Картина кривое лицо: 8 научных объяснений, почему мы плохо получаемся на фото

16.08.2021 Facebook Twitter LinkedIn Google+ Разное

Содержание

8 научных объяснений, почему мы плохо получаемся на фото

Нам часто не нравится, как мы выглядим на фотографиях. Всегда ли это связано с дилетантством фотографа, плохим освещением или нефотогеничностью модели? «Афиша Daily» разобралась в этом феномене с помощью науки.

Мы привыкли видеть себя в зеркале, а не на фото

Известный портретный фотограф Ким Эйрс в своей колонке в прошлом году писал, что около 90% фотографируемых не устраивает, как они выглядят на снимках, — и большинство считают себя нефотогеничными. Статистика впечатляющая! Чтобы понять, в чем же дело, Ким провел эксперимент: он сделал обычные и зеркально отраженные фото людей, а затем предложил выбрать понравившуюся фотографию. Большинство участников эксперимента предпочли зеркально отраженную.

Факт объясняется просто: в своей жизни мы видим себя преимущественно в зеркале, а камера фиксирует наше реальное изображение — то, как нас видят окружающие. За счет того, что наши лица несимметричны, лицо в зеркале и на фотографии для нас самих — это два разных лица. Держа в руках свою фотографию и ее зеркальное отражение, нам самим кажется симпатичнее (или попросту привычнее) второе изображение. В то же время окружающие скорее выберут обычное фото. Чаще всего этот эффект мы можем заметить во время обсуждения групповой фотографии: каждому из участников будет казаться, что все на фотографии получились хорошо, кроме него.

Компания True Mirror разработала и выпустила на рынок зеркало, показывающее истинное изображение. Однако, как утверждают его создатели, лишь 10% людей предпочитают свой настоящий образ тому, что они видят в обычном зеркале.

«Каждый день — начиная с самого детства — мы смотрим в зеркало. Мы чистим зубы, бреемся, делаем макияж. Со временем мы привыкаем к изображению в зеркале, а привычка порождает симпатию.

Именно поэтому нам больше нравится наше изображение в зеркале, чем фото», — говорит Памела Рутледж, директор Центра изучения медиапсихологии.

Эксперимент Эйрса ранее уже проводился учеными из Висконсинского университета в Мадисоне в 1977 году. Тогда участники исследования выбирали зеркальное отражение своей фотографии в качестве наиболее симпатичного, в то время как близкие люди выбирали реальное изображение. Когда участников попросили объяснить свой выбор, они в качестве причин называли ракурс, свет, наклон головы и т. д., хотя обе фотографии были сделаны с одного и того же негатива.

Так что если вы так не уверены в своем портрете и хотите это исправить, попробуйте просто его отзеркалить в любом фоторедакторе или хотя бы с помощью этого примитивного онлайн-сервиса.

Нам кажется, что мы выглядим красивее, чем есть в реальности

Adobe активно внедряет технологии искусственного интеллекта и машинного обучения для улучшения селфи. В ролике показывается, как мужчина снимает не самые удачные портреты, а затем улучшает их с помощью новой функции.

Николас Эпли, поведенческий психолог из Чикаго, говорит, что мы не знаем, как мы выглядим: «Образ в нашем сознании действительно не соответствует тому, какие мы на самом деле». Свое утверждение Эпли сумел доказать в рамках эксперимента, опубликованного в 2008 году в журнале Personality and Social Psychology Bulletin. Ученые сделали несколько фотографий респондентов, изменив их привлекательность в фотошопе с шагом в 10%, опираясь на снимки общепризнанно красивых людей. Далее участникам исследования необходимо было выбрать из нескольких изображений свою реальную фотографию. Большинство участников останавливали свой выбор на фотографии, которая на 20% более привлекательная, чем реальное изображение.

При этом, когда необходимо было выбрать фотографии исследователей, устраивающих эксперимент, участники были более объективны.

Наше реальное изображение искажает оптика

Дэниел Бейкер наглядно показал оптическое искажение на разных объективах

Камера тоже способна искажать изображение: во-первых, оно преобразуется через сложную оптическую систему объектива, а во-вторых, разное фокусное расстояние объектива по-разному отражает наше лицо. Каждый фотограф знаком с понятием «перспективное искажение» — чем ближе снимаемый объект к камере и чем меньше фокусное расстояние, тем больше отличаются в размерах объекты, находящиеся на разном расстоянии от камеры, то есть близко расположенные объекты будут визуально искажаться и увеличиваться по сравнению с удаленными. Все это, как правило, ведет к изменению пропорций лица. Преподаватель психологии Йоркского университета Дэниел Бейкер объясняет этот эффект у себя в блоге на примере селфи: элементы лица, которые находятся ближе к камере, выглядят крупнее, искажая общую картину.

Очевидно, что при коротких фокусных расстояниях лицо кажется шире, поэтому чем дальше камера находится от вашего лица, тем естественнее оно выглядит.

Памела Рутледж считает, что на самом деле никакого секрета, как сделать идеальное селфи, нет, кроме как делать больше снимков. «Люди, которые делают много селфи, в конечном итоге чувствуют себя намного комфортнее, когда видят свои фотографии», — говорит она. Постарайтесь привыкнуть к своему изображению на фотографиях так же, как вы привыкли к изображению в зеркале, и тогда все встанет на свои места.

И еще 6 научных советов, как сделать селфи лучше

Повернитесь к камере левой стороной лица

Ученые смогли установить, что левая часть лица более привлекательна, чем правая. Авторы исследования, опубликованного в журнале Experimental Brain Research, провели опрос студентов Университета Уэйк-Форест, предложив выбрать наиболее привлекательные фото мужчин и женщин. В итоге женские портреты с левой половиной лица оказались привлекательны в 78% случаев, а мужские портреты с левой половиной лица в 56% случаев. Среди них были как реальные изображения, так и зеркальные отражения лиц.

При этом психологи говорят, что левая сторона лица больше связана с эмоциями, а правая отражает такие качества, как уверенность в себе и лидерство. Так что для тиндера точно лучше загрузить фото с левой стороной лица, а для сайта вакансий — с правой.

Откройте глаза пошире

Открытые глаза и большие зрачки — еще один секрет привлекательности на фотографиях. Голландские ученые установили, что величина зрачка напрямую связана с доверием к человеку. Они показали участникам эксперимента несколько видеороликов с людьми в главной роли: в некоторых роликах исследователи увеличили размер зрачков главных героев, а участники исследования отметили, что таким героям они верят охотнее.

