Картины природа акварелью: D0 bf d0 b5 d0 b9 d0 b7 d0 b0 d0 b6 d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c картинки, стоковые фото D0 bf d0 b5 d0 b9 d0 b7 d0 b0 d0 b6 d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c


23.05.1975 Facebook Twitter LinkedIn Google+ Акварелью


Содержание

Пейзажи Природы Акварелью

Что может быть более успокаивающим для любого из нас, чем смотреть на потрясающие пейзажи природы выполненные акварелью. Ни для кого не секрет, что выполненные работы карандашом, гуашью, мелками и другими средствами — вызывают не меньшее восхищение. Но не всегда вычурность рисунков сделанных карандашом или гуашью сравнится с легкостью акварели. Природа рисунки карандашом написанные различными авторами, безусловно заслуживают внимания, но в свою очередь пейзажи природы акварелью оставляют в памяти неизгладимое впечатление на очень долгое время! Акварель создает целостность картины, непроизвольно заставляя любоваться на нее часами. 

Давно прошли те времена, когда пейзажам уделялось незначительное внимание. Сегодня, пейзажи природы — это то, что мы видим вокруг себя, это наш мир! Необъятные красоты родного края, зарубежные диковенные просторы, бушующий океан или игривое море — все это колоссальные пейзажи природы. Но как рисовать пейзажи, передавая при этом всю их таинственность и великолепие? 

Таинственное сочитание цветовых гамм и плавные переходы акварели позволяют наиболее точно передать увиденное человеческими глазами на холсте. Пейзажи природы выполненные акварелью создают ощущение легкости и воздушности. Единство формы и содержания, позволяют с головой окунуться в волнующееся море, пробежаться в мыслях по золотистому полю или ощутить все теплоту и нежность восходящего, над березовой рощей, солнца. Увековечить с помощью холста, кисти и акварели лучи осеннего солнца, играющие на опавших листьях, склонившуюсь к воде старушку-иву, передать все вдохновение улетащих в теплые края птиц, сделать акцент не на всей лесной поляне, а на большой сосне, скрючевшейся от прожитых веков — вот высшая степень искусства!

Конечно, любую картину может испортить ее наивность или кичность исполнения, но создавая шедевры, большинсто великих художников вкладывали в свое произведение не только скрытый возвышенный смысл, но и всю душевную красоту, которой были наполнены сами. Именно поэтому, незатейливые на первый взгляд пейзажи природы, при детальном рассмотрении открывают нам частички таинственного живого мира и мира человеческой души, души худоника! Пейзажи акварелью — это не просто картины для украшения нашей повседневной жизни, но и незаменимый атрибут духовного совершенствования и единения с природой! 

Пейзаж в фотографии

Не так давно к нам пришел такой вид искусства, как пейзаж в фотографии. На снимках запечатлены различные уголки мира, начиная самыми известными памятниками природы и заканчивая самыми скрытыми уголками планеты. Надо отдать должное современному искусству и сказать, что качественные снимки природы в полной мере передают все ее великолепие и точность форм. Но в любом случае, даже самая качественная фотография не сравнится с выполненной акварелью картиной! И пусть в картине будут неточности, но природа предстанет перед нами такой, какой мы не увидим ее в повседневной жизни! Вы можете поспорить и сказать, что фотограф, так же как художник, видит пейзажи природы по своему и это будет верно! Но кто, как не художник передает на холсте не только достоверное великолепие, но и душевное состояние, взгляд простого человека на великое творение мира?!

Подводя итог можно сказать, что каждый из нас меет право выбирать тот вид искусства, которые ему больше всего по душе, будь то фотография, рисунок карандашом или картина акварелью. Но в любом случае, прежде чем говорить о простоте и незамысловатости картин написанных при помощи акварели, нужно окунуться в мир художника и постараться увидеть то, что он хотел выразить и донести до вас в своем творении.

Дикая природа в миниатюрах и иллюстрациях Трейси Холл (Tracy Hall).

Tracy Hall — современный художник и иллюстратор из Великобритании, рисует картины акварелью и карандашом. С 1986 года Tracy Hall живет с мужем и детьми на берегах гавани Скапа-Флоу, Оркнейские острова, Шотландия.

Трейси Холл специализируется на картинах природы — цветах, дикой природе, домашних животных и пейзажах. Картины Трейси экспонируются на выставках в Великобритании, Европе и США, ее работы находятся в частных коллекциях во всем мире.

Трейси Холл рисует природу, флору и фауну в реалистическом стиле. Первыми предметами ее ботанических исследований были цветы, которые остаются очень важной частью ее работы. Трейси рисует собак, кошек, лошадей, птиц, обезьян и множество других домашних и диких животных. Разнообразие ее картин является фантастическим и бесконечно вдохновляющим.

Tracy Hall работает главным образом в акварели, используя прозрачные и непрозрачные цвета.

Она считает, что акварель невероятно универсальна и дает результаты, которые являются просто ошеломляющими, она одинаково подходит для широких мазков в изображении пейзажей и высочайшей детализации при работе над мехом или перьями.

В 2007 году Tracy Hall открыла для себя миниатюрное искусство и с этого времени началась новая и увлекательная глава в ее творчестве. Миниатюрная живопись — это область, вызывающая большой интерес и привлекающая все большее количество художников.

Трейси Холл награждена множеством премий в области искусства миниатюры Великобритании и США. В их числе премия Mary Scott Kestin Award на Международной Выставке Миниатюры Hilliard Society, которая является одной из главных британских выставок миниатюрного искусства; престижный приз Gold Memorial Bowl (Золотой Памятный Кубок) от Королевского Общества Миниатюристов (Royal Miniature Society) которым художник может быть награжден только однажды.

В 2008 году миниатюра «Peekaboo», акварель (размер 5 x 5 см. ), заняла третье место в категории «Птицы и Животные» на Ежегодной Международной выставке Изобразительного искусства в Миниатюре, проводимой обществом Miniature Painters, Sculptors & Gravers Society (MPSGS), Вашингтон, США. Общество является одним из самых первых в США и было основано в 1931 году художником миниатюрного портрета Алином Уильямсом (Alyn Williams).

Tracy Hall — член Королевское Общества Миниатюристов и Hilliard Society (HS) в Великобритании, Miniature Painters, Sculptors & Gravers Society (MPSGS), США. Член Общества Миниатюристов Флориды, Ассоциации Художников Миниатюры, член Общества Художников Животных.

Четыре года Трейси Холл работала в тесном сотрудничестве с автором Тимом Дином (Tim Dean) и как результат этого сотрудничества – появление книги «Птицы Оркни» (прим., Оркни (Orkney) — норвежское графство в Великобритании, в Шотландии, включает группу Оркнейских островов). В качестве иллюстратора Трейси создала 50 прекраснейше детализированных картин, на которых показано около двухсот разновидностей птиц, обитающих на островах и изображенных в их традиционной среде обитания.

Трейси Холл публикуется во многих журналах и изданиях, в статьях художница делится опытом по созданию акварельной живописи и миниатюрной живописи. Проводя такие мастер-классы, она детализировано рассказывает, как нарисовать картину миниатюру, о методах акварельной живописи, об используемых материалах, с приложением подробных иллюстраций — пошаговых демонстрационных примеров живописи.

Tracy Hall создает великолепные живописные картины для компаний Великобритании и США, производящих пазлы. На картинах яркий красочный интерьер с большим количеством мелких деталей. Композиции насыщены деталями, картины можно рассматривать долго, открывая для себя все новые и новые предметы, а уж составлять такие пазлы, точно, не скучное занятие.

Как ценитель природы Трейси Холл выставляет свои произведения на благотворительных аукционах, и часть денег, получаемых от продажи картин, поступает в фонды сохранения дикой природы, благотворительным организациям помощи животным.

Tracy Hall работает в реалистическом стиле по фотографиям, при активном подключении воображения, соединяя свои множественные наблюдения за природой, в единую композицию, находя радость творчества в проработке небольших деталей. «Нарисовать волосы или мех акварелью — не простая задача. Тонкие, светлые волоски, с тонкими и легкими гранями, цепляющиеся за более толстые и темные волосы, струятся книзу. Мазки должны быть легкими и точными, иначе волоски будут выглядеть тяжеловесными, колючими или неестественными. Нужно иметь в виду что волосы и мех имеют разный вид, — короткий, длинный, массивный, шелковистый, и т.д., и вы должны сформировать свою соответствующую живописную манеру. Я испробовала множество методов, чтобы получить чистые, тонкие грани».

Да, кропотливая работа, в такой крошечной миниатюрной картине, так проработать детали, удивительно. Живопись так подробна и так реалистична. Прекрасные произведения искусства!

Картины художницы Трейси Холл (Tracy Hall), фото-галерея.

www. watercolour-artist.co.uk

Копирование запрещено!
Все статьи являются интеллектуальной собственностью компании ArtWork2.com
Разрешено частичное использовании материалов в виде цитат,

при этом активная ссылка на сайт компании ArtWork2.com обязательна.

Картины акварелью на холсте от ТМ Арт-Холст

Одним из главных героев акварельной композиции, наравне с самими красками, считается белый фон бумажной основы. Он принимает активное участие в построении колористики сюжета. При этом картины на бумаге чувствительны к изменениям климата в помещении и требуют специфичного оформления в виде стеклянного экрана. Избежать хлопот и украсить поэтичными зарисовками интерьер можно, если выбрать картины акварелью на холсте.

О печати акварельных картин: цифровые технологии и альтернатива бумаге

Студия современного декора «Арт-Холст» изготавливает методом прямой цифровой печати акварельные картины. Тканевая основа панно качественна и долговечна, не требуют защиты в виде стеклянных экранов. Перепады температуры, влажность не отразятся на поверхности, а солнечные лучи лишь подчеркнут эстетичность зарисовок, ведь современные виды печати устойчивы к выгоранию.

Для картины под акварель используются рельефные текстуры. Холст передает визуальные свойства зернистой поверхности бумаги.

Качественные чернила повторяют особенности красок на водной основе. Выразительные свойства акварелей — текучесть и плавность линий, объемность деталей, размывка и затёки, создающие эффект подвижности и трепетности изображения – реализует печать красками, устойчивыми к воздействиям окружающей среды.

Купить картину акварель и ощущать благотворную силу искусства более 20-ти лет и более поможет специальное лаковое покрытие. Заказать его можно в бланке заказа онлайн или в телефонном режиме у менеджера компании.

Образцы живописи акварелью известны человечеству со времен искусства античного мира, Древнего Египта, средневековой Европы и Азии. Стоит сказать, что тогда краски не имели уникального свойства – прозрачности, сквозь которые просвечивает тон и фактура основы – ведь содержали белила.

Чистая акварель стала широко применяться в начале ХV века. Богатый колорит цветовых нюансировок передает цифровая печать на холсте.

Картины акварелью на холсте: богатство тематики и самобытный дизайн готовых решений

Шедевры в акварельной технике собрали в мировой сокровищнице живописи разноплановые по стилю и тематике панно.

Детально прорисованные пейзажи, портреты и натюрморты в духе классицизма и импрессионизма украшают спальни, кухни, гостиные. Вы можете выбрать работы известных художников-акварелистов, творивших до ХХ века. Альбрехт Дюрер, Уильям Тернер, Томас Гертин — их акварели изобилуют природными, архитектурными, флористическими мотивами.

Совсем иные по стилю и манере исполнения самобытные сюжеты подарил искусству ХХ век с его пристрастием к экспериментам. Вектор построения композиции повернулся в сторону внутреннего мира художника. Здесь мы видим настроение времен года в растушеванных цветовых пятнах, ауру личности — в красочных разливах эмоционального восприятия автора.

Вашему вниманию представлен широкий разлив креатива и концептуальных сюжетов — выбирайте яркий декор и создавайте восхищающий дизайн!

Рисунки акварелью пейзажи природы легкие. Советы начинающим художникам


Если вам нужно нарисовать бутон розы или букет роз, то этот урок поможет вам это правильно сделать. Я предлагаю два варианта как нарисовать цветок розы.


Как нарисовать цветок Лилии
Рисунок лилии выполнен на графическом планшете, но вы можете использовать этот урок, чтобы рисовать лилию поэтапно простым карандашом. Шаг за шагом, добавляя новые и новые линии, у вас обязательно получится такая же картинка лилии.

Видео, как нарисовать лилию поэтапно карандашами.


Это урок для начинающих поможет вам правильно нарисовать форму яблока. Только на первый взгляд, кажется, что яблоко рисовать легко. Кроме правильной формы, нужно еще суметь сделать двухмерный рисунок яблока объемным.

На этом видео рисунок яблока выполнен цветными карандашами.


Совсем несложно нарисовать банан. Достаточно сделать первоначальную разметку в виде прямоугольника и разделить его на две части. Главное, нужно суметь правильно раскрасить банан красками.


Рисунок гриба выполним поэтапно, вначале простым карандашом. На последнем шаге вы можете раскрасить гриб красками или цветными карандашами. Можно нарисовать рядом листья и траву, чтобы картинка гриба стала реалистичной.


Мандарин, нарисованный на графическом планшете, выглядит как настоящий фрукт. Попробуйте, шаг за шагом нарисовать мандарин карандашом, а после раскрасить рисунок цветными карандашами.


Рисовать природу, особенно летом и осенью очень увлекательно. Рисунки осенней природы — это прежде всего неповторимая палитра красок листьев деревьев. Обычные листья превращают окружающую природу в сказочную картину.


Рисунки природы — это не только растения и цветы, но и обычная, ничем не привлекательная улитка. Улитка имеет простое строение, и поэтому рисовать улитку довольно просто. Очень важно сделать правильные размеры контура «домика» улитки на первом шаге.


Главным украшением нашей природы можно считать бабочку. Нет в природе таких красок, чтобы художник смог в точности передать в картинке красоту ее крылышек.


Картины на тему о море рисуют художники маринисты. Очень сложно передать в рисунке всю глубину красок морского пейзажа, но для детей у меня есть простой урок. Поэтапно, шаг за шагом вы сможете нарисовать море карандашом, а после раскрасить красками.


Мы настолько привыкли к окружающим нас деревьям, что кажется нарисовать их совсем несложно. На этом уроке вы узнаете, так ли это.
Деревья, растения — основа нашей природы. Берегите природу!


Цветов в природе на нашей планете миллионы и каждый цветок уникальный. На этом уроке мы научимся рисовать цветы в букете поэтапно простым карандашом.


Рисунок ромашки, наверное, сумеет нарисовать каждый. Несколько лепестков, стебель с листьями и картинка ромашки готова. Но почему-то нарисованные ромашки не всегда получаются такими как в природе. Причина в том, что рисовать ромашку вы начинаете с лепестков.


