными».
Живописным эквивалентом этой очаровательной программы была картина обнаженной Евы в тропическом пейзаже, выполненная во Франции перед его отъездом, о которой Анри Дорра писал: «Ева олицетворяет в первую очередь поиски художника примитивного.
Гоген, чья социальная философия во многом обязана Жан-Жаку Руссо, часто противопоставляет в своих произведениях порочную цивилизацию Запада первозданному блаженству человека. И, ища вдохновения в типах, религии, символизме, мистике первобытных народов, он искал следы далекого и славного прошлого, общего для всего человечества. Что может быть лучшим символом этой мечты о золотом веке, чем крепкая и плодородная мать всех рас?»
Для такого искателя рая, как Гоген, должно быть, было ужасным разочарованием обнаружить, что маленькая столица Папеэте, куда он высадился 9 июня 1891 года, представляла собой уродливый трущобный городок, состоящий в основном из китайских лавок и таверн.Что касается обнаженных Ев и благородных дикарей, которых он проделал через полмира, чтобы изучать и рисовать, то все туземные женщины в поле зрения были чинно одеты в широкие, до щиколотки, так называемые платья Матери Хаббард, которые полностью скрывали их фигуры. Городская одежда мужчин была еще более цивилизованной и нелепой, так как состояла из похожего на юбку куска хлопка, белой рубашки и желтой соломенной шляпы.
Гоген быстро бежал в район Матеи на другой стороне острова — только для того, чтобы обнаружить, что даже там очень мало осталось от местной культуры.То, что таитянам удалось сохранить, это главным образом их язык, традиционное натуральное хозяйство и социальная организация, ориентированная на семью, в то время как аспекты, которые больше всего интересовали Гогена, художественно вылепленная утварь и украшенные ткани из коры, давно были заменены импортированными. изделия европейского производства. Что касается множества скульптур из дерева и камня, существовавших на Таити в доевропейские времена, то все они имели религиозный характер и назначение. Неизбежно, когда исчезла старая «языческая» религия и ее последователи, вымерло и это искусство.
При таких обстоятельствах вполне естественно, что первые картины, написанные Гогеном в Матайе, не имели символического значения и не содержали новых стилистических новшеств, а представляли собой портреты и простые сцены повседневной жизни туземцев.
И все же, по крайней мере, в одном отношении таитяне удовлетворили его эстетические требования, поскольку одна из его любимых заповедей (навеянная изучением «восточного» искусства) гласит: «Пусть все, что вы делаете, несет на себе отпечаток покоя и спокойствия. Поэтому избегайте активных поз.Каждая фигура должна быть статична». На Таити Гоген впервые нашел людей, которые своим образом жизни и манерами воплотили этот идеал, ибо действительно таитяне обладают удивительной способностью часами сидеть неподвижно. Хотя многие позы на картинах Гогена «Южное море» кажутся по нашим меркам надуманными, на самом деле они очень реалистичны.
Главная художественная цель Гогена, однако, не была чисто стилистической, формальной, как у Сезанна, Сера или Ван Гога. Напротив, он был очень озабочен смыслом и символикой и постоянно пытался выразить образы своего внутреннего разума.Или как он сам сформулировал свое художественное кредо: «Не пишите слишком много с натуры. Искусство — это абстракция.
Ищите его в природе, мечтая в его присутствии, и прежде всего сосредоточьте свои мысли больше на творческом процессе, чем на конечном результате, который последует».
Несмотря на свою возбуждающую новизну, реальный мир поэтому не мог удерживать его внимание сколько-нибудь долго, и до конца 1891 года он отвернулся от него и создал воображаемую картину на мифологическую тему, знаменитую la orana. Мария (Радуйся, Мария).Ввиду большой степени европеизации и христианизации таитян, совершенно неудивительно, что сюжет библейский: Дева Мария с младенцем Иисусом, в сопровождении двух женщин и ангела. По всей вероятности, идея этой картины пришла ему в голову, когда он посетил близлежащую католическую церковь и услышал таитянский вариант молитвы «Аве Мария». Все фигуры имеют таитянские черты, и все же его наиболее важными моделями были фигуры на фотографии каменных фризов в яванском храме в Боробудуре, которую он взял с собой на Таити.В другой известной картине 1892 года, Ta matete, , источником вдохновения является египтянин.