Глаза могут реагировать на яркое освещение или вспышку и не дать эффекта крупных зрачков. Поэтому постарайтесь привыкнуть к освещению или сделать несколько тестовых фото со вспышкой.

Смотрите прямо в камеру

Вы наверняка попадали в ситуацию, когда фотограф направлял ваш взгляд в сторону от камеры. Но такие приемы не всегда хороши. Исследователи из Великобритании и Австралии обнаружили, что прямой взгляд в камеру более привлекателен для зрителя.

Авторы исследования отобрали портретные фотографии и показали их респондентам. В итоге участникам опроса больше приглянулись те персонажи, которых смотрели прямо в камеру. Ученые связывают прямой взгляд с желанием войти в контакт со зрителем. Если вы хотите выглядеть более привлекательно на портрете, возьмите это на заметку.

Немного алкоголя может пойти на пользу

Ученые из Бристольского университета провели эксперимент, который доказал, что умеренная доза алкоголя в крови делает человека более привлекательным на фото.

Они сфотографировали участников три раза: в трезвом состоянии, после одного напитка и после большой дозы алкоголя. Серии фотографий показали группе респондентов, которые никогда ранее не видели участников исследования. Самыми привлекательными были признаны фото, сделанные после небольшой дозы алкоголя.

Ученые объясняют этот любопытный факт тем, что под действием алкоголя люди, как правило, становятся более расслабленными, а изменение артериального давления делает лицо слегка румяным.

Однако не переусердствуйте. Другое исследование говорит, что трезвые люди выглядят умнее, чем под действием алкоголя.

Улыбайтесь слегка

Впечатление о человеке складывается в первые миллисекунды, когда мы видим его лицо. При этом исследование показывает, что небольшая улыбка на нем способна вызывать наше доверие. Посмотрите на три типа лица: третий из них, у которого слегка приподняты уголки рта и немного удивленные брови, согласно опросам, кажется более надежным, чем хмурый и индифферентный.

Другое исследование подтверждает, что улыбающийся человек даже выглядит умнее. Странное открытие состоит в том, что наблюдатель предсказывает интеллект мужчины по его внешности (среди женщин таких корреляций почему-то нет). Лица, которые воспринимаются умными, чаще всего более удлиненные и имеют большое расстояние между глаз, крупный нос, слегка приподнятые уголки рта, заостренный подбородок. Конечно, форму подбородка и величину носа вряд ли можно подделать без хирургических вмешательств, а в том, чтобы изобразить улыбку на фото, проблем нет. Но, разумеется, это субъективное восприятие, и реальной связи между интеллектом и формой лица не существует.

Но не переусердствуйте с улыбкой

Но также наука говорит нам, что если мужчина хочет понравиться женщине, то улыбаться ему не стоит. Американские исследователи сделали серию снимков мужчин и женщин, выражающих различные эмоции, и попросили добровольцев оценить привлекательность каждой фотографии. В итоге мужчины отмечали, что самыми привлекательными казались фото женщин, выражающих счастье, в то время как та же самая эмоция на фотографиях мужчин была совершенно непривлекательна для женщин. Женщины посчитали привлекательными фотографии, выражающие другие эмоции — жалость и гордость.

20 самых странных картин в мировой живописи

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939.

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка.

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник: adme.

Рембрандт под спектроскопом | Colta.ru

В этом году многие музеи открывают выставки, приуроченные к 350-летию со дня смерти Рембрандта Харменса ван Рейна. Первая из них — самая масштабная в истории экспозиция его работ: сотрудники амстердамского Рейксмузеума впервые выставили все картины мастера из своей обширной коллекции. После там же пройдут еще две выставки его работ, и до конца этого года посвященные Рембрандту экспозиции покажут в доме художника в Амстердаме, Городском архиве Амстердама, музее Маурицхёйс в Гааге, Лувре в Абу-Даби, Городском музее Де Лакенхал в Лейдене и Далвичской картинной галерее в Лондоне.

«У каждого поколения есть свой Рембрандт, — говорит Грегор Дж. М. Вебер, который возглавляет отдел изобразительного и декоративного искусства в Рейксмузеуме. — Восемьдесят лет назад люди видели в нем одинокого человека, достигшего высшей точки в искусстве. Теперь мы относимся к нему как к бунтарю, который всегда придумывал себя заново и постоянно менял свой образ действий. Он боролся и сражался с собой и со стандартами своего времени». Рембрандт был новатором в области светотени: с помощью освещения он моделировал не только объем и форму, но и образность и эмоциональность своих картин. Благодаря экспериментам с живописной техникой он остается учителем и эталоном для современных художников. И предметом интереса ученых, которые десятилетиями пытаются разгадать секрет его маэстрии и находят спрятанные под краской полотна, тайные ингредиенты его пигментов и оптические трюки.

Через две недели после открытия выставки «Весь Рембрандт» в Рейксмузеуме представили результат совместной работы местных историков искусства и специалистов в области искусственного интеллекта из Университета Карнеги—Меллона. По автопортретам и письмам художника ученые воссоздали его речь и озвучили ею шесть уроков рисования. Теперь голос мастера звучит сквозь века в прямом смысле этого слова.

«Подделки, мистификации и поиски подлинников» — статья, опубликованная в газете The New York Times от 1 декабря 1985 года© The New York Times
Проблема атрибуции

Востребованность картин Рембрандта на арт-рынке подтверждается количеством продаваемых работ: в XIX веке их число насчитывало более тысячи и со временем только увеличивалось. Главной задачей искусствоведов, изучающих творчество художника, стало определение подлинности его произведений. Именно этой цели послужил основанный в 1968 году масштабный исследовательский проект «Рембрандт», который профинансировала Нидерландская организация по научным исследованиям.

На пике популярности живописец получал огромное количество заказов и справлялся с объемом работы с помощью учеников своей мастерской. Они не только занимались делами подмастерьев — растирали пигменты, резали холсты и натягивали их на подрамники, — но и писали под руководством художника и делали копии его картин. Их работам приписывалось авторство Рембрандта, и в течение столетий они продавались под его именем. Неудивительно, что вердикт ученых относительно этих работ вызвал бурную критику со стороны музейщиков: теперь вместо тысяч полотен голландского мастера они располагали лишь 600.