Это один из самых простых уроков на тему «Рисунки природы». Чтобы правильно нарисовать подсолнух начните вначале рисовать стебель и листья, предварительно нарисовав общий контур цветка подсолнуха.


Рисунок новогодней елки и Деда Мороза — самая новогодняя тема. Рисовать новогоднюю елку можно по-разному, главное правильно нарисовать иголки. Я предлагаю свой вариант рисунка елки для детей карандашом.


Цветок тюльпана нарисовать совсем несложно, особенно если рисовать его поэтапно. Намного сложнее раскрасить рисунок тюльпана красками, точно передать все оттенки цвета.


Чтобы нарисовать картинку снежинку, кроме карандаша нужна обязательно линейка. Есть ли схемы рисунка снежинок? Нет, конечно же, каждая снежинка является уникальной часть нашей природы и имеет одну единственную кристаллическую форму.


Божью коровку обязательно нужно раскрасить цветными карандашами или красками, а еще лучше нарисовать ее на фоне окружающей ее природы: зеленые листья, яркие бутоны цветов.

Для того чтобы нарисовать акварелью простой пейзаж, желательно, первым делом, выбрать подходящий мотив. Это может быть фото из интернета или красивое место на природе. Рисовать с натуры, будет проще, если вы не собираетесь перерисовать ее в точности. В этом мастер классе мы нарисуем сразу 2 пейзажа, разной сложности.

Для начала, желательно, закрепить лист бумаги на доске канцелярскими кнопками, чтобы он не сворачивался когда намокнет и просто для удобства. Сама доска, которая называется мольберт, обычно располагается под наклоном, около 45 градусов.

После того как бумага закреплена, надо взять карандаш, резинку и сделать набросок. Набросок не должен быть сделан слишком жирными линиями, чтобы они в конце сильно не просматривались под краской. В наброске не стоит прорабатывать все детали, достаточно условно обозначить основные элементы композиции.

Далее, лист бумаги следует намочить. Обычно, задний план и небо, рисуются акварелью по мокрому. Это дает эффект красивых и плавных переходов из одного цвета в другой. Старайтесь не рисовать небо только голубым или траву только зеленым – лучше всегда использовать несколько цветов, это сделает картину более живописной. Но, так же, старайтесь избегать смешивания большого количества (не более 3х) разных цветов, иначе может получиться серый. А если вы все таки хотите нарисовать серый цвет, то используйте для этого не черную краску, а смесь цветных красок (красный с изумрудным, например). Тогда у серого цвета выйдет красивый оттенок. Не бойтесь экспериментировать с цветом, добавлять те цвета, которых в реальности на картине нет. Даже в самом бесцветном пейзаже, можно найти все цвета радуги, потому что из них состоит свет.

Пейзаж акварелью надо начинать рисовать с самых светлых тонов и заканчивая темными, потому что светлый тон можно перекрыть темным, а вот наоборот – нет. Чаще всего, самая светлая часть картины, это небо и начинают рисовать с него. Если Вы рисуете солнце, то оно должно быть самым светлым элементом картины и его можно закрасить самой разбавленной краской — тогда оно будет светить.

Кроме солнца, светлым может быть отражение на воде или туман – их тоже надо рисовать сначала, вместе с небом и другими светлыми деталями.

Постепенно, от более светлых тонов, мы переходим к более темным и начинаем вырисовывать более точные формы. Сейчас бумага не должна быть слишком мокрой, чтобы краска не растеклась. Но она может быть влажной и если вы рисуете задний план, он получится немного размытым и создастся эффект дымки. Для того чтобы картина смотрелась естественно, задний план должен быть более размытым и светлым, а передний — более темным и четким.

Таким образом, светлыми тонами мы зарисуем весь общий фон. После этого, можно перейти к прорисовке более мелких деталей. Их тоже следует рисовать, сперва, краской посветлей, а потом закрашивать более темные участки.

И только в самом конце, следует проработать мелкие детали, добавить самые темные тени, придать четкости. Вот и все, первый пейзаж готов.

Вот пример второго пейзажа, немного посложней.

Природа очень красивая. Каждый её элемент – индивидуальность с неповторимым дизайном. Поэтому сегодня попробуем воплотить её на листе бумаги. Готовую картину можно будет поместить в рамку и любоваться ею в любое время.

Необходимые материалы:

  • цветные карандаши жёлтого, зелёного, синего, коричневого тонов;
  • чёрный маркер;
  • обычный карандаш;
  • лист бумаги;
  • ластик.

Этапы рисования:

1. Рисуем горизонт в виде линии. Вдалеке у нас будут , которые обозначим на листе в виде треугольников. Далее сотрём между ними линии и оставим только контур.


2. Возле гор вдалеке будут видны кустарники и . Также нарисуем и обозначим их на своём рисунке. От гор будет идти длинная и довольно широкая тропинка, которая выведет к зелёной поляне с деревьями. В правой стороне листа нарисуем небольшое дерево.


3. Теперь перейдем к первому плану и прорисуем большое дерево с левой стороны. У него будет широкая и массивная крона с большим количеством веток. Количество листвы будет небольшим, но, несмотря на это, дерево смотрится большим, нежели горы вдалеке. Не забудем и о мелкой листве на поляне.


4. Обводим маркером каждую линию, дополняем мелкими деталями. Ненужные линии стираем ластиком.


5. Делее, переходим к стволам двух деревьев и раскрашиваем их коричневым карандашом.


6. Теперь раскрасим листву на деревьях светло-зелёным карандашом.


7. Для затемнения используем карандаш изумрудного или тёмно-зеленого цвета.


8. Такими же карандашами раскрасим зелёную поляну и траву на нашем рисунке.


9. Вдали видны горы. Им придадим синий цвет, а у подножья будут зелёные оттенки. При смешивании двух цветов получим очень красивый и оригинальный вид.


10. Тропинку разукрасим жёлтым карандашом, а у линии контура пройдёмся коричневым.


11. Напоследок нарисуем небо светлым синим карандашом.


12. На этом мы заканчиваем наш поэтапный рисунок. На нём можно увидеть и горы, и зеленую лужайку с тропинкой, и деревья, и чистое голубое небо. Любой из вас, захотев отдохнуть от городской суеты, хотел бы оказаться в таком чудесном месте! Цените окужающий нас мир!



Многим начинающих художникам, особенно в детском возрасте, нужно уметь рисовать самую простую природу. Самые первые шаги начинающие делают безобразно, но эти рисунки достойны похвалы, так как первый раз всегда самый ответственный. Сейчас я продемонстрирую первый рисунок новичка. Небольшой пейзаж с двумя облаками и тремя холмами, так же будут присутствовать пять елочек.
Времени уйдет на это произведение порядка 3-5 минут. Самый обычный и самый легкий рисунок для начинающих, как нарисовать природу поэтапно карандашом.

Сначала изобразим три холма. Один пониже, он будет волнистый и два холма над ним, которые пересекаются между собой, тем самым будет видно что правый холм чуть дальше левого.

Затем рисуем две елочки, одну по центру, она размерами побольше. А другую поменьше справа, как будто она чуть дальше расположена.

На дальнем правом холме рисуем маленькую елочку, на нижнем холме справа тоже и на левом ближнем, размер чуть больше предыдущей.

Сверху изображаем волнистые облака. Слева тучку поменьше, а справа побольше.

Трудно представить, что еще два столетия назад отечественные художники не изображали красоту русской природы. Айвазовский, Шишкин, Саврасов, Левитан и многие другие выдающиеся художники показали всем, насколько прекрасна наша природа. Сегодня и мы узнаем, как нарисовать пейзаж карандашом поэтапно.

Осень, осень, лес остыл и листья сбросил…

Как нарисовать пейзаж карандашом поэтапно для начинающих? Этим вопросом задаются многие люди, которые решили опробовать свои силы в изобразительном искусстве. Глядя на картины выдающихся мировых художников, мы думаем: что за мазня изображена на них? А на самом деле — это шедевр, который стоит ни один миллион долларов или хранится в Лувре и Эрмитаже.

Изображать можно любые пейзажи — городские, парковые, сельские, осенние, зимние, пляжные. Но вот особой популярностью пользуется именно красота осенней природы. Сколько всего можно передать, играя с красками или тенями! Когда за окном льет проливной дождь, птицы улетели в теплые края, а природа впадает в спячку, пришло время взять в руки карандаш и начать писать картину. Мы начнем с того, что узнаем, как нарисовать осенний пейзаж карандашом поэтапно.Необходимые материалы:

  • простой карандаш;
  • лист бумаги.

  1. Как нарисовать пейзаж карандашом поэтапно? Осень — прекрасная пора, очей очарованье. Для того чтобы передать ее красоту, мы будем использовать только карандаш. Регулируя силу нажима на стержень, создадим подлинную и природную картину.
  2. Для начала нарисуем прямую линию горизонта, которая будет расположена в верхней части листа.
  3. Нижняя линия должна быть скошенной к правому нижнему углу листа. Это будет условный ориентир.
  4. Фото 1
  5. На переднем плане будем изображать деревья. Прорисуем две извилистые линии.
  6. Давайте подключим фантазию и нарисуем оригинальный пейзаж на фоне реки.
  7. С левой стороны извилистыми линиями обозначаем речной берег.
  8. Аналогично прорисуем извилистые линии с правой стороны.
  9. Фото 4
  10. Любой пейзаж должен быть изображен правдоподобно. Чтобы наши деревья не повисли в воздухе, мы нарисуем изгиб, который будет холмиком.
  11. Важно обращать внимание даже на мельчайшие детали, поэтому парочка высохших кустиков травы не помешает.
  12. Осенью природа кардинально меняет свой облик. На деревьях уже нет листвы. Более толстыми линиями мы прорисуем стволы, ветви и видимую часть корневища деревьев.
  13. Изменить цвет и толщину линий можно силой нажима. Но лучше пользоваться карандашами различной мягкости.
  14. Порывистый холодный ветер старается сорвать последние листики с ветвей деревьев, но некоторым все-таки удалось удержаться. В любом порядке на дереве нарисуем несколько листиков.
  15. Наш осенний пейзаж будет на фоне реки. Правдоподобность картине придадут камышовые заросли. Рисовать их очень просто — стебель и закрашенный продолговатый овал.
  16. Рисунок должен быть объемным, поэтому мы будем растушевывать штрихи на земле.
  17. Сыграйте на контрастах. Тени должны иметь плавный переход.
  18. На противоположном берегу реки раскинулся лес. Прорисовывать четко его мы не будем, а заштрихуем и растушуем.
  19. Осень — время, когда природа засыпает. Нужно подчеркнуть это в нашем пейзаже. Хаотичными росчерками карандаша прорисуем размеренное течение реки.
  20. Подключайте фантазию. Это ваше творение, и только от вас зависит, каким оно будет: веселым или угрюмым, правдоподобным или пародийным.
  21. Здесь также нужно поиграть на контрастах, поэтому растушуем карандаш по всей поверхности реки.
  22. Свинцовые тучи повисли над землей. Нарисуем в виде разных окружностей облака, сделаем их темными и тяжелыми с помощью штриховки и растушевки.
  23. Еще со школы мы знаем, что многие птицы отправляются зимовать в теплые страны. Дополним наш пейзаж журавлиным клином.
  24. Чтобы пейзаж стал ярким и совершенным, нарисуем среди веток паутину. Внутри притаился обитатель леса — маленький паучок.
  25. Возьмем ластик и высветлим некоторые участки пейзажа.
  26. Такие блики подчеркнут осеннее настроение.

Раз, два, три, мы используем штрихи

Как нарисовать пейзаж карандашом поэтапно для детей? Нет ничего проще штриховки. Если ребенок еще не может определиться с формой и расположить правильно фигуры на листке бумаги, помогите ему нарисовать оригинальный пейзаж с помощью штрихов. Вам понадобится набор карандашей различной степени мягкости.

Необходимые материалы:

  • набор простых карандашей;
  • лист бумаги;
  • ластик.

Пошаговое описание творческого процесса:


Андрияка Сергей Николаевич – Академия акварели и изящных искусств

АНДРИЯКА Сергей Николаевич, Народный художник Российской Федерации, действительный член Российской Академии художеств, Художественный руководитель Школы акварели, Ректор Академии акварели и изящных искусств, художник-акварелист, педагог родился в Москве в 1958 году.

Отец, Николай Иванович Андрияка, Заслуженный художник РФСР, преподавал в художественной школе при Московском художественном институте имени В. И. Сурикова. Он оказал большое влияние на становления сына как художника. Мать – Этолия Рудольфовна — переводчик и преподаватель иностранных языков.

Рисовать Сергей Андрияка начал рано, около 6 лет. Под руководством отца тренировал зрительную память, овладевал техникой акварели. Окончив художественную школу, поступил в институт имени В. И. Сурикова; с 1977 (после смерти отца) совмещал учебу с преподавательской деятельностью.

Сергей Андрияка: Мой выбор объединил результат личностного развития и семейные традиции. В детстве я практически не видел отца, который, будучи директором Суриковской школы, просто пропадал на работе. Моим воспитанием занималась мама. С искусством меня познакомила именно она. Лет с четырёх помню, как мы с ней лепили из теста и пластилина, рисовали… Она рассказывала мне сказки и разные жизненные истории и тем самым насыщала мои первые работы каким-то высшим смыслом, который стимулировал фантазию и творчество. Оставаясь один, я спокойно мог играть сам с собой. Телевизор у нас был, но не работал. Мама как-то его сломала, а потом никто не удосужился починить. Так что лет до 30-ти он для меня практически не существовал, да и теперь не очень-то нужен. Мое восприятие мира шло через живопись и цвет.

Примерно с пяти лет отец стал брать меня на летние плановые практики в Подмосковье. Я видел, как учащиеся рисовали, видел, как на бумаге у них получается отображать красоту природы. Это вдохновляло, хотелось тоже пробовать. Я начал рисовать карандашом, потом акварелью. Лет в семь отец стал обращать внимание на мои рисунки. Он видел, что для меня искусство становится не просто развлечением и игрой. Я жил этим, часами мог рисовать, лепить, не отвлекаясь ни на что более. Папа стал со мной заниматься, не объясняя, как писать, а обращая внимание на красоту – дом, дерево или лучи света. Это давало возможность развиваться фантазии и творческому воображению, восприятию прекрасного. Отец был и первым зрителем моих картин. У нас дома стояло ужасно расстроенное чёрное пианино Мюльбах, которое и служило мне выставочным стендом. Отец, приходя домой поздно вечером, высказывал свои замечания. В 1977 году он умер, я потерял не только отца, но и учителя. Тогда я только поступил в институт.