Затем, в марте 1892 года, Гоген, наконец, был посвящен в таинства древней таитянской религии. Это произошло весьма прозаично, когда в Папеэте были обнаружены два научных труда, написанных за полвека до этого местным купцом Жаком Антуаном Меренхаутом и французским морским офицером Эдмоном де Бовисом соответственно. Оба получили информацию от последних выживших местных священников.Гоген проглотил эти два этюда с возрастающим энтузиазмом и восторженно воскликнул в письме к Серюзье: «Что это была за религия, эта старая религия Южных морей. Как чудесно. Мой мозг горит, и идеи, которые все это рождает, наверняка напугают публику. Что скажут о моих новых все те, кого пугали мои прежние работы?»
Неудивительно, что Гоген был особенно очарован рассказом двух авторов об обществе arioi , своего рода религиозном ордене на службе бога Оро, состоящем из мужчин и женщин, которые более полно, чем любая другая известная человеческая группа, осознали идеал свободной любви.Первой картиной, которую Гоген написал после своего внезапного обращения в давно исчезнувшую таитянскую религию, была великолепная обнаженная Te a’a no areois, изображающая земную жену Оро Вайраумати.
Всего в течение следующих двенадцати месяцев Гоген написал двадцать картин и сделал около дюжины резных фигурок по дереву, вдохновленных этими двумя литературными источниками, наиболее известными из которых были « Arearea, Hina maruru», и Hina Tefatou. Поскольку в исследованиях Меренхаута и Бовиса не было ни иллюстраций, ни описаний древних идолов и культовых атрибутов, на которые мог бы опереться Гоген, ему приходилось в каждом случае полагаться на собственное превосходное воображение — и на обычные модели из «восточных» источников.Из них прототип часто встречающейся обнаженной богини с развевающимися руками и узкой талией можно найти во фризах Боробудур, тогда как многочисленные колоссальные сидящие идолы, столь любимые Гогеном, более всего напоминают Будду или восседающего на троне египетского фараона. Следует также подчеркнуть, что эти «статуи» стали постоянными компонентами изобразительного алфавита Гогена, поскольку они часто вновь появляются в его картинах, как, например, в монументальном D’ou – венозный нос? от 1897 года.
Вполне понятно, что Гоген вскоре разочаровался в той полумертвой, опустошенной туземной культуре с сумасшедшими западными примесями, которую он нашел на Таити, и начал искать в другом месте нетронутый, первобытный рай, о котором мечтал. Увидев в доме командующего французской жандармерией в Папеэте огромную коллекцию маркизских мисок и оружия, искусно украшенных замысловатыми геометрическими узорами, он захотел немедленно посетить диких каннибалов в 700 морских милях. далекие острова, создавшие эти шедевры.Однако слабое здоровье и финансы Гогена помешали этому плану. Когда в 1895 году Европа отвергла его и он навсегда отвернулся от ее «коррумпированной, буржуазной цивилизации», его первой мыслью было отправиться прямо с Таити на Маркизские острова. Но новая, длинная череда трудностей и личных трагедий задержала его отъезд до 1901 (!), когда, наконец, свершилось долгожданное чудо. Молодой парижский арт-дилер по имени Амбруаз Воллар осмелился подписать контракт с Гогеном, обеспечив ему регулярный доход, достаточный для жизни без лишних забот.
Гоген снова слишком поздно прибыл в свой рай. Единственная разница заключалась в том, что теперь у него было еще больше причин для сожалений, чем десятью годами ранее, когда он поселился на Таити, в своем первом раю в Южном море. Маркизцы быстро исчезали, опустошенные туберкулезом, проказой и венерическими заболеваниями, и никто из апатичных выживших представителей этой некогда великолепной расы не заботился о продолжении художественных традиций резьбы по дереву и камню своих предков. Что касается татуировки, искусства, в котором маркизцы были непревзойденными мастерами в доевропейские времена, эта практика была полностью запрещена католическими миссионерами.Лишь в редких случаях можно было найти образцы потерянных ремесел то тут, то там в старых хижинах в отдаленных долинах. С большой горечью Гоген заметил: «В Европе, кажется, никто не подозревает, что и маори Новой Зеландии, и маркизцы когда-то обладали высокоразвитым декоративным искусством. Наши знающие искусствоведы ошибаются, когда думают, что это (грубое) папуасское искусство.