Исследователи авторства живописи Рембрандта использовали рентгеновские лучи, чтобы проследить все этапы воплощения произведения от задумки до завершения — как менялась композиция и как выглядел каждый из слоев. С помощью этой технологии можно увидеть, сколько исправлений вносил художник, и отличить оригинал от копии. Участники проекта обращались также к специалистам в области дендрохронологии, чтобы по годичным кольцам установить дату вырубки дерева, из которого была изготовлена основа картины. Однако таким образом можно было, скорее, узнать, были ли работы сделаны в мастерской живописца, чем являются ли они произведениями мастера: художник и его ученики использовали древесные панели и одинаковым образом наносили на холст монохромные слои перед покраской. Более того, на полотнах учеников Рембрандт ставил свою подпись. Поэтому исследователи также изучали всю существующую архивную документацию картин, их стилевые особенности и анализировали образцы краски.

Искусствоведы этого проекта опубликовали шеститомный каталог картин Рембрандта. С каждым новым изданием общее количество приписываемых мастеру работ сокращалось, и в заключительной книге, написанной в 2014 году главным идеологом проекта Эрнстом ван де Ветерингом, оно составляло всего 236 полотен. В 1986 году, когда был опубликован второй том каталога, по улицам стран Европы прошли демонстрации против продолжения исследований. Люди возмущались тем, как властно ученые распоряжаются наследием музейных и частных коллекций; авторы газетных публикаций сокрушались над колоссальной потерей рембрандтовского достояния.

Вверху слева: Портрет старой женщины. Неизвестный художник. Дерево, масло © Лейденская коллекция, Нью-Йорк. Справа: Портрет пожилой женщины (гравюра B353). Неизвестный художник. Офорт, бумага © A Corpus of Rembrandt Paintings: Volume I. 1629—1631, 1982. Внизу: Портрет матери (гравюры B352 и B354). Рембрандт Харменс ван Рейн. 1628. Офорт, бумага © Рейксмузеум, Амстердам© A Corpus of Rembrandt Paintings: Volume I. 1629—1631, 1982

Нередко исследователям удавалось лишь исключить авторство Рембрандта, но не установить подлинного создателя картины. Долгое время искусствоведы считали, что «Портрет старой женщины» основан на гравюрах Рембрандта B352 и B354. Однако ученые установили, что он куда более напоминает офорт B353, принадлежащий неизвестному автору. Исследователи решили, что композиция портрета недостаточно сложна, а организация послужившего основой офорта существенно отличается от похожих гравюр великого голландца. На полотне присутствуют посторонние цветные пятна — например, на раскрашенном веке, — и слишком много бороздок, которые портят форму. Матовый серый фон, нехарактерный для мастерской Рембрандта, грубое исполнение и использование размытой светло-черной краски дали ученым повод приписать картину художнику, который даже не состоял в окружении мастера, но пытался рисовать в его стиле. Тот же вердикт — работа выполнена чересчур резкими эмоциональными мазками, непохожими на творчество Рембрандта, — вынесли картинам «Портрет молодого человека с кружевным воротником», «Мужчина в золотом шлеме» и «Святое семейство с ангелами».

Святое семейство с ангелами. Приписывается Рембрандту. 1645. Холст, масло© Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Большую часть художественного наследия Рембрандта составляют его автопортреты. Но в их названиях кроется ошибка: 20 из 90 картин принадлежат авторству учеников. В основном это касается портретов, написанных после «Ночного дозора». Дело в том, что до его создания Рембрандт заказывал аппретированные — пропитанные крахмалом или смолой — холсты. Во время же работы над изображением стрелковой роты он стал самостоятельно смешивать грунт из песка и глины, и впоследствии его полотна можно было отличить именно по наличию кварца в грунтовке. Это выяснил уже во время единоличной работы над 4-м, 5-м и 6-м томами каталога Эрнст ван де Ветеринг, после чего вернул в ряд произведений Рембрандта отклоненный в 1982 году «Автопортрет в плоской шляпе». Наметилась новая тенденция в атрибуции его картин: все чаще авторство мастера стало приписываться ранее неизвестным или неподписанным полотнам, как это было с «Портретом пастора Свальмиуса», который обозначали ранее как работу его ученика Говерта Флинка, и со «Стариком в тюрбане», который приписывали Яну Ливенсу и Жаку де Руссо.

Автопортрет в плоской шляпе. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1642. Дерево, масло© Королевское художественное собрание, Лондон

Благодаря проекту картины не только попадали под авторство мастера, его учеников или других художников — они кочевали по этим разделам каждый раз, когда ученые меняли свое мнение. Из-за этого цена на работы то падала, то поднималась, и положение Рембрандта на арт-рынке отличалось крайней неустойчивостью. В 2011 году исследовательский проект «Рембрандт» потерял финансирование, однако с тех пор его миссию продолжают исследователи Нидерландского института истории искусств и Королевской галереи Маурицхёйс при поддержке Фонда Эндрю Меллона.

«Картины-призраки»

Поверх полотен, которые Рембрандт считал неудавшимися, он писал новые картины. Поэтому современные исследователи, просвечивая рентгеном его произведения, находят спрятанные под краской эскизы. Впервые они столкнулись с этим явлением в 2011 году, когда анализировали на подлинность работу «Старик с бородой». Портрет проверяли в Брукхейвенской национальной лаборатории в Аптоне с помощью новой технологии — рентгенофлуоресцентной спектроскопии. Детектор сканировал пространство картины и выдавал подробную карту распределения на ней химических элементов, в том числе скрытых под верхним слоем. Оказалось, под изображением старика прячется контур другого лица, совпадающий с известными портретами кисти Рембрандта. Потому портрет посчитали подлинным, а метод сканирования ввели в регулярную практику анализа произведений искусства.

Слева: Старик с бородой. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1630. Дерево, масло. Частное собрание. Справа: Карта распределения химических элементов на картине. На нижнем слое видно набросок другого портрета© Koen Janssens

Более завершенное спрятанное изображение вынесли из картины «Старик в военном костюме» химики и физики университетов Антверпена, Делфта и Лос-Анджелеса. Впервые полотно просвечивали рентгеном еще в 1968 году. Тогда выяснилось, что оно скрывает под собой «картину-призрак», однако существующие тогда методы — инфракрасное, нейтронное и обычное рентгеновское излучения — не позволяли воспроизвести ее полностью. Рембрандт использовал краски с практически одинаковым составом, в отличие от, например, Винсента Ван Гога, который применял в работе разные пигменты.