Большинство студентов, учившихся со мной, были люди семейные, с училищным образованием за плечами, они чётко понимали, что им надо. Я же, в свои 19 лет, метался в растерянности. Пробовал много всего, вплоть до авангарда, экспрессионизма и модерна. Потом всё лишнее отошло…

Вы знаете историю своей семьи? Кем были ваши предки, откуда пошла такая необычная фамилия?

– Насколько мне известно, по линии отца никто художеством не занимался. Дед был по происхождению греком, а по профессии кочегаром. Он умер в первые послевоенные годы. Бабушка, которую я тоже не застал в живых, была безграмотной и очень набожной. Родом она с Прилук Черниговской области Украины. Слушая службу в храме, она всё запоминала и знала почти всю Библию наизусть. Её уважали, к ней приходили за советом. До 1945 года фамилия писалась по греческой транскрипции «Андриака». В начале войны отец ушёл воевать добровольцем и попал на Второй украинский фронт. Через год раскрылось, что он художник. Его работы попали во фронтовые газеты. Украинцам было проще произносить и писать «Андрияка». Потом как-то так повелось, стал использоваться именно такой вариант фамилии.

Отец матери окончил Железнодорожный институт в Петрограде, знал несколько иностранных языков. Бабушку он встретил на Северном Кавказе. Она родилась в станице Суворовская. Говорили, что именно в её казацкой семье были художники-иконописцы и даже музыканты.

– У вас большая семья. Как ваши дети воспринимают искусство?

Действительно, я многодетный отец. Для моих детей главный путь воспитания – мой личный пример. Дети видят, как я, приезжая домой, работаю. Старшая дочь Анна очень жалеет, что недоучилась, так как период обучения совпал у неё с переходным возрастом, однако она занимается дизайном одежды, учится в сфере бизнеса и экономики. У старшего сына Фёдора склонность гуманитарная, но он наотрез отказался от художества, хотя, на мой взгляд, у него есть потенциал. Федор с удовольствием занимается экономикой и техникой. Сейчас он служит на Черноморском флоте. Его сестра Лиза учится достаточно успешно, ей 17 лет. Младшие дочки: Маше – девять, а Соне двенадцать лет. Машенька много рисует и лепит. Вижу себя в ней – она может часами сидеть, у неё нет свойственной детям неуёмной энергии и тяги к смене впечатлений, она спокойно может заниматься творчеством в одиночестве.

Ваш отец, будучи замечательным художником и педагогом, оказал большое влияние на Вас в выборе, если не профессии, то уж жизненного направления несомненно.

Отец умер в 1977 году. К столетию со дня его рождения в 2005 году мы сделали выставку, которая вызвала большой интерес. В 1982 году я закончил Суриковский институт и пребывал в некоторой растерянности. В Союз художников не сразу вступил, в художественном комбинате предлагались скучные заказы. Я решил делать свои персональные выставки. Таир Салахов как-то сказал, что все групповые выставки безлики. А тогда в моде были масштабные всесоюзные, республиканские выставки. Я решил — пусть будет один зал, но авторский. Моя первая выставка прошла в 1985 году в Звенигороде. Она многому меня научила — видеть собственные картины со стороны, уметь выстраивать экспозицию. К 1994 году у меня было уже 30 персональных выставок. В тот год в Манеже на моей персональной выставке было показано 600 работ. Ещё в 80-е годы появились заказчики. Но были разные периоды, было и затишье. Сейчас наоборот.

После окончания института Сергей Андрияка занимался в Творческих мастерских Академии художеств (1982-1985) под руководством А. М. Грицая и братьев Ткачевых. С 1983 член Союза художников СССР. Активно участвовал в различных выставках, в том числе и за рубежом. В 1985-1989 преподавал в Художественном институте им. В. И. Сурикова. С 1996 заслуженный художник РФ.

Работал маслом, гуашью, темперой, выполнял настенные росписи в технике мозаики, витража, офорта, занимался росписью по фарфору и эмали. Участвовал в реставрации храма Трифона-мученика в Москве. Почему же, всё-таки, выбор остановился на акварели?

Сергей Андрияка: Объяснить этого никто не может. Это просто сидело во мне внутри. Я писал акварелью с детства. Профессора в Суриковском институте мне говорили: «Есть задание по масляной живописи – вот его надо сделать, а акварель – по желанию». И я делал наброски и эскизы, портреты натурщиков акварелью – всё исключительно по желанию. Потом стал заниматься акварелью более серьёзно. Много писал с натуры, потом по памяти. Кстати, по памяти писал ещё в школе. Старался запоминать главные законы цвета, света, тона, существующие в природе. Со временем появились большие форматы. Стало ясно, что акварелью можно сделать всё, вопреки традиционно пренебрежительному отношению к ней. Повторюсь, что интерес к акварели существовал у меня всегда. Это вещь для меня абсолютно естественная, независимо от ученических заданий. Помню, в Суриковской школе я любил писать по памяти именно гуашью. Тогда я ещё не мог акварелью писать, только очень маленькие работы делал, в открытку размером. Большие акварели технически не мог делать. Это сейчас я делаю масштабные акварели, соразмерные масштабу замысла.

-Можно ли вообще говорить, что есть именно русская школа акварели?

Великие русские художники работали в акварели: Суриков, Репин, Васнецов, Врубель, Брюллов, Примацци, Соколов, Гау. Они создавали потрясающе выдающиеся вещи. У нас была великая акварельная портретная живопись в первой половине 19 век, на западе такого уровня не было. А вот пейзажная архитектурная акварель за рубежом была посильнее. Были целые национальные акварельные школы: французская, итальянская, испанская, голландская. Огромные объединения художников, которые писали только акварелью. В начале 19 века встречаются полутораметровые акварели. Их писали так же, как и маслом, с той же плотностью и живописью. Были огромные объединения художников- акварелистов, кто-то охоту писал, кто архитектурные виды и т. д. По всей Европе были тысячи мастеров. Мне посчастливилось в 1988 году в Эрмитаже просмотреть все фонды западноевропейской акварели. Они огромны по объёму. С самого открытия до вечера я всю неделю только и успевал, что перелистывал эти работы. И они прекрасны. Но о них, к сожалению, никто не знает.

Как Вы считаете, Вам лично удалось внести в искусство акварели что-то новое?

– Сложно ответить однозначно. Я целенаправленно и фундаментально занимаюсь акварелью. Маслом я тоже писал не один десяток лет, и у меня тысячи работ маслом, так же как и гуашью я работал и многим, многим другим.

С одной стороны, акварель — это моё восприятие мира, с другой – технические приёмы письма. Технические приёмы лежат в области экспериментов со светом, положением красок и слоёв, с масштабами работ и т.д. Но ведь искусство – это, в первую очередь, видение, а потом техника. Моё творчество – моё восприятие мира. Я своими глазами смотрю на этот мир. Два разных художника могут совершенно иначе изобразить один и тот же предмет, в зависимости от настроения, одухотворённости, личностного восприятия. Картина в отличие от самого хорошего фото – это не механическая фиксация объекта. Творец только дотронулся карандашом до бумаги – тут же его энергетика, его внутреннее состояние идёт в холст.

Картина, как дитя, живёт своей жизнью. Она уже не зависит от творца. Мне, чаще всего, не интересно, при каких жизненных обстоятельствах писал, скажем, Рубенс. Я чувствую эмоциональный заряд, энергетику картины. Это расскажет гораздо больше, чем сухие факты, прошедшие через века.

Сейчас все пишут одинаково. Акварелисты пишут, как правило, только по сырой бумаге и разводами, краска ложится однослойно, глубина не получается. Акварель может быть самой разной – и расплывающейся и насыщенной. У меня же с детства интерес к цветовой стороне. Я меньше занимаюсь портретом, где рисунок определяющий. Пейзаж мне интересен, мне интересно передавать мимолётность состояния света, влажность воздуха.

Основным занятием художника является многослойная акварельная живопись. Андрияка рисует по памяти, без предварительного рисунка карандашом (кроме сложных архитектурных мотивов). В работе использует послойные лессировочные прописки (20-30 слоев) по сухой или просохшей поверхности бумажного листа. Белила и другие материалы, кроме акварельных красок, не использует. Высококачественная английская бумага и хорошие краски позволяют сохранять цвет и колористическое богатство акварелей, отличающихся цветовой гармонией и поэтичностью восприятия мира.

Любимые темы художника — сельские и городские пейзажи, натюрморты. Он стремится запечатлеть окружающую жизнь в ее постоянно меняющихся состояниях. Многие работы посвящены архитектуре российских городов (Москвы, Тулы, Коломны, Великого Устюга и др.), а также городов Западной Европы и Америки. В 1995-ом году по заказу московской мэрии художник создал 6-метровую акварельную панораму Москвы 19 века. Цветовой облик города того времени воссоздан благодаря фотографиям из альбома Найденова (1867). В дальнейшем было написано еще несколько акварелей больших размеров, причем, не только пейзажей, но и натюрмортов («Лес», «Цветы и фрукты» и др. ). Работа над этими полотнами позволила художнику сделать ряд открытий в технологии живописно-акварельного процесса.

Сергей Андрияка: …А потом со мной случилась интересная вещь. Я закончил институт, поступил в Мастерские Академии художеств, жил за городом у друзей в Подмосковье. Такое обыкновенной дачное место, никаких сверхкрасот, никаких сказочных далей и горизонтов. И как-то вдруг я стал писать по памяти акварелью то кустарничек, то лужу, то заборчик. Мне хотелось понять, как эта лужа себе ложбинку выбрала, как устроено отражение? Или выхожу из дома — а там по улице какой-то необыкновенный розовый иней. Бегом домой и писать. Год за годом я осваивал технику акварели. Параллельно работал маслом, пытался извлечь максимум цвета, света и возможностей, но масло оказалось тяжёлым, неблагополучным материалом для меня. Это кому-то может показаться странным. Ведь у меня тогда были английские краски «Виндзор ньютон» — 600 тюбиков, и все виды красок, которые выпускал ленинградский завод. Но я чувствовал, что всё богатство цвета, которое мой глаз видит, всю светоносность, прозрачность – масляные краски не могут передать. Сколько труда надо было приложить, чтобы достичь элементарного эффекта.

И вот в какой-то момент я почувствовал, что именно акварелью можно написать всё! Очень удобный, оперативный и портативный материал, быстро сохнет плюс сохранность. Для акварели нужно два основных компонента: это, в первую очередь, бумага и краски. Удивительная сохранность, если акварель хорошей краской написана на хорошей бескислотной бумаге, на сто процентов хлопковой или льняной. А ленинградские краски были замечательными по всем параметрам. Более того, скажу – остаются самыми лучшими на сегодняшний день! Техническая оснастка завода тогда была минимальной, почти всё вручную там делали да и до сих пор делают. Завод производит множество пигментов по жёстким ГОСТам, более жёстким, нежели те требования, которые западные производители предъявляют к своим краскам! Современные же масляные краски на синтетической основе временем проверены самым негативным образом. Картины, написанные этими красками в 50-60 годы прошлого века уже осыпаются, потускнели, требуют реставрации. Очень плохо влияют вещества, которые добавляется для ускорения процесса. А на питерском комбинате всё делается как и 100 и 200 лет назад – гуммиарабик, патока, ну, антисептик — получается абсолютно натуральная краска, проверенная столетиями.

А вот совсем молодой Сергей Андриака, сын талантливого художника и педагога, только что получивший диплом, думал ли он когда-нибудь о том, что создаст Школу акварели, обретет учеников и педагогов-единомышленников?

Я об этом никогда не думал. Я об этом мог только мечтать. Я мечтал. Но не о ВУЗе. Я, поначалу, мечтал о школе. О том, что хорошо бы, чтобы была возможность учить художеству по-новому.

В 1999-ом году была открыта Московская государственная школа акварели Сергея Андрияки (с музейно-выставочным комплексом). По настоящее время художник является ее художественным руководителем…Учебные мастерские школы рассчитаны на небольшое количество учащихся. Рядом с классами расположены мастерские преподавателей. С целью распространения многослойной акварели в смежные прикладные области , такие как роспись по фарфору, миниатюрная эмаль, сочетание акварельной живописи с гравюрой, в школе оборудованы офортная, керамическая, ювелирная мастерские. В музейно-выставочном центре школы экспонируются работы учащихся и их преподавателей, коллекции других музеев.

Сначала Школа акварели, теперь Академия. Никто, даже «заклятый друг» не сможет, не осмелится назвать всё, что Вы делаете, сизифовым трудом. Но я, в сотый раз задаюсь вопросом: Зачем ему, успешному, популярному, состоявшемуся художнику, нужна эта головная боль, зачем ему это нужно?

Мне кажется, самое главное, чем я занимаюсь – это преподавание. Если ты этим можешь принести пользу, то этим и занимайся. На мой взгляд, первый опыт со школой получился очень удачным, школа востребована, эффективность обучения высока. Я и стал заниматься собственно академией потому, что это абсолютно новое художественное образование и в этом новом образовании, которое мы придумали, я вижу — как можно принести пользу. Я и сейчас в постоянном поиске того, как сделать это образование более эффективным, как выстроить методику и систему.

Если бы не была реализована идея школы, академия бы не родилась?

Моя позиция всегда была такой – надо начинать с малого. Вот если ты начинаешь с малого и не замахиваешься сразу же на очень большое и глобальное, то это получается лучше. Ты как бы себе самому доказываешь, что это может получиться. Когда мы школу только начинали создавать, то, собственно говоря, было все пусто. Нам был дан некий аванс. Было построено здание, приобретено оборудование какое-то минимальное. А вот что будет потом в этом здании, как оно начнет работать, насколько действительно будет востребовано это обучение, насколько оно будет эффективным, как мы выстроим обучение, как пойдут люди и пойдут ли, потому, что людей не обманешь. Они не пойдут учиться туда, где их ничему не научат. Это же очевидно. В первые годы было очень трудно. Но сейчас, когда уже школе 13-й год, можно с уверенностью сказать: мы смогли, школа действительно состоялась. Сколько огромных выставок мы сделали, показывая людям то, чем мы занимаемся. Это не очковтиральство, не мираж обучения, не обман. Мы показали и доказали, что действительно можем обучать. И мы обучаем. И получается это хорошо. Другое дело, что возник некий тупик. А что дальше? Нужно было, просто необходимо было замахиваться на более значительное, более глобальное. На то, что, собственно говоря, будет венчать всё обучение – как высшее художественное образование. Со всеми вытекающими последствиями.

Говорят: кому много дано, с того очень много спросится.