В частности, жители Маркизских островов обладают невероятно острым декоративным чувством. Дайте им предмет любой геометрической формы, и они гармонично покроют его узорами, не оставив несогласованных, возмутительно пустых пространств.Основой является человеческое тело или лицо. Прежде всего лицо. Часто бывает удивительно обнаружить человеческое лицо там, где сначала казалось, что существует только странный геометрический узор. Хотя эти конструкции постоянно повторяются, они никогда не бывают идентичными. Даже если кто-то готов заплатить высокую цену, больше невозможно найти какие-либо из тех великолепных предметов из кости, черепашьего панциря или железного дерева, которые туземцы делали в старые времена. Жандармы украли и продали их коллекционерам.Однако колониальным властям никогда не приходило в голову построить на Таити музей искусства Южных морей — проект, который легко мог быть реализован. Все эти люди, которые притворяются такими культурными, не имеют ни малейшего представления о том, что на Маркизских островах существуют настоящие художники».
По причинам, которые так хорошо объясняет здесь сам Гоген, он мог бы, по иронии судьбы, с одинаковой легкостью создать двадцать картин, написанных им за последние два года своей жизни, не переезжая с Таити на Маркизские острова, поскольку там не было новые открытия на художественном уровне.К двум последним трагедиям, наиболее часто упоминаемым его биографами, то есть полному отсутствию медицинских учреждений на Маркизских островах и его изнурительной борьбе с глупым и злобным жандармом, мы можем, к несчастью, добавить третью и еще большую трагедию. В том-то и была его беда, что он так и не смог осуществить свою давнюю мечту жить и работать среди первобытных людей с действующей культурой и цветущим искусством.
картин и биографий Поля Гогена
Добро пожаловать в галерею Гогена — главный источник информации о жизни и творчестве Поля Гогена .На этом сайте подробно рассказывается о жизни Гогена и его влиянии на мир искусства.
Гоген был наиболее известен созданием картин и рисовал в самых разных стилях, включая импрессионизм и примитивизм. Некоторые из его самых известных картин включают его «Видение после проповеди» «Откуда мы пришли?» Кто мы? Куда мы идем?, Желтый Христос, Зеленый Христос и его автопортреты. Однако стоит отметить, что он также занимался резьбой по дереву и гравюрами.
Как художник Гоген прошел много разных этапов и искал вдохновения по всему миру.В Париже он подружился и выступал с импрессионистами, рисуя пейзажи и натюрморты густыми мазками и мягкими красками. Находясь во Франции, он подружился с такими известными деятелями искусства, как Камиль Писсарро, Поль Сезанн, Эмиль Бернар и Винсент Ван Гог. Гоген и Ван Гог, как известно, жили и рисовали вместе в Арле, Франция. В течение девяти недель вместе они написали одни из самых важных произведений в истории искусства.
Прочтите обзор биографии Гогена или изучите расширенную биографию, состоящую из трех частей.
Первая часть биографии Гогена посвящена 90 230 Гогену 90 231, прежде чем он стал серьезным или известным художником. Второй раздел биографии Гогена посвящен жизни Гогена, когда он развивал свой новый стиль. В последнем разделе биографии Гогена Гоген достигает своего зрелого художественного стиля и проживает свою жизнь во Французской Полинезии.
Гоген побывал на Карибах и заинтересовался искусством за пределами Парижа, Африки, Японии и народным искусством островных культур.Живя на Таити, он вступил в наиболее продуктивную фазу своей карьеры, найдя стиль и создав картины, которыми его запомнили. Он рисовал местных жителей в преувеличенных пропорциях плоскими красками и смелыми очертаниями. В этом стиле, примитивизме, он нашел свою нишу. Более поздние художники, такие как Пабло Пикассо и Анри Матисс, находились под непосредственным влиянием этих картин, и это можно увидеть в их работах.
Начните здесь, чтобы начать знакомство со знаменитыми произведениями Поля Гогена.
Leave a Comment