Картина «Старик в военном костюме» во время сканирования
© The J. Paul Getty Trust

Однако современные исследователи располагали рентгеновской флуоресцентной спектроскопией (сканирование MA—XRF): они направляли сильное излучение на картину, под воздействием которого атомы пигментов поглощали и переизлучали фотоны определенной длины волны. Такой метод выдает карту распределения на холсте кальция, железа, свинца и, самое главное, ртути, содержащейся в составе рембрандтовской киновари, которую он использовал лишь для тонировки кожи. Поэтому исследователям удалось восстановить портрет юноши на нижнем слое, определив цвет его лица и оттенки плаща.

a) Старик в военном костюме. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1631. Дерево, масло. Музей Гетти, Лос-Анджелес. Остальное — нижние красочные слои этой картины© The J. Paul Getty Trust

В следующий раз тот же метод успешно применили к полотну «Сусанна и старцы» реставраторы Берлинской картинной галереи и физики Университета Антверпена. Они объединили в работе несколько методов сканирования. Авторадиография с активацией нейтронов позволила им обнаружить наличие во всех слоях краски меди, смальты и киновари, а рентгенофлуоресцентная спектроскопия показала присутствие кальция, свинца, железа и фосфора. Исследователи обнаружили, что спустя столетие после написания картины от первоначального замысла художника остались одни фигуры: изменились положение рук старца, поза Сусанны, здание расположилось выше, чистое небо потемнело, а в целом краски значительно побледнели. В период этих нововведений владельцем полотна был коллекционер Джошуа Рейнольдс, который прославился тем, что «редактировал» купленные работы. То же он сделал с «Сусанной и старцами», адаптировав произведение под собственный вкус и требования современности писать в более светлых тонах.

Слева: Результаты анализа всех слоев картины Рембрандта «Сусанна и старцы». Справа: Зеленым цветом отмечены переписанные Рейнольдсом фрагменты картины© Matthias Alfeld
Секретные ингредиенты импасто

Рембрандт писал в технике импасто — наносил густым слоем приготовленную особым образом краску, в результате чего картины получались рельефными. Этим приемом пользовались и другие живописцы; особых успехов в его использовании добился Винсент Ван Гог. Но в XVII веке в Голландии невозможно было купить пигменты, которые давали бы пастозный эффект. Поэтому одной из важнейших задач ученых, исследующих творчество Рембрандта, стала разгадка состава его красок.

Первое крупное открытие в этой области совершили в 2011 году сотрудники Королевского института культурного наследия в Бельгии. Они реставрировали «Портрет Николаса ван Бамбека» и по поперечному сечению от крошечного участка картины изучали технику художника с помощью нового подхода — масс-спектрометрии вторичных ионов. Чтобы получить подробную информацию о типах элементов, которые содержатся в пигменте, и понять их энергетическую и химическую природу, ученые направляли на образец пучок высокоэнергетических частиц и наблюдали за теми, которые отскакивали назад. Так они выяснили, что мастер использовал смесь льняного масла, свинца и пшеничного крахмала, чтобы добиться нужной густоты и вязкой текстуры краски. Химик Королевского института Яна Санева, которая участвовала в этом исследовании, считает, что художник использовал муку в поисках «спецэффектов»: «Рембрандт известен как очень изобретательный художник-экспериментатор, который исключительным образом подчинял себе материал. То, что на пике своей карьеры он вводил в краску крахмал, еще раз доказывает, как он увлекался испытаниями».

Вверху: Портрет Николаса ван Бамбека. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1641. Холст, масло. Королевские музеи изящных искусств, Брюссель. Внизу: Анализ красочных слоев портрета. Крахмал выделен красным© American Chemical Society

В старых руководствах по живописи можно встретить упоминание пшеничного крахмала как средства для грунтовки холста. Но это исследование показало, что Рембрандт был единственным человеком до XIX века, кто использовал его в качестве агента для изменения рабочих свойств краски. Кроме того, ученые нашли тот же ингредиент в «Портрете Агаты Бас», жены купца Николаса ван Бамбека.

Другой неожиданный элемент нашли сотрудники Европейского центра синхротронного излучения в Гренобле. Чтобы выяснить секрет пастозности красок Рембрандта и их свечения, исследователи взяли микропробы с картин «Сусанна», «Вирсавия с письмом царя Давида» и «Портрет Мартина Солманса». В составе пигмента в объемных мазках они нашли плюмбонакрит — карбонат свинца, которым активно пользовались художники прошлого столетия и который широко применяется в автомобильной промышленности в наше время. Но в XVII веке Рембрандт был единственным, кто самостоятельно синтезировал редкий минерал.

Вирсавия с письмом царя Давида. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1654. Холст, масло© Лувр, Париж
Оптические трюки

Автопортреты Рембрандта написаны фотографически точно, но при этом пропорции головы и тела оказываются неправдоподобными, что заставляет искусствоведов ломать голову. Объяснить это нейробиологи Гарвардского университета пытались косоглазием. Нарисованный на 24 полотнах художник одним глазом смотрит вбок, а другим — прямо на зрителя. По их словам, именно дефект зрения изменил его глубину восприятия пространства, что сказалось на манере работы. Загадка глаз Рембрандта на его чрезвычайно реалистичных автопортретах оставалась столь же дискуссионной, сколь и следящий за зрителем взгляд Джоконды, пока оксфордский художник и физик Фрэнсис О’Нилл не сформулировал в 2016 году теорию, согласно которой мастер использовал для работы систему зеркал и линз.

Глаза Рембрандта. На портретах хорошо видно, что его левый глаз смотрит в сторону. На офортах (справа) — в обратную сторону© Rembrandt by Himself, National Gallery Publications

Истоки этой идеи лежат в теории художника Дэвида Хокни и физика-оптика Чарльза Фалько: начиная с эпохи Возрождения живописцы пользовались оптическими приборами. Именно на то время приходился пик популярности камеры-обскуры, и тогда же стало появляться большое количество гиперреалистичных пейзажей, натюрмортов и портретов. Притом зачастую на картинах Яна Вермеера, Альбрехта Дюрера и Леонардо да Винчи можно было разглядеть необъяснимые другим способом искажения пропорций.

Узнав о гипотезе Хокни—Фалько, Фрэнсис О’Нилл потратил десять лет на изучение картин Рембрандта. Он нашел несколько доказательств того, что старый мастер использовал зеркала и линзы: высокая резкость изображения в центре и размытость по краям, частое использование техники кьяроскуро — «светотени», то есть передачи большой контрастности между осветленными и затененными участками, что является необходимым условием освещения для оптических экспериментов. Наконец, смещение глаз живописца — он смотрел не прямо на плоское зеркало, а немного в сторону, на проекционную поверхность. Кроме того, большинство автопортретов художника выполнено на медных листах, а именно они лучше других показывают сфокусированные лучи света. А непропорционально большие головы на этих портретах — результат искажения картинки увеличительными линзами.