Наверное, да. Мы и стараемся делать максимум. Но в любом деле главное требование и к себе и к другим: требуя, показывай на личном примере У нас все обучение в школе построена на личном примере. Поэтому, если ты говоришь своим педагогам – надо творчески работать, то ты обязан соответствовать сам этому и быть на уровне.

 

А способен художник- педагог, талантливый художник- педагог как Вы, как Ваши друзья художники, в школе, а теперь и в Академии за короткое время дать, передать практически 100% своего мастерства?

 

У нас всё обучение построено на том, чтобы «передать из рук в руки». У нас нет консультативной системы обучения. Она прямая. Причем, это будет в Академии по всем предметам. Это новые предметы, которых у нас не было. Та же керамика, витраж, мозаика – это всё будет передаваться. Педагог не будет отсылать своих студентов: вы почитайте, вы посмотрите, вы изучите. Педагог обязан поделиться со своими учениками тем опытом, который он имеет. Обязан. И эта обязанность заложена в нашей системе обучения в Академии. Именно обязанность педагога, потому, что никакой другой формы обучения быть не может.

Беседовал Валерий Голубцов

Познавательная статья про историю акварели

  1. Главная страница
  2. Статьи
  3. История акварели

К водорастворимым краскам относятся акварель, гуашь, акрил и даже темпера. Что касается акрила, то его жизнь в живописи пока еще не очень долгая, а вот акварель используется уже очень давно и имеет свою историю. Интересно наблюдать ее развитие с момента возникновения до классического периода британских акварелей, импрессионистов и современных художников.

Ранняя история: от пещер до гробниц и храмов

Можно сказать, что первые акварельные работы появились в пещерах Ласко и Альтамира. Многочисленные ее экземпляры присутствуют в разных культурах Востока и Запада. В пещере Ласко рисунки появились около 15 000 лет до нашей эры, а в Альтамире около 10 000 лет до нашей эры, что совпало с наступлением эпохи неолита.

В пещерной живописи наиболее распространенными темами являлись изображения крупных диких животных: зубров, бизонов и оленей. Используемые пигменты включали красную и желтую охру, гематит, оксид марганца и древесный уголь.

Древние египтяне наносили водорастворимыми красками рисунки на стены гробниц и храмов, а с помощью растения папируса они первыми стали производить и некоторое подобие современной бумаги, на которой потом и рисовали.

На их свитках сохранились рисунки, выполненные прозрачными красками. В качестве красок использовались различные минералы. Например, красный цвет давала киноварь, синий – лазурь, зеленый – малахит, и так далее. Так как пигменты соединялись с арабской камедью и яичными белками, после чего разбавлялись водой, можно сказать, что древние египтяне рисовали акварелью.

Известно также, что живопись существовала у древних этрусков и римлян.

Дальний и Средний Восток: ранние традиции

Тем не менее, именно на Дальнем и Среднем Востоке впервые появились акварельные техники, близкие к тем, которые используются сейчас. Китайские и японские художники писали акварелью на шелке и бумаге ручной работы. Некоторые работы выполнялись в качестве иллюстраций к литературным произведениям и сопровождались каллиграфическими текстами. Художники изображали, в основном, природу.

Непрозрачные краски впервые стали использоваться в Индии, Персии и некоторых других странах. Рисунки наносили на поверхности из овчины и тонкого пергамента, изготовленного из телячьей кожи. Примером такого исполнения работ является Келлская Книга, которую создали ирландские монахи в 800 году, и которая имеет множество иллюстраций.

Средневековые художники расписывали фрески. Это продолжалось и в эпоху Возрождения. Для росписи фресок пигменты смешивали с водой и наносили их на влажную штукатурку.

История бумажного производства и акварели

Следующий этап развития акварели зависел от развития европейской бумажной промышленности. С древних времен китайцы изготавливали бумагу, а исламские страны активно перенимали у них опыт. В итоге, арабы, изучив основы производства бумаги и привнеся ряд изменений, создали свой собственный продукт, который затем распространили по всему Западу.

В 1264 году в Италии заводы «Fabriano» стали выпускать специальную бумагу для акварели. Поверхность бумаги имела особую текстуру, которая могла выдержать множество слоев наложенной акварели. На «Fabriano» впервые создали и водяные знаки. В наши дни некоторые виды акварельной бумаги до сих пор производятся на этих заводах.

С 14 века акварельная бумага постепенно стала появляться во Франции, Германии и Швейцарии. А вот в Англии хорошую качественную бумагу не выпускали вплоть до 18 века.

Доступность бумаги привела к тому, что в 14-15 веках появилось очень много работ знаменитых художников, таких как Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Интересны работы и Альбрехта Дюрера, первого «настоящего» мастера акварели.

Немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471-1528) считается отцом современной акварельной живописи. Он первым освоил сложные акварельные техники. В 1494-95 годах он отправился в Италию, где познакомился с Джованни Беллини, у которого брал уроки пейзажной живописи. После того, как он вернулся через Альпы домой, он создал несколько примечательных работ, таких как «Альпийский пейзаж».

«Альпийский пейзаж» был написан в 1495 году. В нем видно, насколько хорошо художник тогда владел техникой послойного наложения краски. Многочисленные слои прозрачной акварели помогают создать атмосферу пространства. Такой живописи в те времена еще не было. Ее вообще не было до второй половины XIX века.

Другие работы Дюрера содержат много деталей. К ним относятся ботанические и зоологические работы.

В течение своей жизни Дюрер работал непосредственно с натуры и много писал животных акварелью и гуашью. Все работы художника свидетельствуют о его большой любви к животным и природе.

В то время как другие европейские художники того времени составляли цветовые замесы для своих картин, Дюрер экспериментировал с чистыми цветами. Это направление позже стало важным аспектом его живописи.

При исполнении акварелей животных, таких как «Заяц», Дюрер сначала выполнял основные формы, работая широкими, но тонкими слоями краски темных и светлых оттенков, после чего уже приступал к прописыванию деталей. В самом конце он гуашью накладывал несколько бликов.

Хотя Дюрер считается величайшим немецким акварелистом и гравером XVI века, мало кто знает, что он увлекался еще и масляной живописью. Правда, несмотря на его достижения в области акварели, последователей у него не нашлось, и после него художники писали только маслом.

В течение последующих почти 300 лет акварель использовалась лишь в качестве подмалевка при написании картин маслом, хотя при желании можно найти некоторые акварельные работы разных известных художников, выполненных в течение этого периода времени.

Энтони Ван Дейк (1599-1641), например, писал искусные акварельные пейзажи. Во время своего пребывания в Англии – с 1632 года и до своей смерти в 1641 году – он написал акварелью несколько пейзажей. Они использовались им при обучении учеников и в качестве подмалевка для картин, выполненных маслом.

Энтони ван Дейк впервые использовал полупрозрачные акварельные размывки. Он выполнял работы на черной бумаге, позволяя просвечивать ей через наносимые поверх слои краски. После него другие художники стали большее внимание уделять бумаге, понимая, что она тоже играет большую роль при создании картины.

Клод Лоррен (1600-1682) написал много больших пейзажей в Риме по заказу королей и духовенства.

Британский художник-пейзажист Джон Констебл писал, что Лоррен – лучший художник-пейзажист в мире. И это действительно так. Основным атрибутом его картин было смешение великолепия изображения с тишиной, цвета со свежестью, тени со светом.

Другой художник Николас Пуссен (1594-1665) работал так же, как и Лоррен, с натуры. Хотя в некоторых из его эскизов использовались только два цвета, иногда в сочетании с черным диапазон светлых и темных тонов давал более богатую палитру.

Пуссену приписывают изобретение того, что стало известно позднее как французский классицизм.

Изучая эволюцию акварели, важно упомянуть и голландского художника Рембрандта, который считал, что как раз акварелью он никогда и не работал, хотя он и выполнил сотни эскизов сепией. Благодаря этому он смог лучше подобрать в своих произведения цвет, объем, свет и тень.

Акварельная живопись — HiSoUR История культуры

Акварель — это метод окраски, в котором краски сделаны из пигментов, взвешенных в водном растворе. Акварель относится как к среде, так и к полученным изображениям. Акварели, окрашенные водорастворимыми цветными чернилами вместо современных акварелей, называются «aquarellum atramento» (латынь для «aquarelle made with ink»). Однако этот термин все больше и больше выходит из употребления.

Традиционный и наиболее распространенный материал-носитель, к которому применяется краска, — для акварельных картин — бумага. Другие опоры включают папирус, бумагу коры, пластмассы, веллум, кожу, ткань, дерево и холст. Акварельная бумага часто изготавливается полностью или частично из хлопка, что дает хорошую текстуру и минимизирует искажения при намокании. Акварели обычно полупрозрачны и кажутся светящимися, потому что пигменты закладываются в чистой форме с несколькими наполнителями, затеняющими цвета пигмента. Акварели также можно сделать непрозрачными, добавив китайский белый цвет.

В Восточная Азия , акварельная краска с чернилами называется кисточкой или прокруткой. На китайской, корейской и японской живописи она была доминирующей средой, часто в монохромных черных или коричневых. [Необходимость разъяснения] Индия, Эфиопия и другие страны имеют давние традиции акварельной живописи. Отпечатки пальцев с акварельными красками возникли на материке Китай ,

история
Акварельная живопись очень старая, датированная, возможно, пещерными картинами палеолита Европа , и был использован для иллюстрации рукописи, по крайней мере, в египетские времена, но особенно в европейском средневековье. Однако его непрерывная история как художественная среда начинается с Возрождения. Немецкий художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер (1471-1528), который нарисовал несколько прекрасных ботанических, диких животных и пейзажных акварелей, обычно считается одним из самых ранних экспонентов акварели. Важная школа акварельной живописи в Германия возглавлял Ханс Бол (1534-1593) в рамках эпохи Возрождения Дюрера.

Несмотря на это раннее начало, акварели обычно использовались барабанскими станковыми художниками только для эскизов, копий или мультфильмов (полномасштабные чертежи). Известными ранними практиками акварельной живописи были Ван Дейк (во время его пребывания в Англия ), Клод Лоррейн, Джованни Бенедетто Кастильоне и многие голландские и фламандские художники. Тем не менее, ботанические иллюстрации и иллюстрации живой природы, возможно, образуют самые старые и самые важные традиции в акварельной живописи. Ботанические иллюстрации стали популярными в эпоху Возрождения, как в ручных тонах с деревянными блоками в книгах или в широкоформатных листах, так и в виде тонированных чернильных рисунков на веллуме или бумаге. Ботанические художники традиционно были одними из самых требовательных и совершенных акварельных художников, и даже сегодня акварели с их уникальной способностью суммировать, уточнять и идеализировать в полном цвете — используются для иллюстрации научных и музейных публикаций. Иллюстрации дикой природы достигли своего пика в XIX веке с такими артистами, как Джон Джеймс Одубон, и сегодня многие натуралисты-гиды по-прежнему иллюстрируются акварельными картинами.

Школа английского языка
Несколько факторов способствовали распространению акварельной живописи в XVIII веке, особенно в Англия , Среди элитных и аристократических классов акварельная живопись была одним из случайных украшений хорошего образования; кардмейкеры, военные офицеры и инженеры использовали его для своей полезности при отображении свойств, ландшафта, укреплений, полевой геологии и для иллюстрации общественных работ или проектов с заказом. Акварельные художники обычно привозились с геологическими или археологическими экспедициями, финансируемыми обществом Дилеттанти (основан в 1733 году), чтобы документировать открытия в Средиземноморье, Азии и Новый мир , Эти экспедиции стимулировали спрос на топографических живописцев, которые произвели надпись на знаменитых сайтах (и достопримечательностях) вдоль Гранд-тура на Италия который был предпринят каждым модным молодым человеком того времени.

В конце 18 века английский клирик Уильям Гилпин написал серию чрезвычайно популярных книг, описывающих его живописные путешествия по сельской местности Англия , и иллюстрировал их самодельными сентиментализованными монохромными акварелями речных долин, древних замков и заброшенных церквей. Этот пример популяризировал акварели как форму личного туристического журнала. Слияние этих культурных, инженерных, научных, туристических и любительских интересов привело к празднованию и продвижению акварели как явно английского «национального искусства». Уильям Блейк опубликовал несколько книг ручной тонированной выгравированной поэзии, представил иллюстрации к Данте в Inferno, а также экспериментировал с крупными монотипическими работами в акварели. Среди многих других значительных акварелистов этого периода были Томас Гейнсборо, Джон Роберт Козенс, Фрэнсис Таун, Майкл Анджело Рукер, Уильям Парс, Томас Херн и Джон Уорик Смит.

С конца 18-го по 19-й век рынок печатных книг и отечественного искусства в значительной степени способствовал росту среды. Акварели были использованы в качестве основного документа, из которого были изготовлены коллекционные ландшафты или туристические гравюры, а оригинальные акварельные оригиналы ручной работы или копии известных картин способствовали многим художественным портфолио высшего класса. Сатирические широты Томаса Роулендсона, многие из которых были опубликованы Рудольфом Акерманном, также были чрезвычайно популярны.

Три англичанина, которым приписывают создание акварели в качестве независимого зрелого живописного носителя, — Пол Сандби (1730-1809), которого часто называют «отцом английской акварели»; Томас Гиртин (1775-1802), который впервые использовал его для крупноформатной романтической или живописной пейзажной живописи; и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851), который принес акварельную живопись на высочайший уровень власти и изысканности и создал сотни великолепных исторических, топографических, архитектурных и мифологических картин акварелей. Его метод разработки акварельной живописи поэтапно, начиная с больших, нечетких цветовых областей, установленных на влажной бумаге, затем улучшал изображение с помощью последовательности стирок и глазурей, позволял ему производить большое количество картин с «эффектом мастерства» и делал его мультимиллионером, частично по продажам из своей личной художественной галереи, первой в своем роде. Среди важных и талантливых современников Тернера и Гиртина были Джон Варли, Джон Продай Котман, Энтони Копли Филдинг, Сэмюэл Палмер, Уильям Хавелл и Самуэль Прут. Швейцарский художник Абрахам-Луи-Родольф Дюкрос также широко известен своим большим форматом, романтическими картинами в акварели.

Слияние любительской деятельности, издательских рынков, коллекционирования произведений среднего класса и техники 19-го века привело к созданию английских акварельных обществ: Общества художников в водных цветах (1804, ныне известного как Королевское акварельное общество) и Нового Water Color Society (1832, ныне известный как Королевский институт художников в водных цветах). (Шотландское общество художников в водном цвете было основано в 1878 году, теперь известное как Королевское шотландское общество художников в акварели.) Эти общества ежегодно проводили выставки и рефералы покупателей для многих художников. Они также занимались мелким статусом соперничества и эстетическими дебатами, особенно между сторонниками традиционной («прозрачной») акварели и ранними последователями более плотного цвета, возможного с цветом тела или гуашью («непрозрачная» акварель). Позднее грузинское и викторианское периоды произвели зенит британской акварели, среди самых впечатляющих работ 19-го века на бумаге, благодаря художникам Тернеру, Варли, Коттэну, Дэвиду Коксу, Питеру де Винту, Уильяму Генри Ханту, Джону Фредерику Льюису, Майлсу Биркет Фостер, Фредерик Уокер, Томас Коллиер, Артур Мелвилл и многие другие. В частности, изящные, лапидарные и атмосферные акварели («жанровые картины») Ричарда Паркса Бонингтона создали международную причуду для акварельной живописи, особенно в Англия а также Франция в 1820-х годах.

Популярность акварелей стимулировала многие нововведения, в том числе более тяжелые и более крупные бумажные бумаги и кисти (так называемые «карандаши»), специально предназначенные для акварели. Акварельные учебники впервые были опубликованы в этот период Варли, Коксом и другими, установив пошаговые инструкции по рисованию, которые по-прежнему характеризуют жанр сегодня; «Элементы рисования», акварельный художественный совет английского искусствоведа Джона Раскина, не был напечатан только один раз, так как он был впервые опубликован в 1857 году. Были проданы коммерческие марки акварели, а краски были упакованы в металлические трубы или в виде сухих тортов, которые могли бы быть «вытирают» (растворяют) в студийном фарфоре или используют в переносных металлических красках в поле. Современные прорывы в химии позволили получить много новых пигментов, в том числе прусский синий, ультрамариновый синий, кобальтовый синий, виридиан, кобальтовый фиолетовый, желтый кадмий, ауреолин (кобальтинитрит калия), цинковый белый и широкий спектр карминовых и мареных озер. Эти пигменты, в свою очередь, стимулировали большее использование цвета со всеми лакокрасочными материалами, но в английских акварели, особенно Братством Прерафаэлитов.

Соединенные Штаты

Джон Сингер Сарджент, белые корабли. Brooklyn музей
Акварельная живопись также стала популярной в Соединенные Штаты в течение 19-го века; Среди выдающихся ранних практикующих был Джон Джеймс Одубон, а также ранний река Гудзон Школа таких как Уильям Х. Бартлетт и Джордж Харви. К середине века влияние Джона Раскина привело к увеличению интереса к акварели, особенно к использованию детального «рускинского» стиля такими художниками, как Джон У. Хилл Генри, Уильям Трост Ричардс, Родерик Ньюман и Фиделия Мосты , Американское общество художников в акварели (ныне Американское акварельное общество) было основано в 1866 году. Американскими экспонентами среды конца XIX века были Томас Моран, Томас Икинс, Джон ЛаФардж, Джон Сингер Сарджент, Чайлд Хассам и, Уинслоу Гомер.

Европа
Акварель была менее популярна в континентальной Европе. В 18 веке гуашь была важным средством для итальянских художников Марко Риччи и Франческо Зуккарелли, чьи пейзажные картины были широко собраны. Гуашь использовалась рядом художников во Франции. В XIX веке влияние английской школы помогло популяризировать «прозрачную» акварель в Франция , и он стал важным средством для Эжен Делакруа, Франсуа Мариуса Гране, Анри-Джозефа Харпиньеса и сатириста Оноре Домье. Другие европейские художники, которые часто работали в акварели, были Адольф Мензель в Германия и Станислав Масловский в Польша ,

К сожалению, неосторожное и чрезмерное принятие ярко окрашенных нефтеносных анилин-красителей (и пигментов, усугубляемых ими), которые все быстро исчезают при воздействии света, а также усилия по правильному сохранению двадцать тысяч картин Дж. В. Тернера, унаследованных Британским музеем в 1857 году, привело к экспертизе и отрицательной переоценке стойкости пигментов в аквареле. Это привело к резкому снижению их статуса и рыночной стоимости. Тем не менее, изолированные практикующие продолжали предпочитать и развивать среду в XX веке. Великолепные пейзажные и морские акварели были сделаны Полом Сикьяком, а Пол Сезанн разработал стиль акварельной живописи, состоящий полностью из перекрывающихся небольших глазурей чистого цвета.

20 и 21 век
Среди многих художников 20-го века, которые произвели важные работы в акварели, следует упомянуть Василию Кандинскому, Эмилю Нольде, Полю Кле, Эгону Шиле и Раулю Дюфи. В Америка , основными экспонентами были Чарльз Берчфилд, Эдвард Хоппер, Джорджия О’Киффе, Чарльз Демут и Джон Марин (80% его общей работы — акварель). В этот период американская акварельная живопись часто имитировала европейский импрессионизм и пост-импрессионизм, но значительный индивидуализм процветал в «региональных» стилях акварельной живописи с 1920-х по 1940-е годы. В частности, Кливленд Школа » или » Огайо Школа «художников, сосредоточенных вокруг Кливлендского художественного музея, а художники из Калифорнийской сцены часто ассоциировались с Голливуд анимационные студии или Художественный институт Chouinard (ныне Калифорнийский институт искусств). Калифорния художники использовали разнообразную географию своего государства, средиземноморский климат и «автомобильность», чтобы оживить традицию наружного или «пленэра». Самыми влиятельными среди них были Фил Дайк, Миллард Лист, Рекс Брандт, Донг Кингман и Милфорд Зорнес. Калифорнийское общество акварели, основанное в 1921 году и позднее переименованное в Национальное акварельное общество, спонсировало важные выставки своей работы.

Хотя рост абстрактного экспрессионизма и тривиальное влияние художников-любителей, а также стилей живописи, ориентированных на рекламу или мастерскую, привели к временному снижению популярности акварельной живописи после c. 1950, акварели продолжают использоваться такими художниками, как Марта Берчфилд, Джозеф Раффаэль, Эндрю Уайет, Филипп Перлстайн, Эрик Фишль, Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и Франческо Клементе. В Испания , Ceferí Olivé создал инновационный стиль, за которым следовали его ученики, такие как Рафаэль Алонсо Лопес-Монтеро и Франческ Торне Гавальда. В Мексика , основными экспонентами являются Игнасио Барриос, Эдгардо Коглан, Анхель Мауро, Висенте Мендиола и Пастор Веласкес. в Канарские острова , где в этой живописной технике много последователей, есть такие выдающиеся артисты, как Франсиско Боннис Гурин, Хосе Комас Кесада и Альберто Манрике.

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Акварельная природа, увиденная в воображении — Инесе Пога

До того, как ужасная жара стала проблемой, мы рисовали акварелью природу на открытом воздухе. Я всегда выбираю самое простое решение, когда оно есть, поэтому мы не использовали никакой маскирующей жидкости или каких-либо других дополнительных средств для улучшения акварели. Самая простая техника работы с акварелью — закрашивание частей, которые вы хотите оставить светлыми. В некоторых местах это было очень сложно, несмотря на большой размер бумаги. Скажем так, я добавлял элемент каждый раз, когда кто-то спрашивал, как покрасить ту или иную деталь.

Сейчас занятия не похожи на уроки рисования, которые были у нас еще 10 лет назад, когда я начинал со свойств и выбора цвета, особенностей кистей, приемов работы с этой конкретной кистью, приемов добавления заливок, лессировок и деталей. Я имею в виду, я бы убедился, что мой ученик хотя бы немного знает о средстве, его применении и важных аспектах живописи. Сдвиг произошел в сторону очень быстрых картин — чем быстрее, тем лучше. Хотя, я не пытаюсь втиснуться в невозможные шаги, все равно на все нужно время.

Деревья ручья на каменистом фоне

Студенты перепрыгивают от ничего не зная к попытке нарисовать что-то великое. Это то, что я сказал девушке, которая посещала несколько уроков рисования на природе: чтобы научиться правильно и автоматически пользоваться кистью и краской, требуются годы, а не часы. Наш мозг устроен таким образом, что не позволяет автоматически делать то, что не отрепетировано уже много раз. К этому нужно добавить новизну конкретной техники и психологическое отношение к быстрому обучению.В целом обучение искусству стало деятельностью, когда человек изучает и сразу же применяет новый навык. Я имею в виду, что они не знали о его существовании до урока. Чаще всего это не приведет к чему-то великому, учитывая то, что я сказал ранее.

Поскольку все мы с чего-то начинали, для новичка подойдет любая сцена. Это просто для того, чтобы потенциальный участник судил о ценности класса по изображению, которое я нарисовал. Это абсурдный способ получить доступ к предстоящей задаче, потому что я знаю, что делаю, и я могу нарисовать что угодно без проблем, особенно когда эскиз нарисован мной. Я знаю, как заставить части живописи работать или как улучшить их, если они не работают. Учащиеся воспринимают каждое нанесение кисти как окончательное, что никоим образом не является таковым. Мы, конечно, много работали, и из-за условий на улице у меня нет всех шагов на фотографиях. Я, наконец, начал создавать загружаемые материалы, и шаги будут доступны.

Прежде чем мы начнем рисовать, мы должны изучить наши инструменты: акварельную бумагу, набор красок, кисти, все. Мы не можем создать хорошую картину, если не знаем, какие цвета у нас есть и как они действуют на бумагу.То же и с сочетаниями цветов, вроде жженой охры плюс любой темно-синий, но особенно французский ультрамарин и берлинская лазурь, как на этих картинах. Нам нужно знать, что делает наша бумага, когда она мокрая. Одна бумага, которую я использовал для демонстрации, совершенно не принимала краску. Позже я узнал; это был Фабриано. Я избегаю использования каких-либо бумаг Fabriano, так как мой опыт с ними был ужасен. Это тоже не Arches, а Strathmore 400 серии.

Скалистый ручей, 24 x 18 дюймов или 61 x 46 см, акварель

Я надеюсь, что мы сможем обрести больше уверенности и в большей степени доверять себе.Это абсолютно необходимо при рисовании и живописи. Никто не заботится о том, правильно вы это сделаете или нет, если вы довольны результатом. Конечно, это выглядело бы лучше и чище, если бы я замаскировал все крошечные области, но я в порядке и без слишком большого количества деталей. Если бы это была бумага Arches, смывка на больших частях определенно выглядела бы лучше. Тем не менее, арт-класс — это не моя личная сессия рисования. Есть много перерывов и много раз, когда мне приходится повторять какую-то часть снова и снова.

Деревья на холме, 24 x 18 дюймов или 61 x 46 см, акварель

Как вы, возможно, знаете, акварель требует идеального момента.Это может быть проблемой на открытом воздухе при более высоких температурах, когда бумага сохнет слишком быстро. Я не настолько дотошный, чтобы не рисовать только потому, что что-то вокруг не так. Я также использую только 1 кисть номер 14 практически для всей картины. У него очень хороший наконечник, но из-за частого использования он начинает изнашиваться. Что ж, пора приступать к поиску сменных щеток.

Второй вариант на другой бумаге, 24 х 18 дюймов или 61 х 46 см акварель

Я использую петербургские акварельные краски, потому что они всегда были моими любимыми.Когда мне было лет 10 или около того, то есть чуть больше полувека назад, я зашел к соседу. Сдали комнату художнику. Она была великолепна в акварели. Я заметил большую коробку с красками на столе, и цвета в ней выглядели такими фантастическими, совсем не похожими на мои маленькие студенческие краски, которые у меня были. Итак, я спросил: что это за краски? Ее живопись была чрезвычайно яркой, буквально живой. Она сказала: Ленинградские акварели. В те времена это был еще Ленинград, только позже он превратился в Санкт-Петербург.Первые акварельные краски в Санкт-Петербурге у меня появились около 20 лет назад, и с тех пор я ими пользуюсь.

большой и впечатляющий, а также множество абстрактных областей.

Надеюсь, вам понравились новые большие картины, созданные на основе моих демонстраций.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

Рисование на открытом воздухе акварелью и/или маслом

Синди Барон, «Золотой Колорадо», масло, 8 x 10 дюймов, пленэр

Синди Барон

Будучи двойным художником, работающим как акварелью, так и маслом, я хотел бы поделиться с вами тем, как и почему я выбираю, какой техникой рисовать, когда дело доходит до пленэрных мероприятий.У обоих есть свои плюсы и минусы для путешествий, но это требует много размышлений и планирования, и в конечном итоге пейзаж определит мою палитру для меня. Мне нравится работать в обеих средах, поэтому трудно выбрать любимую; они оба как мои дети, каждый нуждается в особом внимании. Я работаю акварелью более 30 лет и маслом около 15 лет, но начал свою карьеру с пастели. Работа во всех этих средах дала мне много экспериментов, радости, разочарования и знаний, которыми я надеюсь поделиться со всеми вами.

Синди Барон, «Miles to Go», акварель, 8 x 16 дюймов, написана на пленэре для Laguna Plein Air Invitational и получила награду за акварель

Путешествие и рисование акварелью

Когда дело доходит до путешествий, особенно международных, проще всего акварелью. В основном из-за воды легко не беспокоиться о поиске растворителей, когда вы пересекаете океан. Также есть удобство бумаги, размер тюбика с краской и, при необходимости, вы можете превратить свои колени или землю в мольберт.Когда вы путешествуете с акварелью, требуется меньше снаряжения. Также мои техники и стиль рисования позволяют мне быть более экспериментальной и спонтанной, когда дело доходит до рисования природы. Я люблю накладывать цвета, работать мокрым по мокрому и заставлять каждый цвет работать естественно, как задумано природой.

Синди Бэрон, «Род-Айленд», 8 x 12 дюймов, масляная краска для фильма «Где мир»

Преимущество использования масла для рисования на открытом воздухе

Бывают случаи, когда для рисования природы просто необходимо использовать масло. Когда я иду в горы, я люблю брать масла, потому что у меня так много свободы, чтобы работать со средой, стирать и начинать заново. Очень важно правильно передать атмосферу и дизайн, чтобы получить отсылки к студийным работам. На соревнованиях масла были проще по простой причине подкрашивания и ограничений по времени.

Другие материалы для окраски на открытом воздухе

Еще одна мысль, когда я выбираю материал для написания пейзажа, это климат. Некоторым видам требуется яркое богатство, которое может изобразить масло.Я рисовал обеими средами в Гранд-Каньоне, я люблю рисовать, поэтому акварель и мои техники смешивания идеально подходят. Моя акварельная палитра красных цветов делает его захватывающим, и я действительно танцую счастливый танец.

В Титонах я взял все три моих медиума. Я взял свои пастели зимой, что позволило мне использовать их в машине, когда на улице было слишком холодно для рисования. Я предпочитаю масло, когда иду в горы, в основном из-за атмосферы, которая более засушливая, а на высоте акварель сохнет слишком быстро для моего стиля. Я нарисовал Калифорнию обоими материалами, а когда участвовал в LPAPA, я выбрал акварель, в основном из-за рисунка, а цвета прибрежной атмосферы подходят для моей палитры, а ограничение по времени для создания готовой картины помогает в моем решении. Это не означает, что вы не можете использовать выбранный вами материал, где бы вы ни решили рисовать, просто будьте тронуты своим выбором и получайте удовольствие.

Итак, я дал вам много пищи для размышлений, если вы тоже рисуете в нескольких средах. Я чувствую страсть к обоим.Когда я вижу прекрасно выполненную акварель в музее или галерее, мне не терпится вернуться в свою студию и взять кисть и краски. То же самое относится и к маслам. Масла обладают богатством и яркостью, которые заставляют вас вечно сидеть перед мольбертом.

Синди Бэрон, «Этюд танца на воде», масло, пленэрСинди Барон, «Танец на воде», акварель, 26 x 18 дюймов, Studio

Моя любовь к обеим средам также может быть работой жонглирования. Было бы здорово брать оба в поездки, а иногда и я, но лучше всего уделить все свое внимание области в одном носителе, так как это позволит вам позже делать более крупные студийные работы для галерей. Мои акварели стали картинами маслом, и обратное тоже было сделано маслом.

У вас есть предпочтения? Расскажите нам об этом в разделе комментариев ниже.

Об авторе: Синди Бэрон известна на национальном уровне как акварелью, так и маслом, рисуя грандиозные пейзажи запада и прибрежных берегов. Она родилась и выросла в Индиане, жила по всей стране и сейчас проживает в Род-Айленде, где работает художником и инструктором на полную ставку.


Нравится? Нажмите здесь, чтобы подписаться на PleinAir Today,
от издателей журнала PleinAir .

Акварельный холст | Джон Ловетт Художник

 

 

 

Холст традиционно был предпочтительной подложкой для масляных и акриловых картин, но новые впитывающие составы Gesso теперь сделали его также подходящим для акварели.
Доступны коммерческие акварельные холсты, или на обычный загрунтованный холст можно нанести несколько слоев акварельного левкаса, если вы хотите рисовать на нем акварелью.

 

Это полотно натянуто на раму размером 70×25 мм, и в него вставлены пластиковые клинья, чтобы натянуть его, если он провисает.

Эта небольшая картина была написана на имеющемся в продаже акварельном холсте Фредрикса, натянутом на подрамник размером 25×50 мм.

Холст отличается от бумаги для рисования. Краска имеет тенденцию оставаться на поверхности и легко смывается.Просто нужно немного привыкнуть. После того, как картина закончена, поверхность покрывается прозрачным акриловым лаком.

 

Преимуществом работы на этом типе поверхности является возможность совмещать акварель, гуашь, акрил и тушь, после чего не приходится защищать готовую работу стеклом. Это также позволяет вам работать настолько масштабно, насколько вы пожелаете.

 

Акварельный холст имеет очень тонкую текстуру, хорошо подходящую для тонкой природы акварели.

Fredrix Canvas изготовили акварельный холст, который дает возможность работать в больших масштабах, без необходимости защищать готовую картину под стеклом. Такую же свободу предлагает ряд производителей Gesso, предназначенных для работы с акварелью.

 

Несколько слоев акварельного левкаса на обычном загрунтованном холсте образуют великолепную крупномасштабную поверхность для рисования.

Golden Paints «Absorbent Ground», Daniel Smith «Gold Gesso», Art Boards «Superior Quality Panel Gesso» и Schmincke «AQUA Primer Fine» — все это Gesso, смешанные для впитывания акварельной краски.


Технику работы с акварелью на холсте нужно корректировать, так же, как при переходе от знакомой бумаги к неиспробованной.


Поверхности холста не обладают такой впитывающей способностью, как бумага, из-за чего пигмент остается на поверхности. Это означает, что создавать размытия сложнее, чем на бумаге.

 

Скорость и деликатность необходимы, чтобы не повредить основную краску. Эта функция становится преимуществом, когда вы хотите удалить пигмент.Тона можно осветлить, сняв их, и, при необходимости, снова вернуть к чистому белому цвету.


Большим преимуществом перед бумагой является то, что после нанесения подходящего лака картина не требует стекла. Сначала я наношу пакет матового лака, а затем наношу несколько слоев акрилового сатинового лака, который усиливает темные оттенки и слегка насыщает цвета. Картина заканчивается прочным, непроницаемым покрытием.

 

Лепесток, восприимчивый к акварели, доступен у ряда производителей в контейнерах различных размеров.

Watercolor Gesso легко наносится и при высыхании образует мелоподобный гипсовый оттенок. Его можно наносить грубо, чтобы оставить матовую текстуру, чтобы смывка могла осесть, или отшлифовать и нанести кистью из хека для получения гладкой, плоской поверхности.

 

 

Вы можете видеть чуть более тонкие края на бумаге, но Gesso и Canvas снимаются чище.

 

На этой картине акварель была нанесена на натянутый акварельный холст, затем обработана тушью, левкасом, а затем акварелью.Тона можно было отрегулировать, протирая и смывая, а затем снова наращивая без какого-либо повреждения поверхности.

 

 

 

Акварельный холст был использован здесь, чтобы поэкспериментировать с размывками белой гуаши, чтобы создать области света. Холст вел себя так же, как бумага, за исключением того, что края было немного сложнее контролировать. На самом деле это не было проблемой, просто вопрос привыкания к другой поверхности.

Для меня большим преимуществом по сравнению с традиционной акварельной бумагой является то, что размер больше не ограничен, и после нанесения акрилового лака или покрытия восковым лаком нет необходимости в стекле для защиты поверхности.

 

См. «Малярные лаки» для получения информации о защите этих работ.

Автор: Джон Ловетт

Акварель в лесу: руководство для начинающих по рисованию природы | Розали Хейзлетт

Стенограммы

1. Добро пожаловать в мой класс!: Привет, меня зовут Розали, я иллюстратор, специализирующийся на мире природы. Акварель — один из основных инструментов, которые я использую в своей работе.Я путешествовал повсюду, изображая пейзажи, растения и животных, с которыми сталкивался. Но сегодня мы находимся в моем любимом месте на земле — на ферме моей семьи в Аппалачах, где я вырос. Если вы чем-то похожи на меня, вам нравится проводить много свободного времени на свежем воздухе, и изучение некоторых базовых навыков рисования и рисования является отличным дополнением к этому, потому что вы можете делать крутые снимки, когда находитесь в походе, возвращая их обратно. в свой дом, а затем создайте этот постоянный сувенир о тех временах, которые вы провели на улице. Это также весело, потому что позволяет вам более глубоко соединиться с вещами, которые вы видите на открытом воздухе. В этом курсе мы собираемся превратить вдохновение, которое мы находим на открытом воздухе, в акварельную живопись. Я собираюсь провести вас через все. Он полностью удобен для начинающих. Даже если вы никогда раньше не прикасались к акварели, не бойтесь. Мы собираемся рассказать, как сделать хороший эталонный снимок, когда вы в походе. Как набросать эту ссылку на страницу, Как найти нужные материалы, которые не опустошат банк, но при этом принесут вам пользу.Как смешивать цвета, чтобы они соответствовали тому, что вы видите на объекте, и создавать слои, детали, все, что вам нужно знать, чтобы создать крутую картину, которой вы будете гордиться. Вы можете рисовать с референсной фотографии, которую вы сделали, или вы можете скачать одну из сделанных мной фотографий, с которых я действительно буду рисовать в этом курсе, если вы хотите следовать шаг за шагом, это тоже нормально. Я так рада, что ты здесь и что тебе интересно акварель. Сделайте себе уютный напиток, и давайте начнем.2. Сбор материалов. Давайте поговорим о материалах, которые вам понадобятся для создания акварельной картины. Удивительная вещь в акварели заключается в том, что это действительно недорогие первоначальные затраты для начала работы, особенно по сравнению с маслом, акрилом или другими материалами для рисования. В конечном итоге вы можете потратить около 18 долларов за трубку, и это складывается. Акварель действительно недорогая, и вам на самом деле не нужны супер качественные материалы, чтобы создать действительно хорошую картину. Практически все, что вам нужно, это карандаш для рисования…здесь. Вы можете использовать механический карандаш или обычный карандаш для рисования, это не имеет большого значения. Вам понадобится несколько кистей. Обычно я использую четыре кисти. У меня есть один ход, это три четверти дюйма, а у меня есть один ход на полдюйма. Затем у меня есть шесть раундов, а это два раунда. Они не обязательно должны быть точно такого же размера или формы, но это только те, которые мне нравятся. Я думаю, что вам нужно знать о кистях, что если волосы выпадают, когда вы рисуете, это слишком дешевая кисть.Вы не хотите этого, и вы хотите, чтобы он держал свою форму. Другим инструментом, который очень удобно иметь для этого процесса, является ручка Micron или ручка с перманентным тонким наконечником Sharpie. Неважно, что это за бренд, но что-то с действительно тонким наконечником и постоянным, потому что вы хотите, чтобы, если вы добавите ручку, когда вы добавите воду сверху, она не размазалась так сильно. Далее вам понадобится ластик. Неважно, какой у вас ластик, в основном они делают одно и то же. Я использую оба из них. Что в этом хорошего, так это то, что он называется ластик-замешивание, и если вы разомнете его в руках, он станет более податливым.Это хорошо, потому что, если вы сделали действительно тяжелый набросок и хотите просто облегчить его, вы можете просто кляксу. А вот с этим сделать это немного сложнее. Но любой из них будет работать. Акварель на самом деле существует в нескольких различных формах, поэтому она может поставляться в этих тюбиках, и они, опять же, довольно недорогие. Это краски Виндзор и Ньютон, или вы можете взять акварель в кюветах. Это акварели под названием Hushwing Watercolors, которые сделала моя подруга Кирстен, они действительно забавны, особенно для землистых тонов.Тогда это всего лишь дешевый дорожный набор за 25 долларов из акварельных красок Windsor и Newton. Это здорово, если вы действительно хотите рисовать акварелью в походе, или на самом деле я просто использую их для всего, потому что они очень удобны. Когда вы закончите, вы просто закроете крышку, и вам не придется убирать беспорядок. Затем, что касается поддонов, если вы используете акварельные краски в тюбиках, вам понадобится место, куда вы будете распылять краску. Я использую в основном этот забавный керамический, который сделал другой человек, которого я знаю. Но вы также можете использовать один из них, и они стоят около 0 долларов. 50 в любом художественном магазине или вы можете использовать крышку или что-то в этом роде. Затем иногда мне нравится включать другие забавные материалы. Например, это чернила ручной работы из черного ореха, которые я сделал из деревьев, которые растут прямо на ферме. Это забавно, потому что у него просто есть много разных коричневых оттенков, которые можно создать, чтобы получить действительно насыщенные тона. Последней вещью были бы бумажные полотенца, я их спрятал, потому что они уродливые. Но вы можете использовать бумажное полотенце, если вам нужно наметить какие-либо ошибки. Хорошо иметь их под рукой, а потом просто любую чашку с обычной водой.Это почти все, что я использую для всего, что я делаю. Это широко открыто, даже если у вас просто есть набор Crayola в вашем доме, когда вам было четыре года, вы можете полностью использовать его, и это действительно не будет иметь большого значения. Суть в том, чтобы потратить время на то, чтобы развить свои навыки работы с акварелью, а не в том, чтобы иметь правильный инструмент или правильный бренд. Это действительно не так уж важно. Я пользуюсь довольно дешевыми кистями, и они мне отлично подходят. Это пара вещей, которые следует учитывать, но не тратьте руки и ноги, пытаясь подготовиться к этому курсу.3. Делаем референсное фото. Каждый раз, когда я выхожу на улицу, даже если это просто прогулка по улице или в парк, я внимательно ищу интересные вещи, из которых, как мне кажется, получилась бы крутая картина. Если я что-то найду, даже если у меня нет времени, чтобы сесть и набросать картину на месте и в моем альбоме для рисования, я сделаю несколько хороших референсных фотографий просто на свой телефон. Мой первый совет — убедитесь, что вы сосредоточены на самом предмете. Я не могу сказать вам, сколько раз я был в походе, и я нашел что-то действительно классное, сделал быстрый снимок, а затем я иду домой и смотрю на фотографию, и фокус был на чем-то другом, например, на странном маленьком листе и эта сторона находится в фокусе.Во-вторых, позаботьтесь о хорошем освещении. Если солнце восходит позади объекта, оно будет освещено сзади и будет больше похоже на силуэт. Вы хотите убедиться, что если вы сможете наклонить свое тело или объект к солнцу, то это будет лучше освещенная картина, и это облегчит ваш процесс рисования в будущем. Затем последний шаг — просто сделать несколько фотографий с разных ракурсов, чтобы вы могли лучше понять объект, и они могут пригодиться, когда вы рисуете позже.4. Карандашный набросок. Для этой картины я ссылаюсь на фотографию, которую я сделал в Национальном лесу Джорджа Вашингтона в Вирджинии, на великолепном фиолетовом грибе, на котором много действительно крутых капель дождя, и вы можете либо используйте эту фотографию, я собираюсь загрузить ее, или вы можете сделать свою собственную контрольную фотографию, и все эти навыки пересекаются, поэтому вам не нужно следовать за вами, вы можете заниматься своими делами, если хотите. Теперь мне нужно перенести это на большой экран, иначе я мог бы рисовать с телефона.Это тоже хорошо. Это приятно, потому что вы можете увеличить все детали, и, если вам так удобнее, я часто просто рисую с телефона, что очень приятно. Или вы можете отправить его по электронной почте или сбросить с помощью Airdrop на другое устройство, ноутбук или iPad. У меня есть этот большой iPad только для рисования. Я могу положить его прямо рядом со своей страницей, и это действительно легко увидеть все детали, и это действительно весело, потому что вы можете очень сильно увеличить масштаб и получить все эти детали. Именно так я делаю множество картин, в которых много деталей.У меня есть прием, который я называю трюком с карандашом, и он помогает мне получить правильные пропорции, когда я выкладываю свой набросок. Я воспользуюсь своим карандашом, или, если у вас есть линейка или что-то прямое, это тоже сработает. Для трюка с карандашом мы возьмем наш карандаш, и я положу его прямо на экран, а затем я пойду и положу карандаш горизонтально и выровняю левую сторону карандаша с левая часть моей ссылки. Я перенесу большой палец на правую сторону. Я принесу это сюда.Я использую свой палец, чтобы попытаться измерить верх и низ, я выровняю их, а затем перенесу это в центр своей страницы. Я просто продолжу использовать свои пальцы, чтобы очень приблизительно понять, насколько велик мой объект. Поначалу это может выглядеть так: «Что, черт возьми, она делает?» Но через некоторое время это становится действительно легко, и вы можете использовать его, чтобы просто убедиться, что вы не растягиваете свой объект, потому что тогда я знаю, что это грубая область, в которой мне нужно нарисовать свой объект.Если я хочу сделать его немного больше, в этом случае я хочу сделать его немного больше, чем эта область, чтобы заполнить страницу, поэтому я могу просто добавить одинаковое количество места со всех сторон. Тогда это станет моим пространством, в котором я буду рисовать. Затем я собираюсь просто медленно разбить это на разные формы, которые помогут мне понять мой предмет. Я сразу вижу, что эта кепка представляет собой полукруг, поэтому я собираюсь войти и просто очень легко нарисую полукруг. Затем я замечаю, что стержень изгибается вправо в нижней части, что он выходит немного правее центра, когда выходит из-под колпачка. Я собираюсь сделать это изогнутым внутрь и наружу. Это основная форма этого гриба, и она великолепна, потому что очень проста. Затем я возьму свой резиновый ластик или обычный ластик, неважно, и избавлюсь от всех лишних линий, которые мне не нужны. Что-то странное происходит с акварелью: как только вы наносите немного воды поверх графита, она запечатывает ее на странице, и вы не можете ее стереть. Если я положу это сюда, даже если это будет просто вода, она не будет иметь никакого цвета.Если я позволю этому высохнуть, я попытаюсь стереть его, и он не появится, вода запечатывает его. Мы хотим убедиться, что у нас есть только те эскизы, которые нам действительно нужны, иначе они просто загрязнятся. из графита. 5. Подготовка вашей палитры: я собираюсь начать с моих тюбиковых акварелей и помещать их в палитру, а также немного поговорить с вами о том, как работает акварель. Если вы знакомы с акриловыми красками, вы знаете, что вы можете использовать белый цвет, и он сразу осветлит цвет, или вы можете использовать белый цвет, чтобы исправить ошибки. С акварелью все по-другому, потому что, хотя некоторые наборы содержат белую краску, они мало что дают, они просто меловые, поэтому я просто избавляюсь от белых из своих наборов, избавляюсь от черных и Причина этого в том, что часто, если вы используете черный цвет, он сгладит всю картину, потому что даже теневые области имеют много размеров и цветов, отражающихся там. Если вы избавитесь от черного, то сможете создать замену, используя самый темный синий и самый темный коричневый.Это действительно хорошо, потому что здесь все еще есть намек на окраску, но вы можете получить очень, очень темные оттенки. У меня здесь нет ни черного, ни белого. Вот некоторые из цветов, которые я использую, но, как я уже сказал, я довольно небрежно отношусь к своим цветам, я просто использую то, что у меня есть на данный момент. Когда вы начнете настраивать свою палитру, вы захотите использовать крошечную ложку, потому что акварель проходит очень долгий путь, тогда как с другими материалами для рисования, такими как масло или акрил, вы в конечном итоге будете использовать тонны и тонны. .Я мог бы сделать несколько картин, используя всего лишь эту маленькую ложку каждого цвета. 6. Упражнение с образцами цветов. Теперь, когда у меня есть кастрюля с акварельными красками, мы можем научиться смешивать цвета, чтобы начать рисовать. Здесь все становится очень весело. Я собираюсь сделать небольшое упражнение, которое мне нравится делать в начале каждого сеанса рисования, это поможет мне по-настоящему понять свой предмет, потому что я внимательно его рассматриваю. Я пытаюсь заметить все различные цвета, которые я вижу в объекте, и в то же время я замечаю в нем другие вещи, которые помогают определить, как я рисую все это.Но я собираюсь использовать эту акварель горячего прессования, которая мне не очень нравится обычно, но мне нравится использовать ее для некоторых набросков. Я собираюсь сделать маленькие цветовые образцы каждого цвета, который я вижу в моем предмете. Я вижу темно-синий, темно-фиолетовый, немного желтый, немного коричневый. Вы хотите принести немного воды из банки в зону смешивания и сделать там небольшую ложку воды. Затем я окунаю кисть в один из цветов, которые, как я знаю, там есть, но обычно я стараюсь не переходить прямо из тюбика к своей картине, потому что приятно немного поиграть с цветами, и вы можете создать так много разных вариаций только этих основных цветов.Я добавил немного синего в маленький водянистый центр, а затем хочу сделать этот фиолетовый цвет, а в моей палитре нет фиолетового. Я просто играю, я просто немного погружаюсь, и вы заметите, что я смешиваю там другие цвета. Я думаю, чем более грязным вы будете, тем лучше будут ваши цвета, потому что они более естественны. В мире природы нет чистых цветов прямо из тюбика, в нем есть все эти вариации и нюансы. Быть грязным, быть свободным. Я нахожу, что этот довольно близок к некоторым пурпурным цветам, которые там есть.Я просто собираюсь прийти и сделать небольшой образец этого цвета. Затем я собираюсь сделать более темно-фиолетовый, поэтому я добавляю больше синего и красного, смешивая их, получаю хороший темно-фиолетовый. Я тоже хочу сделать очень светло-фиолетовый. Чтобы сделать что-то светлее, вместо того, чтобы добавлять белую краску, вы просто пропускаете белый цвет бумаги. Затем я думаю, что вижу немного желтого в стебле, поэтому я собираюсь подойти и, честно говоря, я не знаю, как называются эти цвета, может быть, некоторые из них.Я просто говорю, темно-желтый и светло-желтый, потому что я нахожу, что много времени уделяю тому, чтобы точно узнать, как именно называются цвета и какие именно материалы используются, просто затягивает меня, и я бы предпочел просто весело с краской. Я не слишком зацикливаюсь на «разговорах об акварели». Теперь я хочу получить действительно темные тона этого гриба, поэтому я собираюсь сделать почти черный, используя эту комбинацию темно-синего и темно-коричневого, и вот оно. Я думаю, что это почти все цвета, которые есть в моей теме.Затем процесс использования панорамной палитры очень похож. Вы убедитесь, что ваша кисть достаточно влажная, вы капаете воду на лоток с цветом, который вы хотите использовать, а затем тянете его вверх и вниз в область смешивания. Как видите, я давно не чистил. Мне просто нравится иметь естественный цвет, поэтому я смешиваю все вместе. Если вам нужно, чтобы он был более густым, вы просто продолжаете добавлять все больше и больше пигмента, а затем, если я хочу что-то смешать, скажем, я хочу получить зеленый, желтый, светло-зеленый, я добавлю больше. воды, чтобы расслабить его, а затем принести сюда все вместе.Вам нужно будет продолжать рисовать все больше и больше на протяжении всей картины, потому что она высохнет или вам придется ее использовать, поэтому постарайтесь мысленно отметить некоторые цвета, которые вы используете, но у вас их нет. чтобы это было точно так, как вы начали рисовать. Вы можете играть с ним, и мы могли бы изменить во всем. Я думаю, вот что в этом такого забавного. 7. Начните рисовать. Сегодня мы изучаем технику, называемую акварелью по сухому. У нас не так много воды на наших кистях, как раз достаточно, чтобы нанести пигмент на страницу, бумага сухая, когда мы начинаем.«Мокрый по мокрому» — это альтернативная форма акварели, когда у вас на кисти много воды, а страница смачивается водой, когда вы начинаете. У меня лично с этим проблемы, потому что я люблю детали, и эта техника с сухим и сухим позволяет мне рисовать почти акварелью. У вас будет тонна контроля, может быть тонна деталей и цветов. Я работаю слоями, поэтому начну с легкого слоя поверх всего. Иногда это будет просто серый цвет. Как видите, здесь я делаю сумасшедшие цвета, потому что меньше всего люблю их сохранять.Я собираюсь закрасить большую часть кепки нейтральным цветом. Хороший серый можно сделать с темно-коричневым, темно-синим, просто добавь много воды, и он осветлится до серого. Я собираюсь просмотреть все это. Что касается этого, я признаю, что на этой кепке много маленьких белых бликов. Я постараюсь не закрашивать всю область. Я хочу, чтобы часть этого белого сияла. Если вам нужна картина, которая имеет большую ценность или контраст, что означает, что она действительно выделяется на странице, тогда вы хотите оставить одну часть своей картины как можно более белой, чтобы позволить белому цвету бумаги просвечиваться.Затем у вас есть одна часть вашей картины, которая должна быть максимально темной. Вы создаете действительно темный, насыщенный оттенок и добавляете его так, чтобы он сразу выглядел так, как будто он оживает, а не плоский. Я думаю, что многие люди, работающие с акварелью, как правило, немного робки, и они не хотят делать ошибки, поэтому они в конечном итоге делают действительно размытые акварели, они просто сбрасывают кусты. Это идеальный переход, потому что я хотел поговорить об ошибках с акварелью и о том, что многие люди думают, что вы не можете исправить ошибки, которые вы не можете исправить, которые вы не можете замазать белой краской.Но я собираюсь показать вам совет, который поражает людей, потому что он позволяет вам взорвать даже довольно серьезные ошибки и начать все сначала. Как только люди попадают в это, они говорят: «Подожди, акварель не так страшна». Это было прекрасно, потому что я только что закрасил все это краской, но я собираюсь показать вам, что произошло бы, если бы это были часы побольше. Я знаю, что ошибся, может быть, что слетела с кисти, а может, я подумал, что хочу что-то там начать, и решил, что не надо. Довольно быстро, увидев свою ошибку, вы можете намочить кисть кучей воды, капнуть ее на страницу, продолжать наливать воду из чашки на ошибку и просто растирать ее.Поскольку акварельная бумага похожа на ткань и представляет собой пучок хлопка, спрессованных вместе, и точно так же, как вы стираете одежду, когда она становится грязной, вы можете стирать бумагу, просто добавляя тонну воды, растирая ее. а потом я использую свое бумажное полотенце, и ты его сразу купил, и оно практически полностью исчезает. 8. Наслоение акварели. После того, как я нанес первый слой, я хочу убедиться, что он полностью высох, прежде чем добавлять новые краски. Затем, как только это произойдет, я посмотрю на свою эталонную фотографию и найду самые темные области тени моего объекта.Я хочу начать медленно, слой за слоем, создавать эти области теней, чтобы к концу рисунка они были красивыми, насыщенными и темными. Я собираюсь смешать цвет, который немного темнее, чем мой первый слой, и я собираюсь добавить более темную краску везде, где я вижу эти тени. Затем я собираюсь смешать очень темный оттенок, используя самый темный синий и самый темный коричневый. Я найду свою самую маленькую кисть и начну делать тонкий контур вокруг моего гриба. Ключевым моментом здесь является то, что вы должны брать кисть так часто, чтобы вы делали пунктирную линию.Это поможет вам избежать эффекта книжки-раскраски со сверхжирными мультяшными очертаниями и сделает рисунок более тонким и естественным. В этот момент вы, вероятно, замечаете, что продолжаете наносить более темные оттенки, а через минуту краска высыхает, и все это выглядит очень размытым. Вот почему мы собираемся продолжать наращивать слой за слоем, давая каждому слою высохнуть, прежде чем добавлять больше краски. Я хочу убедиться, что мои области выделения красивы и ярко-белы. Но часто часть вашей акварели просачивается в эти области, из-за чего они начинают выглядеть темнее или грязнее.Если это произойдет, это действительно легко исправить. Все, что вам нужно сделать, это наполнить кисть водой и растереть ее по светлым областям, куда вы нанесли немного краски. Затем вы берете свое бумажное полотенце и можете просто поднять прямо на этот пигмент, и он должен подняться. Это может занять пару попыток, но это должно осветлить и вернуть вам ваши блики. Теперь я замечаю, что мой стебель выглядит плоским, и чтобы он выглядел округлым, как в реальной жизни. Я немного осветлю цвет в центре стебля и оставлю края темнее.Это дает мне иллюзию, что мои грибы трехмерны. Теперь я собираюсь смешать еще одну супертемную комбинацию темно-синего и темно-коричневого цветов и оживить свои тени. Я не собираюсь сдерживаться на этот раз, я буду очень смелым, и я собираюсь пойти дальше и добавить некоторые супер темные детали, потому что чем раньше в процессе рисования вы сможете установить контраст, тем лучше он получится. вне. Хочешь взглянуть на это? Уже все поблекло. Это просто природа зверя акварелью.Мне нужно смешать еще одну темную комбинацию, вернуться к теневым областям и добавить еще один слой. Чтобы убедиться, что есть хорошая естественная градация цветов, я делаю и жду, пока мой последний слой высохнет, а затем я собираюсь наполнить свою кисть просто водой, на этот раз без краски. Я собираюсь провести кистью по этой теневой области, чтобы она перешла в более светлую область. На этом этапе я собираюсь сойти с ума, добавляя пятнышки всех видов разных цветов, чтобы моя картина выглядела очень яркой и веселой.9. Добавление фона: Честно говоря, в первый раз, когда я пытался нарисовать этот гриб, я полностью испортил фон. Это фон, который я пытался сделать, я пытался сделать его похожим на опавшие листья, которые были на моем эталонном фото, это не сработало, поэтому я начал заново. Для фона вы можете сделать все, что захотите, вы можете оставить его белым, вы можете добавить сплошной цвет на фон или вы можете попытаться сделать что-то из своего воображения, как я делаю сейчас с этим текущим исполнением моего рисование грибов.Мне, кстати, пришлось начинать с нуля, что часто случается со мной и, вероятно, с вами тоже. Но я придерживаюсь всего нескольких лезвий простой кисти, потому что хотел что-то там вернуть, но с первого раза не получилось, поэтому я не хотел повторять эту ошибку. Вы всегда хотите, чтобы ваш фон был на заднем плане и не привлекал слишком много внимания, потому что внимание должно принадлежать вашему основному объекту. Старайтесь не делать что-то слишком сложное, я думаю, что это часть моей проблемы раньше, я пытался сделать слишком много в фоновом режиме.Также постарайтесь подумать о хорошей цветовой гамме, поэтому, если ваш объект более теплого цвета, например, красный, оранжевый или желтый, то, возможно, сделайте более холодные оттенки фона, поэтому, возможно, выберите синий, зеленый или что-то, что будет плавно переходить в другой. фон. 10. Создание текстуры: [МУЗЫКА] Последним этапом разработки картины является добавление текстур. Таким образом, вы захотите очень внимательно рассмотреть свой объект, супер-зум на этой фотографии или посмотреть вблизи на настоящую вещь в дикой природе, чтобы понять все различные текстуры, которые вы можете найти.Затем есть три разных метода, которые я люблю использовать для добавления этих текстур. Первый — использовать крошечную кисть для создания тонких линий. Затем используйте бумажное полотенце, чтобы промокнуть немного краски, чтобы добавить текстуру, похожую на брызги. Затем вы даже можете использовать свою влажную кисть, чтобы бросить краску на страницу, и это создаст действительно классный эффект брызг. Это отлично подходит для листьев, деревьев и тому подобного. 11. Уточнение вашей картины: поздравляю, вы добрались до финальной стадии рисования, если вы чувствуете стресс, прямо сейчас, это совершенно нормально.Многим людям трудно рисовать акварелью, поэтому я хочу, чтобы вы вздохнули, может быть, быстро занялись йогой на полу, зажгли свечу, что бы вы ни делали, чтобы помнить, что это все для развлечения и ничего не выйдет. быть совершенным. На этом заключительном этапе мы собираемся сходить с ума с текстурой, добавляя всевозможные точки и линии и захватывая все прекрасные несовершенства, которые можно найти в природе. Теперь я собираюсь смешать светло-желтый цвет и применить его везде на моей картине, где я хочу, чтобы это выглядело так, как будто солнце падает на мои объекты. Итак, верх шляпки гриба, верх травы. Теперь я добавляю темно-красный оттенок к теневым областям моей травы. Мы так близко. Теперь мы хотим использовать этот трюк снова с влажной кистью и бумажным полотенцем, чтобы промокнуть любые участки моей световой области, которые стали слишком темными или грязными. Наконец, я вернусь к своей самой маленькой кистью и своему самому темному оттенку, и я просто добавлю немного больше четкости к любым частям картины, которые не выделяются так сильно, как должны. .Та-да покраска грибов завершена. 12. Бонусный урок: Нарисуйте папоротник!: В этом уроке мы будем практиковать все навыки, которые мы только что изучили, и рисовать этот прекрасный маленький папоротник. Для начала мы используем трюк с карандашом, чтобы получить правильные пропорции нашего папоротника, чтобы начать наш карандашный набросок. Теперь я набрасываю основную форму папоротника. Здесь я считаю, сколько листочков выходит с каждой стороны оси и стебля. Теперь я вхожу и просто примерно указываю, куда идет каждая листовка. Иногда мне помогает быстро сделать пробный набросок, чтобы лучше понять сложную форму, такую ​​как эта маленькая листовка, поэтому я делаю это в стороне, а потом сотру. Теперь я использую свой резиновый ластик, чтобы убрать лишние карандашные пометки, которые мне не нужны. Теперь, когда у меня есть общая форма, я могу пойти и сделать более точный набросок. Это не обязательно, но иногда мне нравится это делать, чтобы не запутаться, когда я начинаю рисовать. Прежде чем я начну рисовать, я собираюсь сделать краткую палитру цветов, просто чтобы ознакомиться с цветами, которые я буду использовать на протяжении всей этой картины.Помните, что не стоит волноваться, если ваша краска станет грязной или если ваша палитра станет грязной, потому что на самом деле, чем более смешанными становятся ваши цвета, тем ближе они будут выглядеть к естественному миру. Теперь, когда я нашел хороший светло-зеленый цвет, я собираюсь перейти к моему первому слою и просто зафиксировать весь набросок этим зеленым оттенком. Как только этот первый слой высохнет, я собираюсь смешать немного более темный зеленый оттенок, а также немного синего, потому что это дает вам хороший глубокий насыщенный цвет теней, и я собираюсь пойти в более темные оттенки моего предмета и сделать его популярным.Когда я просто увеличил масштаб, я заметил центральную жилку, которая проходит через каждый маленький листочек, а затем есть множество других маленьких жилок, которые отходят от этой. Я собираюсь начать с того, что вставлю эту центральную вену на данный момент, а позже я добавлю маленькие, которые отходят от этой. Теперь я заметил, что ось и стебель, идущие вниз по центру папоротника, закруглены, поэтому я собираюсь добавить тень слева и справа от этой оси и стебля, чтобы он выглядел размерный.Здесь я наношу небольшой мазок темно-синего цвета на то место, где листочек выходит из центральной оси, и это просто отделит лист от оси и сделает все это немного более трехмерным. Увеличив масштаб, я понял, что в верхней части каждого листочка и вдоль оси, идущей посередине, есть немного желтого, поэтому я смешиваю светлый оттенок желтого и просто добавляю во все места, где солнечный свет попадал бы на объект. Потратьте минутку, чтобы заметить любые недостатки, которые вы видите в своем объекте, поэтому для этого папоротника я заметил странное маленькое обесцвеченное красное пятно и отсутствие части листочка.Я обязательно включу их в свою картину, потому что хочу, чтобы она была максимально реалистичной, а в природе много несовершенств, поэтому очень важно их включить. Здесь я вхожу и добавляю маленькие крошечные жилки, которые отходят от центральной жилки в каждом листочке, и вы можете использовать свою микронную ручку или самую маленькую кисть, чтобы сделать эту работу, и для самого последнего шага я беру свою бумагу. полотенцем, и я просто промокаю все оставшиеся влажные пятна на моей картине, чтобы придать ей окончательную текстуру.13. Заключительные мысли: [МУЗЫКА] Большое спасибо, что присоединились ко мне на этом курсе. Я надеюсь, что вам было весело, вы расслабились и у вас появились новые навыки, которые можно добавить в свой творческий арсенал. Я не могу дождаться, чтобы увидеть, что вы создаете.

Бумага Природа Акварельные Картины, Искусство Амит

Бумага Природа Акварельные Картины, Искусство Амит | ID: 21184885791

Спецификация продукта

материал Paper 0 Ручная работа
Формат A4
Минимальный объем заказа 1

Описание продукта

Это картины природы пейзаж красочная природа Картины природы акварелью


Заинтересованы в этом товаре?Уточнить цену у продавца

Связаться с продавцом

Изображение продукта


О компании

Год основания2019

Юридический статус фирмы Физическое лицо — владелец

Сфера деятельностиПроизводитель

Количество сотрудниковДо 10 человек Вернуться к началу 1

Есть потребность?
Лучшая цена

1

Есть потребность?
Лучшая цена

35 простых идей акварельной пейзажной живописи, которые стоит попробовать

С помощью акварели на холсте можно создавать потрясающие работы. Честно говоря, все, что вы создаете акварелью, выглядит умопомрачительно. Но есть что-то уникальное и необычное в рисовании пейзажей акварелью. Ведь результаты, которые вы получаете, выглядят так реалистично. Если вы ищете простые идеи акварельной живописи или идеи акварельной живописи, которые занимают немного времени, то вы находитесь в нужном месте. Ниже вы найдете некоторые из самых удивительных идей для рисования пейзажей, которые могут быть признаны лучшими идеями для рисования для начинающих.

Простые идеи акварельной живописи, Идеи акварельной живописи, которые стоит попробовать.Эти идеи пейзажной живописи являются одними из самых эффективных идей рисования для начинающих.

Акцент на одном дереве на переднем плане

Источник изображения

Говоря о простых идеях акварельной пейзажной живописи или идеях акварельной живописи, мы не можем упускать из виду те картины, которые выделяют одно дерево. На красивом фоне такие акварельные картины действительно выделяются.

Пейзажи с маяками

Источник изображения

Несмотря на то, что существует множество идей для простой акварельной живописи или идей для акварельной живописи, маяки стоят высоко.Да это правильно! Маяки получаются безумно красивыми, когда их рисуют акварелью.

Идеи пейзажной живописи с водопадом

Источник изображения

Пейзажные картины с водопадом обладают неким динамичным очарованием. Каким бы статичным не выглядел ваш водопад на ваших картинах, они несут в себе очарование движения. Кроме того, водопадные композиции помогают использовать различные техники акварельной живописи.

Идеи рисования для начинающих изображение заходящего солнца в воде

Источник изображения

Все с чего-то начинают.Если вы начинающий художник, то работать с акварелью может быть немного сложно. Но когда вы берете простые композиции, такие как заходящее солнце, рисовать становится проще простого. И знаете что, эта простая композиция выглядит потрясающе.

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Идеи пейзажной живописи с красивыми горами

Источник изображения

Горы — удивительный объект пейзажа, особенно когда вы рисуете их акварелью.Добавляете ли вы к ним голубоватый оттенок или делаете их зелеными, они сделают вашу акварельную картину совершенно красивой.

Пейзаж в лунном свете Идеи рисования для начинающих

Источник изображения

Ночные пейзажи выглядят потрясающе красиво. Вы когда-нибудь гуляли под лунным небом? Если да, то не нужно говорить, как великолепно выглядит пейзаж в лунном свете. Если вы признаете это, то создайте картину при лунном свете для визуального удовлетворения.

Шафрановое небо

Источник изображения

Обычно небо окрашено в оттенки синего. Но когда требуется нарисовать вечернее небо, приходится использовать оранжевые оттенки. Это вечернее небо, также называемое шафрановым небом, вызывает большой интерес у художников. Попробуйте такую ​​картину, чтобы повысить свою художественную ценность.

И если вас конкретно интересуют пейзажи, не учитывая тип используемых цветов, то вы должны пройти всю коллекцию, посвященную только этому.

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Говоря об идеях рисования для начинающих, как можно создать волшебный пейзаж акварелью?

Источник изображения

Каждый звук природы прекрасен, тем не менее, композиторы создают великую музыку, которая звучит даже лучше, чем звуки, которые производит природа. Точно так же каждый пейзаж матери-природы несет в себе огромную красоту. Ваша цель как художника — преувеличить эту красоту. Следовательно, если вы не реалистичный художник, вы всегда должны стараться использовать свои цвета таким образом, чтобы пейзажи выглядели более красивыми и волшебными, чем оригинальные. Так что добавление красок в ваши картины не повредит.

Является ли рисование облаков в небе крайне необходимым в пейзаже?

Источник изображения

Когда вы рисуете в небольшой рамке, облака не так важны.На самом деле, рисование облаков на маленьком холсте сделает небо загроможденным. Но если вы рисуете большую панораму неба на большом холсте, то вы действительно можете рисовать облака. Они заставят небо выглядеть немного занятым. Идеи пейзажной живописи, подобные этой, могут сделать вашу картину действительно выдающейся.

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Источник изображения

Вышеупомянутые простые идеи акварельной пейзажной живописи или идеи акварельной живописи отлично подходят для любого художника начального уровня. Приведенные выше композиции популярны среди любителей живописи и профессиональных художников. Попробовав в них свои руки, вы почувствуете себя уверенно в живописи.

От наскальных рисунков к модернистам: История акварельной живописи

Акварельная живопись — это особая среда, объединяющая миры живописи и рисунка для создания уникальной формы искусства. Краски состоят из пигментов, взвешенных в водорастворимой среде, и их можно наносить на все, от бумаги до холста, от дерева до ткани.Что делает акварельную живопись такой уникальной, так это ее неумолимый характер; линии, цвета и формы должны быть нанесены идеально с первого раза, так как любая попытка закрасить просто искажает весь эффект. Акварель доминировала в азиатском искусстве и до сих пор, но она также занимала видное место в истории западного искусства.

Ранние примеры акварельной живописи

Чтобы найти корни акварельной живописи, вам придется отправиться далеко в прошлое, во времена, когда доисторические люди в эпоху палеолита раскрашивали стены своих пещер смесью охры, древесного угля и других природных пигментов. .Акварелью также рисовали на папирусе и использовали в египетских формах искусства. В Азии традиционная китайская живопись акварелью развивалась около 4000 г. до н.э., прежде всего как декоративное средство, а к I веку н.э. искусство росписи религиозных фресок утвердилось. К 4 веку пейзажная акварель в Азии зарекомендовала себя как самостоятельный вид искусства.

Достижения в области акварельной живописи в 15-м и 16-м веках

Акварельная живопись возникла в Европе в эпоху Возрождения вместе с достижениями в производстве бумаги.В то время как ранние европейские художники готовили свои собственные акварельные смеси для фресковой росписи стен, вскоре они были применены к бумаге. С увеличением доступности синтетических пигментов гравер и художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер (1471–1528) разработал новые методы работы с акварельными красками, подчеркнув предлагаемые ими светящиеся и прозрачные эффекты и вдохновив других художников на эксперименты. Эту тенденцию подхватил Ганс Бол (1534–1593), основавший важную школу акварельной живописи в Германии в рамках эпохи Возрождения Дюрера. Однако, несмотря на эти усилия, среда оставалась в значительной степени изолированной от подготовительных набросков, за исключением школ ботанической иллюстрации и иллюстрации дикой природы, где ее поразительный эффект мог придать реалистичный вид естественным предметам. Акварельные краски также были популярны для создания карт и считались особенно эффективными для отображения топографии местности.

Английское движение акварелистов и его влияние на современное искусство основатели Королевской академии), использовал столь популярные акварельные краски при создании карт для своих пейзажных картин.Именно в это время акварель утвердилась как серьезное и выразительное художественное средство. Возглавлял это движение J.M.W. Тернер (1775–1851), технический новатор и художник-пейзажист-романтик, экспериментировавший с доступными синтетическими минеральными пигментами. Вдохновленный работами акварелиста Томаса Гиртина, который впервые использовал его для крупноформатных, романтических или живописных пейзажей, Тернер исследовал как выразительную природу, так и технические аспекты среды.

К середине 1800-х годов в английском художественном обществе образовались Общество художников-акварелистов (1804 г.) и Новое общество акварелистов (1832 г.).

Уникальные эффекты света и более свободной кисти, созданные английской школой акварельной живописи, привлекли внимание ранних импрессионистов и повлияли на их творчество. В 19-м и 20-м веках акварель стала средством, используемым многими выдающимися художниками. Конечно, Джон Джеймс Одюбон особенно использовал акварель для документирования своих объектов дикой природы, но другие художники, известные другими средствами, такими как масляная живопись, также работали с акварелью. Американский художник Уинслоу Хомер использовал акварельные краски, чтобы исследовать красоту мира природы.Поль Сезанн использовал технику перекрывающихся акварельных мазков в некоторых своих натюрмортах, а Винсент Ван Гог использовал технику акварели для создания замечательных художественных форм. Немецкий художник-абстракционист Василий Кандинский и швейцарский модернист Пауль Клее являются известными акварелистами 20-го века, что свидетельствует о том, что и в современную эпоху акварель ценится художниками независимо от их национальности или направления.

Comments