О’Нилл сконструировал оптическую систему, какой мог пользоваться живописец: черты его лица отражались в кривом зеркале, расположенном перед мольбертом, затем отображались в плоском зеркале и проецировались на медную пластину на мольберте. С помощью этой установки О’Нилл сумел увидеть собственное изображение на холсте рядом с собой, причем искажение пропорций оказалось именно таким, какое можно наблюдать на полотнах Рембрандта.

Исследование Хокни и Фалько вызвало много споров в среде историков искусства: те считали, что авторы гипотезы обвинили художников в жульничестве и занизили ценность их работ. Те же обвинения посыпались и на О’Нилла. Но он говорит, что не пытается подорвать авторитет Рембрандта, а хочет заставить зрителей посмотреть на него как на ученого-изобретателя. Это лишний раз доказывает, что искусство старых мастеров постоянно переосмысляется и обнаруживает все новые грани понимания. Не терять своей актуальности ему помогает наука: вновь и вновь разгадывая его загадки, исследователи становятся проводниками живописи ушедших веков в мир современности.

ПОДПИСЫВАЙТЕСЬ НА КАНАЛ COLTA.RU В ЯНДЕКС.ДЗЕН, ЧТОБЫ НИЧЕГО НЕ ПРОПУСТИТЬ

Понравился материал? Помоги сайту!

Подписывайтесь на наши обновления

Еженедельная рассылка COLTA.RU о самом интересном за 7 дней

Лента наших текущих обновлений в Яндекс.Дзен

RSS-поток новостей COLTA.RU

При поддержке Немецкого культурного центра им. Гете, Фонда имени Генриха Бёлля, фонда Михаила Прохорова и других партнеров.

Семь картин с самыми выразительными глазами

По глазам мы судим о внутреннем состоянии человека и его мыслях. Лучше всего убедиться в верности утверждения про «зеркало души» помогает живопись, и вот несколько самых наглядных примеров.


Люблю глаза твои, мой друг,
С игрой их пламенно-чудесной,
Когда их приподымешь вдруг
И, словно молнией небесной,
Окинешь бегло целый круг…
– писал Ф. И. Тютчев. И не он один: многие деятели искусства в своих произведениях уделяли глазам особое внимание. «Я в глазах твоих утону, можно?» – вопрошал Роберт Рождественский, «ее глаза на звезды не похожи», – заявлял Уильям Шекспир, а Игорь Северянин создал сюрреалистичный образ «женщины с поющими глазами».
Глаза – один из важнейших органов человеческого тела. Ведь с их помощью мы воспринимаем от 70 до 90% информации о нашем мире. Поэтому так важно заботиться о зрении: дважды в год проходить диагностику и носить очки с современными качественными линзами. Кроме того, именно по глазам мы судим о внутреннем состоянии человека и его мыслях. Лучше всего убедиться в верности утверждения про «зеркало души» помогает живопись, и вот несколько самых наглядных примеров: 1. Рене Магритт, «Кривое зеркало». В картине бельгийского сюрреалиста глаз отражает не внутреннее состояние, а окружающий мир – узнаваемое магриттовское лазурно-голубое небо с безмятежными облаками. Но название картины намекает: не верь увиденному. Это лишь «скорлупа» реальности, недоступной органам чувств.  
2. Лукас Кранах Старший, «Мадонна с Младенцем под яблоней». Узкие раскосые глаза с практически незаметными ресницами сразу выдают почерк немецкого художника эпохи Ренессанса. Именно таким был идеал красоты Северного Возрождения: лукавый лисий взгляд, бесцветные округлой формы брови, тонкие губы, рыжие волосы и высокий лоб. Практически полная противоположность современной моде! Кстати, работы Кранаха-отца узнаются не только благодаря характерной форме глаз, но и по микроскопической кудрявой фигурке золотистого дракончика, которого можно разглядеть на стволе яблони при сильном увеличении.
 
3. Эль Греко, «Несение креста». Огромные, блестящие от слез, возведенные к небу глаза – вот что объединяет персонажей этого художника: Магдалину, Иисуса Христа, апостолов, Мадонну. Однако офтальмологи заинтересовались творчеством Эль Греко отнюдь не из-за размера глазных яблок его героев. Манера письма оказалась столь нехарактерна для XVI–XVII веков, а фигуры столь сильно удлинены, что специалисты предполагают: у художника были проблемы со зрением. Вероятнее всего, косоглазие или астигматизм, хотя пока это остается лишь гипотезой.
 

4. Амадео Модильяни, «Портрет Жанны Эбютерн». «Когда я узнаю твою душу, я нарисую твои глаза», – говорит художник своей возлюбленной Жанне в фильме «Модильяни». Он выполнил свое обещание, однако в большинстве картин итальянский экспрессионист странным образом «забывает» об этой детали. Вероятно, так мастер хотел привлечь взгляд ко всему остальному. Ведь обычно зритель первым делом смотрит портрету в глаза, а остальные 99% площади полотна оказываются обделены вниманием. Модильяни удалось исправить несправедливость, но довольно радикальным способом.

5. Михаил Врубель, «Царевна-Лебедь». Из русских художников самым «глазастым» можно назвать Врубеля. Его многочисленные ангелы, демоны и даже царевна-Лебедь похожи друг на друга завораживающим инфернальным взглядом из-под угольно-черных бровей. Чьи же глаза смотрят на нас с одного из шедевров Третьяковской галереи? Доподлинно известно, что портрет был навеян образом жены Врубеля Надежды Забелы, которая исполняла эту роль в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Однако чертами лица героиня полотна гораздо больше похожа на другую возлюбленную художника – Эмилию Прахову.
 
6. Маргарет Кин, «Сьюзи у моря». Пожалуй, даже глаза на картинах Врубеля и Эль Греко покажутся бусинками по сравнению с огромными инопланетными очами на портретах Маргарет Кин. Чтобы избежать снисходительного отношения со стороны зрителей, коллег и коллекционеров (в прошлом веке на женское творчество всё еще смотрели с холодком), художница продавала картины под именем своего мужа Уолтера Кина. Когда она решила заявить о себе и доказать авторство работ, судья предложил уже разведенным супругам написать картину прямо во время процесса. Уолтер отказался, а Маргарет меньше чем за час создала портрет с узнаваемыми зрачками размером с пол-ладони. Кстати, в работе «Сьюзен у моря» акцент на глаза сделан еще и с помощью темных очков, которые малышка держит в руке. И правильно: на пляже зрение нуждается в защите от палящего солнца. Фотохромные очковые линзы Transitions, например, блокируют лучи ультрафиолета, помогают скорригировать близорукость или дальнозоркость и предотвратить дальнейшее развитие этих дефектов.
 
Глаза и взгляд оказались в центре внимания художников с тех самых пор, как появился жанр портрета как таковой. Мы рассказали лишь о нескольких самых ярких историях, оставив за рамками миллионы других. Но почти всегда глаза – самая завораживающая и интересная часть образа, созданного живописцем. Вместе с тем это еще и самый хрупкий орган человека, поэтому не забывайте заботиться о зрении, чтобы всегда видеть мир в ярких красках!
 
Материал предоставлен пресс-службой компании Essilor-ЛУЙС-Оптика

Асимметрия человеческого лица

В этой статье попробуем разобраться в некоторых свойствах строения человеческого лица, и в том почему существует так много людей, которым не нравятся их собственные фотографии, и что с этим делать?

Свойство человеческого лица, которое нас интересует в этой статье заключается в том, что у большинства людей, левая и правая стороны лица не совсем одинаковы и расположены также слегка не симметрично.

Асимметрия человеческого лица очень хорошо заметна на известном фото Авраама Линкольна (у него было особенно не симметричное лицо). На самом деле это фото сделано точно спереди по отношению к лицу Линкольна, хотя его туловище немного и повернуто. На первом фото видим оригинальную фотографию, на втором – её зеркальное отражение, на третьем – лицо Линкольна, составленное из двух его левых половин, на четвертом – из двух правых. Последние два фото особенно ярко иллюстрируют описываемый эффект. Ниже представлен результат проведения тех же операций с лицом женщины. Макияж скрывает асимметрию лица, поэтому данный эффект менее заметен, но тем не менее очевидно присутствует, ведь последние два фото всё равно существенно разные.

Люди настолько сильно привыкли к этому явлению, что им даже может показаться слегка противоестественным абсолютно симметричное лицо другого человека, если бы такое им встретилось. В виду такой большой нашей привычки к асимметрии лиц всех наших знакомых и не знакомых людей, мы этой разницы левой и правой сторон человеческих лиц даже не замечаем, а точнее не придаем ей значения.

Но это явление всё же проявляется очень интересным образом. Дело в том, что люди видят себя чаще всего в зеркале, где их лицо отражается слева направо, и привыкают к такому своему «зеркальному» внешнему виду. Но вот все остальные люди и фотоаппараты видят людей по-настоящему, без зеркального отражения.

Ввиду асимметрии лица, та картинка, которую видят люди в зеркале, и то что видят другие люди и фотоаппараты, отличаются. Таким образом, на фотографии человек видит себя настоящим, а в зеркале отраженным слева направо. Внешний вид человека в зеркале ему более привычен, поэтому глядя на свою фотографию почти все люди замечают неосознанно «что-то не то», и воспринимают это как «некрасиво».

Поэтому большинству людей не нравятся их изображения на фото. Хотя на самом деле это дело только привычки, ведь в действительности люди на фото, в реальности и в зеркале равнозначно красивы. И правда, нет никаких объективных и даже субъективных причин, считать, например, изображение Линкольна на первом фото, красивее чем на втором. Зеркальное отражение любой картины не меняет её красоту.

Кроме того, для остальных людей изображение некоторого знакомого им человека на фото кажется привычным, а значит таким же красивым как человек есть на самом деле, ведь другие люди и фотоаппараты одинаково правильно видят настоящего человека.

Для незнакомых людей вообще нет никакой разницы, что они увидят на фото другого человека, ведь они еще не привыкли к его внешнему виду. Как например, для нас читающих эти строки, первое и второе фото Линкольна одинаковы с эстетической точки зрения, хотя он сам привыкший к своему зеркальному отражению (т.е. ко второму фото), воспринимал, видимо, свои истинные фото (первое фото) как очень «некрасивые» свои изображения.

Но что делать если Вы все же хотите начать себе нравиться на фото? Тут есть два рецепта:

  1. Отражайте свои фото слева-направо. Вы увидите себя привычного и Ваше фото понравится Вам. Но у этого способа есть очень большой минус: это фото понравиться только Вам, ведь остальные Ваши знакомые внезапно для них увидят Вас отраженного, и уже им в свою очередь покажется «что-то не то» и «некрасиво», они то привыкли видеть Вас на фото и в реальности одинаковым и настоящим. Поэтому эти фото лучше оставить себе, а в социальные сети выложить всё же оригинальные версии фоток.
  2. Не смотрите в зеркало, а вместо этого делайте селфи. В этом случае Вы будете постоянно видеть себя настоящим и постепенно привыкните к своему настоящему изображению, и Вам начнут нравиться Ваши фото на которых Вы изображены опять таки настоящим.

беспощадный репортаж из ада: Общество: Россия: Lenta.ru

Побывав на концерте Евгения Петросяна, специальный корреспондент «Ленты.ру» Михаил Карпов решил продолжить исследования отечественной юмористической сцены. На этот раз перед Новым годом он посетил концерт постоянных участников телепрограммы «Кривое зеркало» и покинул его с четкой мыслью, что артистов удерживают в проекте насильно, либо шантажируют.

День 30 декабря, особенно если он выпадает на выходной, — очень странный день. Вроде бы подарки куплены, батарея алкоголя ждет своего часа, еду все равно готовить завтра. Поэтому те, кто что-то не успел, стараются это наверстать, приобретая в последнюю минуту никому не нужные недорогие гаджеты в магазинах электроники или незатейливые сувениры для внезапных гостей на завтрашнем торжестве. Те, у кого никаких дел в канун Нового года так и не обозначилось, могут провести этот день на каком-нибудь увеселительном мероприятии, например на праздничном концерте постоянных участников телепрограммы «Кривое зеркало» — передачи, основанной Евгением Петросяном и состоящей из кучи юмористических миниатюр, исполняемых эстрадными артистами, одетыми в нарочито дурацкие наряды.

Материалы по теме

00:02 — 6 декабря 2017

Смеяться грешно

Кто надрывает животы на концертах Петросяна: беспощадный репортаж из преисподней

Действо происходило на основной сцене Центрального дома художника в Москве. Судя по афишам, ничто не предвещало грядущего представления, однако прямо над входом висела растяжка, зазывавшая на выставку художника Васи Ложкина «Великая прекрасная Россия». Помимо этой экспозиции в ЦДХ были и другие, однако творчество Ложкина оказалось самым актуальным для посетителей концерта «Кривого зеркала», так как работы мастера разместили аккурат перед входом в концертный зал.

Зрителей, впрочем, такое соседство ничуть не смущало. Они с удовольствием ходили по помещению, смотрели на картины с котиками и фотографировались со статуей грустного котенка на табурете, меланхолично смолящего «Беломор». Подпись к одной из картин гласила: «Когда Иван Иваныч включает телевизор, тараканы в его голове надевают шапочки из фольги». «Куда катится этот мир?» — вопрошала другая, относящаяся к изображению отчаявшегося пропитого клоуна, обхватившего голову руками.

Фото: Михаил Карпов

Публика подобралась вполне стандартная для такого мероприятия — пожилые мужчины и женщины, некоторые с взрослыми детьми и внуками. В отличие от концерта Евгения Петросяна, который «Лента.ру» посетила недавно, эти люди находились в приятно расслабленном состоянии, не пытались первыми пролезть в зал, не толкались и не считали мелочь у буфета. Впрочем, надо отметить, что от большинства мужчин уже порядочно попахивало алкоголем, но оно и понятно: кто праздничку рад — тот пьет накануне. Дойдя до кондиции, один из зрителей заказал в буфете кофе, отхлебнул, потом долго смотрел в глаза продавцу и, наконец, выдавил из себя полную трагизма фразу: «Сахару… не фонтан!», после чего махнул рукой и продолжил смотреть на картины Васи Ложкина.

Чтобы настроить публику на добродушный лад, перед началом представления в зале звучала всем известная музыка из советских комедий. Оформление сцены должно было создавать новогоднее настроение: несколько запорошенных искусственным снегом елочек, одна большая и нарядная, гирлянды, большие напольные часы и средних размеров разноцветный куб. Ожидая появления артистов, пожилые подруги, сидящие поблизости от корреспондента «Ленты.ру», показывали друг другу фотографии внуков на экранах смартфонов, а потом, видимо по традиции, обменялись мешочками с дежурными «театральными» конфетами.

Представление, судя по времени, уже должно было начаться, и зрители начали хлопать, вызывая артистов на сцену. Зазвучала бодренькая музыка, дверь в напольных часах на сцене открылась, и из нее выскочил мужичок в костюме, шляпе и с потертым кожаным портфелем — типичный советский «директор» из «Фитиля» или «Карнавальной ночи». «Я мысленно приветствую, можно так сказать, обнимаю тех двух человек, которые встретили мое появление бурными несмолкающими аплодисментами!» — громко произнес он. Действительно, бурными аплодисменты назвать было сложно, поэтому зал, поняв намек, на этот раз похлопал громче.

Фото: Михаил Карпов

«Мы за кулисами, за чашечкой ароматного чая, с моими…» — артист выдержал паузу, во время которой из зала послышался мужской голос: «Собутыльниками!». «Да нет же, — возразил «директор», — теперь уже бывшими друзьями никак не могли решить, кому же из артистов выпадет почетная обязанность первым выйти на эту сцену». По его словам, человек этот должен быть узнаваемым, обладающим определенным набором талантов, а также скромным, и поэтому на сцену вышел именно он.

Реплики артиста зал встречал аплодисментами, однако практически никто не смеялся. Дальше, в лучших традициях детского утренника, он попросил присутствующих «зажечь» елочку, стоящую на сцене. «Елочка, гори!» — дружно закричали зрители. Одного раза, как всегда, оказалось недостаточно, поэтому фразу пришлось повторить еще раз. «Пусть все на елке веселятся, пусть за здоровье не боятся, пусть хорошеют с каждым днем, пусть все вокруг горит огнем!» — несколько апокалиптично завершил ритуал «директор» и сразу после этого пообещал «торжественную речь», соответствующую его статусу «официального лица». «Долго еще?» — послышался возглас из зала. «Минут 40-45, не больше», — успокоил артист зрителей.

— В праздники, дорогие друзья, нам особенно радостно, и я с огромной радостью хочу поделиться нашей гордостью по этому поводу — продолжил «директор». — Позвольте поздравить вас, дорогие друзья, с нашей общей радостью и пожелать нам и дальше идти к радостным победам, которые впредь позволят нам всем радоваться нашей гордостью и гордиться нашей радостью. Я кончил.

Под ритмичную «Шизгару» со словами «Кривое, мы зеркало кривое!» на сцену выкатились остальные участники концерта: клоун Александр Морозов, куплетист Михаил Вашуков, известный своим дуэтом с Николаем Бандуриным и эстрадный артист Виктор Разумовский. Незамысловатая и вроде бы банальная и несмешная миниатюра про роддом, разыгранная ими, внезапно рассмешила зал — или зрителям просто не понравилось ерничание «директора» относительно «радостных побед» и «горения всего огнем». Миниатюра про роддом сменилась еще более дурацкой сценкой, в которой Разумовский и Морозов представились «детьми «Кривого зеркала»», выйдя на сцену в детских шапочках набекрень и ковыряя в носу. Впрочем, на детей они похожи не были — скорее, на олигофренов.

Фото: Михаил Карпов

Смысл номера заключался в том, что Разумовский зачитывал двустишие, а Морозов добавлял к нему часть, которая должна была быть смешной. «Наша Таня громко плачет / И не может встать с корячек — Шутка ли для тетки / Три бутылки водки!» — так выглядел один из стишков. Зал еще какое-то время раскачивался и, наконец, вошел во вкус — видно было, что именно такие номера ему больше всего по душе. «Наша Таня громко плачет / В магазине дали сдачу — Но не мелкими рублями / А большими пи…!» — тут Разумовский зажал Морозову рот, но все было и так понятно. Понимали и оценивали работу артистов громким смехом и зрители.

Вашуков продолжил развлекать зал частушками, зачастую с гомоэротическим подтекстом. Так, например, героиней одной из них была Верка Сердючка, на которую напал маньяк, сунул руку ей под юбку и стал заикой. Персонажем другой стал Николай Басков, с которым автор якобы мылся в бане и выяснил, что тот «блондин ненатуральный». Видно было, что Вашукова эта тема волнует не на шутку — под музыку из песни «В нашем доме поселился замечательный сосед» он пожаловался на то, что население России убывает, поскольку (следующая фраза произносится жеманным тоном) «свое дело позабыли мужики».

«Всю Россию растащили — не осталось ничего, — внезапно сменил тему куплетист. — Кой-кого все ж посадили, только это все смешно. Воровали кто как может, а суд решил проблему так: свистнул мало — ты преступник, свистнул много — олигарх». Зрители, судя по всему, не поняли столь резкого перехода на общественно-политическую тематику, поэтому хлопали тихонько и не смеялись. Вашуков крикнул в зал: мол, пойте «пам-пам-пам», но только те, кто олигархи. Видимо, шутка не зашла, и зал дружно грянул «пам-пам-пам». «Здесь что, все олигархи?» — растерянно спросил артист.

Неожиданно и следующий номер оказался посвящен коррупции. Согласно сюжету оказывалось, что чиновнику, разбогатевшему непонятно каким образом, достаточно дать взятку следователю и дело будет закрыто. Тема, опять же, оказалась слишком серьезной и не вызвала бурной реакции в зале. Разрядил обстановку пьяный гражданин, который в фойе жаловался на сладость кофе. Он стремился вступить в диалог с артистами, но изо рта у него вырывалось только неразборчивое мычание. Артисты, сжав зубы и демонстрируя вымученную улыбку, пытались как-то обыграть ситуацию и заткнуть дебошира. Впрочем, залу диалог нравился, и зрители воспринимали его как часть представления. «Давай другое, это мы по телевизору уже видели!» — орал мужчина. «Мне приятно, что вы смотрите телевизор», — внезапно мрачно отозвался Вашуков. Где-то на картине Васи Ложкина тараканы начали со вздохом надевать шапочки из фольги.

Фото: Михаил Карпов

Для того чтобы немного разрядить обстановку «безудержного веселья», на сцену пригласили оперного певца Вячеслава Войнаровского, который вышел, опираясь на трость и в сопровождении поддерживающего его артиста. Оказалось, недавно он получил травму, что, из-за возраста певца и немалого веса грозило серьезными последствиями. Первым делом он спел «Очи черные», а потом начал травить театральные байки, персонажами которых чаще всего были пьяные работники сцены. В одной из них, во время постановки «Лебединого озера» в советские времена, артиста, играющего роль демона, должны были спустить на тросе на небольшую площадку, на «скале», где тот должен был танцевать. Но лебедку заклинило, и демон до скалы не долетел. Работники сцены безуспешно пытались раскачать его при помощи палки, но постоянно промахивались. В результате на представлении, где присутствовали члены правительства, раздался зычный голос прораба, руководившего работами: «Куда ж ты тычешь?! В жопу его пихай!» Подобные анекдоты Войнаровский перемежал вокальными номерами. Так, он спел «О, соле мио!» и «Без женщин жить нельзя на свете».

После пары юмористических номеров на сцену вновь вышел Вашуков и предложил залу исполнить «производственную гимнастику». «По телеку отстой, цензуры никакой, в прямом эфире делай все, что хошь. За голый зад держись, ори и матерись, но линию правительства не трожь — дадут по барабану!» — начал он, но зал не смеялся. Люди пытались делать «гимнастику», следуя примеру артиста. Видимо, показанное было слишком сложно повторить, и потому было непонятно — то ли шутка оказалась слишком сложной, то ли публика была слишком сосредоточена на движении своих рук.

«Бензин растет в цене, как будто наша нефть не из земли по трубам льет сейчас. А просто А и Б сидят на той трубе, давно сидят, серьезно — мы им по барабану!» — «У нас сатиры нет, так что гасите свет, нет недостатков — нечего скрывать. Уже не первый год нам закрывают рот, осталось только петь и танцевать — и бить по барабану», — завершил Вашуков номер, практически не улыбаясь. Зрители продолжали прихлопывать, хотя, казалось, юморист прямым текстом говорил им: как же нам все это опротивело — кривляться и говорить глупости, но ничего не поделаешь.

Фото: Михаил Карпов

Последней миниатюрой стала зарисовка, в которой олигарх, отдыхающий в сауне с девушкой, приглашает туда выступить артиста, играющего роль Гамлета. Артист начинает свой монолог, а богач и его недалекая спутница просят его петь песни Натали и изображать фигуриста Плющенко без льда и коньков — и, разумеется, за дополнительные деньги. Наконец, к концу представления наличных у них не остается, и они просят артиста: мол, дай сотку, на такси. Тот вытаскивает банкноту и тут же убирает. «А сейчас мне бы хотелось услышать стихотворение поэта Александра Блока, из его раннего цикла — «Миры летят, года летят»», — произносит артист печальным голосом. И тут «олигарх» начинает декламировать:

— Миры летят. Года летят. Пустая
Вселенная глядит в нас мраком глаз.
А ты, душа, усталая, глухая,
О счастии твердишь, — который раз?

Что счастие? Вечерние прохлады
В темнеющем саду, в лесной глуши?
Иль мрачные, порочные услады
Вина, страстей, погибели души?

Что счастие? Короткий миг и тесный,
Забвенье, сон и отдых от забот…
Очнешься — вновь безумный, неизвестный
И за сердце хватающий полет…

Грустно глядя в зал, артисты ждут секунд пять. Тут до публики доходит, что пора аплодировать, и она начинает хлопать. Как награда ей звучит песня Натали «О боже, какой мужчина». Артисты грустно улыбаются.

На помощь артистам «Кривого зеркала» никто уже не придет. Они до конца жизни будут изображать детей-олигофренов, ковыряющих в носу, будут шутить про жопу и лишь иногда в конце представления позволят себе прочесть Блока. Скорее для себя, ведь публика ждет от них совсем другого.

Зрители расходятся чинно и мирно. В фойе женщина ругает пожилую мать, которую привезла на концерт: «Да ты что, совсем что ли? Зачем ты сумку в полиэтиленовый пакет кладешь?!» — «Мне так удобно», — насупившись отвечает мать. Дочь идет к выходу и ждет старушку, которая надолго останавливается возле информационного табло и немигающим взглядом смотрит сквозь него.

Завтра Новый Год.

Кривое зеркало шаржа

Само слово произошло от французского charge – груз, тяжесть, тянуть. Изначально оно обозначало физическое действие, материальную основу, и только в 18 в его стали использовать для чего-то, заслуживающего карикатурное изображение. В Россию шарж пришел как самостоятельное направление только в 19 в. Это было начало правления «людей-головастиков» — считалось, что художник, изобразивший большую голову на маленьком тельце, очень удачно нарисовал смешной портрет.

Сегодня шарж используют в изобразительном искусстве, в большинстве случаев художник рисует дружеский шарж – карикатурное изображение кого-либо, отображающий не всю внешность полностью, а ее наиболее характерные черты, причем общее сходство остается прежним. Справа: шарж с сайта karikatura.kz

Шарж бывает: