Стили рисования с примерами людей: Ошибка | artlab.club


30.03.1978 Facebook Twitter LinkedIn Google+ Разное


Содержание

Основные жанры живописи русских художников с примерами картин — «Лермонтов»

Анимализм
Бытовая (жанровая) живопись
Историческая живопись
Натюрморт
Ню
Пейзаж
Портрет
С давних пор люди выбирали разные объекты и темы для изображения: людей, животных, целые исторические сцены, виды кораблей и другое. На основании этого деления в живописи выделилось несколько жанров (фр. genre — вид).

Позже художники сделали открытие, что живопись может быть лишена предмета изображения и сосредоточена на цветах, линиях или ощущениях художника (например, беспредметная живопись К. Малевича, М. Ротко, Н. Фешина, И. Чашника, Е. Чубарова, А. Родченко или К. Зданевича). Однако в рамках этой статьи мы будем рассматривать только предметное искусство.

Исторически сложилось, что все жанры делили на высокие и низкие. К высокому жанру или исторической живописи относили произведения монументального характера, несущие в себе какую-либо мораль, значимую идею, демонстрирующую исторические, военные события, связанные с религией, мифологией или художественным вымыслом.

К низкому жанру относили все, что связано с обыденностью. Это натюрморты, портреты, бытовая живопись, пейзажи, анимализм, изображение обнаженных людей и прочее.

Далее мы рассмотрим основные виды жанров живописи на примере работ наиболее известных русских художников.

Анимализм (лат. animal — животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.

Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, В. Васнецов и В. Серов. Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. И. Шишкин хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.

В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине В. Боровиковского императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах К. Маковского, З. Серебряковой, К. Брюллова и других русских художников.

У примитивистов Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили животные выходили особенно трогательно с живыми глазами, словно бы они оживали на картинах.

Примеры картин известных русских художников в жанре анимализма

Картина В. Васнецова «Богатыри». 1881–1898 гг.


Картина В. Серова «Купание лошади». 1905 г.


Картина В. Боровиковского «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». 1794 г.


Картина И. Шишкина и К. Савицкого «Утро в сосновом лесу». 1889 г.


Картина Н. Пиросмани «Белая корова на черном фоне».

Бытовая (жанровая) живопись

Повседневная жизнь еще с древних времен волновала человека. Первые бытовые сцены изображались на стенах погребальных комнат в Древнем Египте, а позже проникли во все сферы искусства. Художники-наблюдатели изображали на вазах, в манускриптах, на стенах домов те сцены, которые их особенно взволновали. Это были трудовые эпизоды, сцены выступлений актеров, развлечений или жизненных трудностей.

В самостоятельный жанр бытовая живопись выделилась только в XVI-XV веках, когда художники вначале дополняли бытовыми сценами религиозные картины, а затем стали изображать их отдельно. Но подлинное распространение по всему миру этого жанра произошло только в XVII веке, хотя многие школы относили его к низким жанрам и не считали достойным своего внимания.

В России расцвет жанровой живописи пришелся только на XIX век, когда художников стали особо волновать острые социальные вопросы. С помощью картин они пытались привлечь внимание широкого круга населения к этим вопросам. Так, у В. Перова и И. Репина это проблемы долга, совести, чести, у Э. Булатова это острая проблема советского человека, вынужденного всюду натыкаться на рамки и границы, И. Кабаков поднимал проблемы быта советских людей.

Жанровые картины также создавались и для того, чтобы продемонстрировать достижения народа, мотивировать его на новые трудовые, военные, спортивные и иные подвиги. Таковы работы о производстве, спорте и авиации А. Дейнеки, индустриальные пейзажи Ю. Пименова, картины в «суровом стиле» В. Попкова, сцены быта советских людей А. Моргунова, сцены противостояния врагу в работах С. Герасимова и другие.

Часто художники изображали ровно то, что видели, знакомили с традициями разных народов и классов, предоставляя зрителю возможность самому получить впечатления от увиденного и сделать выводы. Таковы сцены из трудовой жизни крестьян и состоятельных людей С. Виноградова, из жизни простого народа М. Нестерова, таковы прекрасные восточные традиции в картинах А. Волкова, русские народные традиции на полотнах К. Юона или цирковые сцены в картинах М. Шагала.

Примеры картин известных русских художников в бытовом жанре

Картина В. Перова «Тройка». 1866 г.


Картина Э. Булатова «Горизонт». 1971-1972 гг.


Инсталляция И. и Э. Кабаковых «Туалет». 1992 г.


Картина С. Виноградова «Бабы (Подруги)». 1893 г.

Историческая живопись

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль или продемонстрировать значимые события. В него входят работы на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор, а также военные сцены.

В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте и Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом.

В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества.

В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, А. Боголюбовым и В. Верещагиным. Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивал М. Врубель, А. Иванов, Н. Рерих, А. Певзнер, В. Поленов, П. Филонов. Историческая живопись преобладала у И. Глазунова, Г. Семирадского, В. Сурикова, фольклор — у Е. Поленовой.

Примеры картин известных русских художников в жанре исторической живописи

Картина В. Верещагина «Апофеоз войны». Историческая живопись (военная тематика). 1871 г.


Картина М. Врубеля «Демон поверженный». Историческая живопись (мифология) 1902 г.


Картина Н. Рериха «Труды Богоматери». Историческая живопись (мифология). 1931 г.


Картина В. Сурикова «Утро стрелецкой казни». Историческая живопись. 1881 г.


Иллюстрации Е. Поленовой к сказке «Белая уточка». Историческая живопись (фольклор). 1880-e гг.

Натюрморт (фр. nature — природа и morte — мертвая)

Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т.д.).

В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило множество стилей, включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, А. Арапов создавал прекрасные композиции цветов в импрессионистском стиле, Л. Попова предпочитала кубофутуризм, М. Ларионов работал в примитивистском стиле и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.

На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у К. Петрова-Водкина это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты Х. Сутина поражали своим драматизмом.

Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, И. Грабарь не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. И. Машков экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.

Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах П. Кузнецова можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а Н. Сапунов изображал любимые с детства цветы.

В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например Н. Богданов-Бельский, Н. Сталь, Р. Фальк, А. Явленский, В. Шухаев и прочие.

Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта

Картина А. Арапова «Натюрморт с иконой». 1920-1930-е гг.


Картина М. Ларионова «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910-1912 гг.


Картина К. Петрова-Водкина «Натюрморт. Яблоки и яйца». 1921 г.


Картина И. Машкова «Натюрморт с фруктами». 1910 г.


Ню (фр. nudite — нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры. В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству. Примерно в VII—VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.

В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.

Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у Л. Бакста это танцовщицы с театральными атрибутами, у В. Баранова-Россине это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У Т. Лемпицки это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у А. Кравченко это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у В. Рохлиной — девушки, полные невинности. Некоторые, например, К. Сомов изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.

Примеры картин известных русских художников в жанре ню

Картина Л. Бакста «Танцовщица в костюме». Около 1900-х гг.


Картина В. Баранова-Россине «Апокалипсис». 1912-1913 гг.


Картина Т. Лемпицки «Две обнаженные девушки». 1930 г.


Картина А. Кравченко «Обнаженная». 1919 г.


Картина В.Н. Рохлиной «Обнаженная. Портрет З. Серебряковой». 1930-е гг.

Пейзаж (фр. Paysage, от pays — местность)

В этом жанре приоритетным является изображение естественной или созданной человеком окружающей среды: природных уголков, видов городов, сел, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта выделяют природный, индустриальный, морской, сельский, лирический и иные пейзажи.

Первые пейзажи древних художников были обнаружены в наскальной живописи эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Позже природный мотив использовали при украшении домой. В эпоху Средневековья пейзаж практически полностью вытеснила религиозная тематика, а в эпоху Возрождения, напротив, на первый план выступили гармоничные отношения человека и природы.

В России пейзажная живопись развивалась с XVIII века и первоначально ограничивалась классицизмом (в этом стиле создавали пейзажи, например, Н. Крымов и К. Крыжицкий), однако позднее целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр приемами из разных стилей и направлений. И. Левитан создал так называемый неброский пейзаж, то есть вместо погони за эффектными видами он изображал в русской природе самые сокровенные моменты. А. Саврасов и И. Бродский пришли к лирическому пейзажу, поражавшего публику тонко передаваемым настроением.

У М. Клодта и Н. Дубовского это эпический пейзаж, когда зрителю демонстрируется вся грандиозность окружающего мира. В. Борисов-Мусатов бесконечно обращался к старине, Е. Волков умел любой неброский пейзаж превратить в поэтическую картину, А. Куинджи поражал зрителя своим дивным светом в пейзажах, а Ю. Клевер мог бесконечно любоваться лесными уголками, парками, закатами и передавать эту любовь зрителю.

Каждый из пейзажистов концентрировал внимание на таком пейзаже, который увлекал его особенно сильно. Многие художники не могли пройти мимо масштабных строек и рисовали много индустриальных и городских пейзажей. Среди них работы А. Куприна, Г. Нисского, В. Степановой, А. Экстер, М. Якунчиковой, Н. Чернецова и других художников. П. Петровичева увлекали памятники, а В. Кандинский часто изображал архитектурный пейзаж. И. Айвазовский и Л. Лагорио с детских лет болели морем, так что работа с морским пейзажем (мариной) стала их основным призванием.

Примеры картин известных русских художников в жанре пейзажа

Эпический пейзаж М. Клодта «Лесная даль в полдень». 1876 г.


Поэтический пейзаж Е. Волкова. «Заросший пруд». 1880-е гг.


Индустриальный пейзаж Г. Нисского «Осень. Семафоры». 1932 г.


Городской пейзаж В. Кандинского «Москва. Красная Площадь». 1916 г.


Морской пейзаж Л. Лагорио «Корабли в спокойном море». 1886 г.

Портрет (фр. portrait — изображение)

Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного человека или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий конкретной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин portrait изначально применяли к любому объекту, который можно изобразить, пока в семнадцатом веке не стали применять его только к человеку.

В Древнем Египте портреты (вначале скульптурные) создавали только для того, чтобы вернувшаяся после судилища душа умершего могла найти погребенное тело и поселиться в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет применяли для надгробий, чеканили на монетах, изображали в книгах. Чаще всего этого удостаивались знатные особы. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России жанр портрета развивался в эпоху Средневековья, а первые портреты относятся к 11-13 векам.

Портреты делят на парадные и камерные. В первых художник должен возвеличить важную персону, потому ее обычно изображают в праздничной одежде в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во вторых фон бывает менее помпезным, а самого человека изображают только по плечи, грудь или пояс. Парадные портреты создавали, например, Б. Кустодиев, В. Боровиковский, О. Кипренский, а с камерными вариантом работали А. Харламов, П. Челищев, А. Самохвалов, А. Яковлев и другие.

Отдельно стоит выделить портреты-миниатюры, которые вставляли в медальоны, носили в футлярах или табакерках. Одним из виртуозов в этом жанре был В. Боровиковский. И еще жанр автопортрета, когда художник изображал сам себя. Такая картина во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение себя. Большинство мастеров хотя бы однажды рисовали автопортрет, а некоторые создавали их десятками (например, В. Попков).

С развитием авангардизма портретный жанр также коснулись коренные преобразования. Вместо классических вариантов на сцену вышли раздробленные кубофутуристические портреты Ю. Анненкова, А. Богомазова, Н. Гончаровой, А. Лентулова, модернистские портреты Б. Григорьева, яркие импрессионистские картины К. Коровина и А. Архипова, орфические версии С. Делоне, скульптурная живопись В. Ермилова и многие другие.

Примеры картин известных русских художников в жанре портрета

Парадный портрет Б. Кустодиева «Купчиха». 1923 г.


Миниатюра В. Боровиковского «Портрет В.В. Капниста».


Кубофутуристическая картина Ю. Анненкова «Портрет З. Гржебина». 1919 г.


Модернистский камерный автопортрет Б. Григорьева.


Орфический портрет С. Делоне «Певцы фламенко». 1916 г.


Скульптурный портрет В. Ермилова «Дама с веером». 1919 г.

Изучение картин разного жанра помогает понять, что даже в рамках одного из них существует огромный разброс по стилям, направлениям и приемам исполнения. Смешение стилей, жанров и собственных приемов и делает картины каждого художника неповторимыми. Чтобы лучше понимать работы того или иного мастера, рекомендуем также прочитать статью «Стили и направления живописи известных русских художников с примерами картин».

Направления и стили живописи с примерами картин

Мировое искусство очень разнообразно. За долгие годы в художественной культуре сложилось множество направлений – они отличаются техниками, приёмами, методами. Мастера пытаются создать максимально достоверное изображение мира, уловить мимолётный момент, вызвать у зрителя сопереживание. Знакомство с их произведениями развивает эстетический кругозор человека и его чувство прекрасного, помогает выработать своё мнение о модных течениях, возвышает душу. Именно поэтому наш интернет-магазин «Янтарь Полесья» подготовил для Вас эту статью, в которой описаны стили живописи с примерами картин.

Неоклассицизм – обратно к античности

Данное направление господствовало в Северной Европе в XVIII-XIX ст. Мастера, работающие в подобном стиле, выше всего ставили искусство Древней Греции и Рима, считая, что этот период был временем величайшего расцвета культуры. Однако тематика их полотен была преимущественно исторической и богословской – художники запечатлевали сцены из житий святых, эпизоды Старого и Нового Заветов. Такие картины должны были воспитать в зрителях высокую мораль, привить им общественные ценности.

Живописцы, принадлежащие к этому стилю, демонстрируют виртуозное владение кистью, умение передавать игру света и тени, знание пропорций и арифметических соотношений. Чтобы убедиться в этом, стоит взглянуть на работы Жака-Луи Давида, Рафаэля, Пьетро Гонзага, Жана-Батиста Реньо. А вот импровизация и самовыражение не приветствовались – творить можно было лишь на традиционные темы. Это привело к академизму и повторам в среде художников.

Пример направления Неоклассицизм

Романтизм – эмоции как источник познания

В XVIII ст. эпоха Просвещения достигла своего пика. Именно сделанные тогда открытия легли в основу современной науки. Однако не всем был по душе научно-технический прогресс – и как реакция на него возникло течение романтизма.

Его приверженцы (Карл Брюллов, Эжен Делакруа, Уильям Тернер) идеализировали природу, считая, что она намного более совершенна и долговечна, чем любое человеческое творение. Ещё одним источником вдохновения для них служило воображение – художники запечатлевали мир фантазий, грез и прекрасных видений, а также легенды, предания и волшебные истории.

Романтизм в живописи

Реализм – красота окружающего мира

Живописные произведения, выполненные в подобной технике, впервые появляются во Франции во второй половине XIX ст. В каждой стране этот стиль получил своё уникальное название – так, в России он был известен как «передвижничество», в Австралии – как «Гейдельбергская школа», а американцы окрестили подобную манеру «школой мусорного ведра».

Художники-реалисты пытались создавать максимально точные, объективные и беспристрастные полотна без каких-либо прикрас и объяснений. Они часто запечатлевали людей во время работы, пейзажи, городскую архитектуру. Самые известные представители жанра – И. Репин, А. Саврасов, И. Шишкин, Эдвард Мэй, Эдуард Мане.

Пример техники Реализм

Импрессионизм – движение, воздух и свет

Этот жанр зародился в последней трети XIX – начале XX ст. Первыми в подобной манере начали писать французские живописцы, но вскоре она распространилась по всему миру. Название стиля происходит от одного из самых знаменитых произведений – картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне.

Мастера-импрессионисты – Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Камиль Писарро – преимущественно работали не в студии, а на пленэре (на открытом воздухе). Они разрабатывали новаторские приёмы живописи, которые позволяли как можно естественнее показывать реальный мир, сохранять на картине тени и полутона, рябь на воде и солнечные блики. Так, именно эти художники впервые воспользовались техникой открытой композиции, создающей впечатление движения, а также начали писать тонкими, лёгкими мазками – это позволяло уловить изменения в освещении и продемонстрировать неуловимый бег времени.

Жанр Импрессионизм

Экспрессионизм – эмоции и глубокий смысл

Это течение, возникшее в Австрии и Германии в первые десятилетия XX ст., словно бы отрицало все существовавшие до него стили живописи. Художники изображали субъективную реальность, свои переживания и чувства, нарочито искажая цвета, формы и пропорции рисунка. До сих пор мастера запечатлевали на холсте реальность – экспрессионисты же пытались воссоздать символические структуры, существующие лишь в их сознании.

Из-за того, что данное направление сформировалось в эпоху разрушительных войн, характерными мотивами картин являются мучения, человеческая жестокость, боль и страдания. Наиболее яркими представителями этого жанра являются Эдвард Мунк, Винсент ван Гог, Август Маке и Марианна Веревкина.

Пример течения Экспрессионизм

Символизм – мифы, сны и сказки

Данное направление возникло как реакция на предельно сухой и беспристрастный реализм. Работающие в подобной манере мастера руководствовались только собственным воображением и мечтами, насыщали каждое полотно загадочными знаками и намёками. Кроме того, они широко использовали мифические мотивы.

Ярким примером таких картин являются работы Артура Дэвиса, М. А. Врубеля, Джорджа Уоттса, В. Васнецова.

Направления Символизм

Модернизм – искусство и философия

Под этим названием скрывается не только произведения художников, поэтов и писателей – так можно охарактеризовать весь культурный дискурс XIX – первой половины ХХ ст. Официальной датой зарождения стиля считается 15 мая 1863 г. Именно тогда открылся «Салон Отверженных» – выставка, на которой экспонировались забракованные парижской цензурой полотна.

Работающие в подобной манере мастера пытались утвердить новые, нетрадиционные формы и методы, переосмыслить каноны, сделать свои полотна более схематичными и отвлечёнными – считалось, что так они полнее отразят внутреннюю свободу и особое видение мира, свойственное автору. Кроме того, художники часто применяли необычные материалы – скажем, Густав Климт создавал свои произведения из сусального золота. Другими известными живописцами-модернистами были Генри Матисс, Поль Гоген и Василий Кандинский.

Модернизм в искусстве

Кубизм – многоплановость абстрактности

Данное направление искусства появилось в начале XX ст. во Франции. Его название связывают с репликой Анри Матисса, сказанной им при виде картины Ж. Брака: «Что за кубики!» (с французского «bizarreries cubiques»).

Отличительные признаки подобной манеры – использование простых форм и стремление представить любые объекты как набор геометрических фигур. Как и другие авангардные художественные стили в живописи, кубизм акцентировал внимание на чувствах и настроении мастера, пытаясь вызвать у зрителя сильный эмоциональный отклик.

В этом жанре работали Пабло Пикассо, Хуан Грис, Фернан Леже, Поль Сезанн. Кстати, Пикассо – ещё и самый востребованный живописец-кубист. Так, его полотно «Алжирские женщины» в 2015 г. приобрели за 179,3 млн. $, а работа «Обнажённая, зелёные листья и бюст» – за 106, 5 млн. $.

Кубизм в живописи

Сюрреализм – психология в живописи

В начале 1920-тых гг. заострился интерес к человеческой психике. Работы З. Фрейда, К. Юнга, В. Вундта описывали удивительные законы сознания, памяти, мышления. Повлияли они и на живопись – именно под влиянием идей великих учёных возникло такое течение, как сюрреализм. Ему присущи такие особенности, как неожиданное и нелогичное совмещение разных объектов, аллюзии, коллажность, хаотичность и непредсказуемость.

Художники-сюрреалисты (Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт) пытались изъять обыденные предметы из привычного контекста, создать образ вне формы, совместить разные реальности.

Пример Сюрреализма

Поп-арт – вызов и эпатаж

Это направление – одно из самых неординарных и странных течений в мировом искусстве. Выполненные в такой манере произведения можно встретить как на выставках и галереях, так и в рекламных роликах, комиксах и плакатах. А знаменитый художник Энди Уорхол разработал даже этикетку для томатного супа «Campbells»! Впрочем, это не повредило его карьере – в 2013 г. полотно «Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)» было продано за 105,4 млн. $.

Мастера, работающие в подобном жанре, иронично высмеивают вульгарность, банальность и глупость, обнажают пороки социума – массовое потребление, апатию, бездумное увлечение технологиями. Среди них – Рой Лихтенштейн, Кит Харинг, Такаси Мураками.

Пример направления Поп-арт

А наш интернет-магазин с радостью предоставит Вам янтарные панно, демонстрирующие все стили живописи. Список жанров, в которых работают наши мастера, очень велик – а это значит, что Вы сможете подобрать уникальное и качественное произведение, которое подойдёт лично Вам!

Стили рисования, или Как смотрят на мир художники?

Художники всех времен и народов рисовали лишь то, что они хотели. Они отображали на холстах мир таким, каким видят его только они. Донести свои чувства, эмоции, цвета, оттенки и игру теней до других людей весьма проблематично, поэтому они создавали новые стили рисования и техники. Конечно, нельзя распределить все искусство по нескольким категориям, но это помогает увидеть общую картину и создать правильное впечатление. Как и в случае с одеждой, в изобразительном искусстве есть мода на определенные стили, которые время от времени сменяют друг друга. Давайте же посмотрим, какими основными категориями они представлены на сегодняшний день.

Абстракционизм

Это направление не признается многими простыми обывателями, поскольку на картинах нельзя увидеть привычные для нас формы и цвета. Но именно на этом и делают акцент художники. Сам термин в переводе означает удаление или отвлечение от реальности. Главная цель – достичь гармонии форм и оттенков цветов, тем самым вызывая у созерцателя определенные ассоциации. Основоположником был Василий Кандинский, но, пожалуй, самым известным произведением искусства стал «Черный квадрат» Казимира Малевича.

Импрессионизм

Стили рисования данного направления воссоздают впечатления от увиденного, форма не имеет значения. Картины, как правило, создаются энергичными штрихами, а мелкие детали практически отсутствуют. Зародилось направление во Франции в конце 19 века. Главным для художника было не то, что он рисует, а то, как оно выглядит на холсте. Проблемой этого стиля можно назвать чрезмерную позитивность и полное отсутствие социальных проблем, в итоге это привело к расколу среди импрессионистов.

Ярким представителем являлся Клод Моне («Впечатление. Восходящее солнце»)

Сюрреализм

Отличительной особенностью данного стиля являются аллюзии и невероятные сочетания форм и размеров предметов. Тем, кто привнес эту идеологию в искусство, был Андре Бретон, а наиболее ярким последователем оказался Сальвадор Дали. Если описать картины в двух словах, то они скорее похожи на что-то среднее между сном и реальностью. Стили рисования в данном направлении были далеки от рациональной эстетики, так как привычные детали предстают перед нами в вытянутом, увеличенном или чересчур уменьшенном виде, не говоря уже о том, что само сочетание их абсурдно.

Реализм

Стили рисования, с которых мы начали, далеки от реальности, однако самым распространенным направлением все-таки считается именно реализм.

С него начинается обучение в школе искусств, это умение отобразить на листе бумаги то, что мы видим, в правильных пропорциях и в естественных цветах.

Гиперреализм

А вот современные стили рисования, гиперреализм, к примеру, отличаются такой правдоподобностью, что они больше похожи на фотографии, нежели на рисунок. Именно этот момент и заставляет замирать при виде картин, написанных представителями этого направления. На портретах можно разглядеть каждый волосок, малейшие блики в глазах и даже морщинки. А от городских пейзажей мурашки по телу бегут. Теперь вы знаете, какие бывают стили рисования, и можете спокойно идти на выставку, не боясь выставить себя абсолютным дилетантом в данном вопросе.

новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи.

После реформ Петра I и открытия «окна в Европу» кардинальным образом изменилась и русская культура. Перемены затронули и изобразительное искусство: русские художники познакомились с зарубежными «коллегами», иностранцы стали работать при дворе. Новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи — вспоминаем, как развивалась русская живопись в XVIII веке.

Европейские пенсионеры и иностранные учителя

Иван Никитин. Портрет Петра I. 1720-ые гг. Русский музей, Санкт-Петербург

Андрей Матвеев. Автопортрет с женой. 1729 г. Русский музей, Санкт-Петербург

Иван Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. 1750 г. Русский музей, Санкт-Петербург

При Петре I людей разных профессий отправляли учиться за границу, в том числе и художников. Тех, кто получал знания за государственный счет, называли пенсионерами (от слова «пенсион» — содержание на время обучения). Среди первых живописцев, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев. Никитин прошел обучение в Италии и, вернувшись в Россию, работал при царском дворе. Его считают одним из основателей русской портретной школы. Андрей Матвеев учился в Голландии, позже он создал первый в истории русской живописи автопортрет.

За границей русские художники погружались в европейскую культурную среду. Они знакомились с направлениями, которые уже долгое время развивались в искусстве законодательницы мод Франции, национальной живописи Англии, наследнице Ренессанса Италии и Голландии. На манере их письма отражались популярные в Европе стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удавалось сохранять черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурных барокко и рококо были заметны элементы аскетичной парсуны.

В творчестве одного художника часто проявлялись черты разных стилей. Происходило это оттого, что в Европе русские мастера знакомились сразу и с барочными мотивами, и с зарождающимся сентиментализмом.

Пока русские живописцы учились за рубежом, ко двору приглашали иностранных художников. Они писали полотна на заказ и набирали учеников «на местах». Одними из первых прибыли в Россию в начале XVIII века француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Елизаветы важную роль в искусстве сыграли братья Гроот и итальянец Пьетро Ротари. Для обозначения работ иностранных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.

Новые жанры. От портрета — к городскому пейзажу

Неизвестный художник. Парсуна с изображением Евдокии Лопухиной, XVIII в. Чухломской краеведческий музей имени А.Ф. Писемского, Костромская обл.

Теплов Григорий. Натюрморт. 1737 г. Государственный Эрмитаж, Санкт -Петербург

Федор Алексеев. Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости. 1794 г. Третьяковская галерея, Москва

Поток свежих идей хлынул в русскую живопись: художественные техники и приемы колористики, работа с композицией и новые жанры. В книге «История русского искусства» Игорь Грабарь писал: «С уверенностью можно сказать лишь то, что одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи, было появление портрета». Новый жанр был связан с парсунной живописью, которая получила распространение в XVII столетии. Парсуной (от искаженного «персона») условно называли портрет, в котором наряду с традиционными иконописными чертами стали появляться и более реалистичные мотивы. Художники, до этого писавшие иконы, стали обращаться к человеку и его внутреннему миру. Краски становились более яркими, а сюжеты — более светскими. В XVIII столетии — его называли «веком портретов» — появилось множество вариантов этого жанра: роскошный парадный, автопортрет и изображение на одном полотне сразу двоих людей.

Читайте также:

С 1740-х годов стал более популярным скромный камерный портрет. Известными портретистами были Алексей Антропов и Иван Аргунов. Аргунов стал одним из первых крепостных художников, добившихся славы живописца и сумевших основать художественную династию. Его двоюродный брат и оба сына стали архитекторами и художниками.

В XVIII веке развивался не только портретный жанр. Григорий Теплов написал первый натюрморт. Антон Лосенко создал первую картину в историческом жанре. Его начинания продолжили ученики — Петр Соколов, Григорий Угрюмов и Иван Пучинов. Бытовая живопись стала заметным явлением благодаря творчеству бывшего крепостного Михаила Шибанова. Полотна о жизни русских крестьян писал Иван Ерменёв. Он был сыном конюха, окончил Академию художеств, учился в Париже. Кисти Ерменева принадлежала целая серия «Нищие».

Еще одним новшеством для XVIII века стало изображение природы и романтики города. Основоположником пейзажного жанра считается Семен Щедрин, а городского пейзажа — живописец Федор Алексеев.

Академия художеств и первые картинные галереи

Федор Рокотов. Коронационный портрет Екатерины II. 1763 г. Третьяковская галерея, Москва

Владимир Боровиковский. Портрет Елены Александровны Нарышкиной 1799 г. Третьяковская галерея, Москва

Михаил Шибанов. Празднество свадебного договора. 1777 г. Третьяковская галерея, Москва

В XVIII веке в корне изменилось само отношение к живописи. Работа художника становилась профессией. В эти годы появилась Академия художеств, высшее учебное заведение, где обучали изобразительным искусствам. Она была создана по примеру школ, уже существовавших в Болонье, Милане, Париже, Берлине и Вене. Изначально в Академии преподавали лишь иностранцы, поэтому воспитанникам приходилось учить языки своих наставников. Первыми выпускниками учебного заведения стали Федор Рокотов, Антон Лосенко, Василий Баженов, Иван Старов.

При Петре I появились и первые частные коллекции живописи. Полотна собирали Александр Меншиков, Борис Шереметев, князья Голицыны. Императрица Елизавета Петровна создала первые картинные галереи при дворе. И совершенно все изменилось при Екатерине II: «музеи» живописи теперь контролировали на государственном уровне. Иностранных мастеров приглашали ко двору, картины скупали через российских дипломатов за рубежом. Екатерина II собрала достойную коллекцию западноевропейского искусства. Именно на ее основе к концу века был сформирован один из богатейших фондов живописи в мире — будущий Эрмитаж.

Стили и направления в изобразительном искусстве

Готика – художественный стиль, сформировавшийся в странах Западной и Центральной Европы в XII-XV вв. Он явился результатом многовековой эволюции средневекового искусства, его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем. Он охватил все виды искусства – архитектуру, скульптуру, живопись, витраж, книжное оформление, декоративно-прикладное искусство. Основой готического стиля была архитектура, которая характеризуется устремленными ввысь стрельчатыми арками, многоцветными витражами, визуальной дематериализацией формы.
Элементы готического искусства часто можно встретить в современном оформлении интерьеров, в частности, в настенной росписи, реже в станковой живописи. С конца прошлого века существует готическая субкультура, ярко проявившаяся в музыке, поэзии, дизайне одежды.
Возрождение ( Ренессанс) — (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода «возрождение» его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии — 14-16 вв., в других странах — 15-16 вв. ), его территориальном распространении и национальных особенностях. Элементы этого стиля в современном искусстве довольно часто используются в настенных росписях, реже в станковой живописи.
Маньеризм — (от итальянского maniera — приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художественного образа, рождающегося в душе художника. Ярче всего проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. В последнее время стал использоваться искусствоведами для обозначения явлений в современном искусстве, связанных с трансформацией исторических стилей.
Барокко — исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в сер. XVI-XVII столетия, а затем во Франции, Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Шире этот термин используется для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах. Наконец, в каждом времени, почти в каждом историческом художественном стиле можно обнаружить свой «период барокко» как этап наивысшего творческого подъема, напряжения эмоций, взрывоопасности форм.
Классицизм – художественный стиль в западноевропейском искусстве XVII — нач. XIX века и в русском XVIII — нач. XIX, обращавшийся к античному наследию как к идеалу для подражания. Он проявился в архитектуре, скульптуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Художники-классицисты считали античность высшим достижением и сделали ее своим эталоном в искусстве, которому стремились подражать. Со временем переродился в академизм.
Романтизм – направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм. Романтики выдвигали на первый план индивидуальность, противопоставляя идеальной красоте классицистов «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычайные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играет острое индивидуальное восприятие и переживание. Романтизм освободил искусство от отвлеченных классицистических догм и повернул его к национальной истории и образам народного фольклора.
Сентиментализм — (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо.
Реализм – направление в искусстве, стремящееся с наибольшей правдой и достоверностью отобразить как внешнюю форму, так и сущность явлений и вещей. Как творческий метод соединяет в себе индивидуальные и типические черты при создании образа. Самое длительное по времени существования направление, развивающееся от первобытной эпохи до наших дней.
Символизм – направление в европейской художественной культуре конца XIX-начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии, эстетике — позитивизма, в искусстве — натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-70-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству и теоретизированию немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противополагал мир видений и грёз. Универсальным инструментом постижения тайн бытия и индивидуального сознания считался символ, порождённый поэтическим прозрением и выражающий потусторонний, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувственным, везде находящий «знаки» мировой гармонии, пророчески угадывающий признаки будущего как в современных явлениях, так и в событиях прошлого.
Импрессионизм – (от фр. impression – впечатление) направление в искусстве последней трети XIX – начала XX в., возникшее во Франции. Название было введено художественным критиком Л. Леруа, пренебрежительно отозвавшемся о выставке художников 1874 года, где среди прочих была представлена картина К. Моне «Восход солнца. Впечатление». Импрессионизм утверждал красоту реального мира, акцентируя свежесть первого впечатления, изменчивость окружающего. Преимущественное внимание к решению чисто живописных задач уменьшало традиционное представление о рисунке как о главной составной части произведения искусства. Импрессионизм оказал мощное воздействие на искусство европейских стран и США, пробудил интерес к сюжетам из реальной жизни. (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей и др.)
Пуантилизм – течение в живописи (синоним – дивизионизм), развивавшееся в рамках неоимпрессионизма. Неоимпрессионизм возник во Франции в 1885 году и получил распространение также в Бельгии и Италии. Неоимпрессионисты пытались применить в искусстве новейшие достижения в области оптики, согласно которым выполненная раздельными точками основных цветов живопись в зрительном восприятии дает слияние цветов и всю гамму живописи. (Ж. Сера, П. Синьяк, К. Писсарро).
Постимпрессионизм – условное собирательное название основных направлений французской живописи к. XIX – 1-ой четв. XX в. Искусство постимпрессионизма возникло как реакция на импрессионизм, который фиксировал внимание на передаче мгновения, на ощущении живописности и утратил интерес к форме предметов. Среди постимпрессионистов – П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог и др.
Модерн – cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa — oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы.
Тecнo cвязaн c мoдepнoм — cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво – во Франции, Сецессион – в Австрии, Югендстиль – в Германии, Либерти – в Италии.
Модернизм – (от фр. modern – современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму.
Авангардизм – название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения.
Сезаннизм – направление в искусстве к. XIX – н. XX в., основанное на творческих уроках французского художника Поля Сезанна, который сводил все формы в изображении к простейшим геометрическим фигурам, а колорит – к контрастным построениям теплых и холодных тонов. Сезаннизм послужил одной из отправных точек для кубизма. В большой мере сезаннизм повлиял также на отечественную реалистическую школу живописи.
Фовизм – (от fauve – дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока.
Примитивизм – намеренное упрощение изобразительных средств, подражание примитивным стадиям развития искусства. Этим термином обозначают т.н. наивное искусство художников, не получивших специального образования, однако вовлеченных в общий художественный процесс к. XIX – нач. XX века. Произведениям этих художников – Н. Пиросмани, А. Руссо, В. Селиванова и др. присуща своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание обобщенной формы и мелкой буквальности в деталях. Примитивизм формы отнюдь не предопределяет примитивность содержания. Он часто служит источником для профессионалов, заимствовавшим из народного, по сути примитивного искусства формы, образы, методы. Из примитивизма черпали вдохновение Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикассо, А. Матисс.
Академизм – направление в искусстве, сложившееся на основе следования канонам античности и эпохи Возрождения. Бытовало во многих европейских школах искусства с XVI по XIX век. Академизм превращал классические традиции в систему «вечных» правил и предписаний, сковывавших творческие поиски, пытался противопоставить несовершенной живой природе «высокие» улучшенные, доведенные до совершенства вненациональные и вневременные формы красоты. Для Академизма характерно предпочтение сюжетов из античной мифологии, библейских или исторических тем сюжетам из современной художнику жизни.
Кубизм – (фpaнц. cubisme, oт cube — кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др.
Сюрреализм — течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения – Андре Бретон, Луи Арагон, Сальвадор Дали, Луис Бунюэль, Хуан Миро и многие другие художники всего мира. Сюрреализм выражал идею существования за пределами реального, особенно важную роль здесь приобретают абсурд, бессознательное, сны, грезы. Одним из характерных методов художника-сюрреалиста является отстранение от осознанного творчества, что делает его инструментом, различными способами извлекающим причудливые образы подсознания, родственные галлюцинациям. Сюрреализм пережил несколько кризисов, пережил вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с трансавангардом, вошел в качестве составной части в постмодернизм.
Футуризм — (oт лaт. futurum — бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa.

Анализ психологических особенностей у людей с различными предпочтениями в изобразительном искусстве

Скопировать для цитирования

Коношевич А.А.
e-mail: [email protected]

Большинство психологов в рамках психофизического подхода сходятся во мнении, что явно или имплицитно, предпочтение в пользу той или иной формы дизайна или произведения искусства отражает эмоциональное состояние человека. Изучение художественных предпочтений – степени, в которой люди любят или не любят различные стили живописи – представляло собой доминирующий подход в области личности и искусства, несомненно, из-за относительной простоты классификации художественных продуктов в соответствии с установленными направлениями. Еще до того, как были «найдены» личностные черты (то есть до развития таксономии признаков), такие авторитетные психологи как Берт (1933) и Айзенк (1940), исследовали личностные вариации в оценках различных картин[4].

Если говорить о восприятии произведений искусства в контексте коммуникации между художником и зрителем (реципиентом), необходимо учитывать и особенности индивидуального стиля и биографии автора, которая неизменно будет проявляться в его творчестве. Психологические проблемы повлияли на творческий путь многих выдающихся художников. Известные примеры включают Микеланджело, Уильяма Блейка, Василия Кандинского и Эдварда Мунка, каждый из которых страдал от депрессии, или современного художника Изы Генцкена, страдающего биполярным расстройством. Многолетнее употребление алкоголя нашло отражение в работах Амедео Модильяни, Анри Тулуз-Лотрека и Джексона Поллока. Причины и триггеры этих проблем можно найти в таких обременительных жизненных событиях, как потеря партнера, отсутствие признания и успеха как профессионального художника, неуверенность в себе и отрицательная обратная связь со стороны общественности и коллег-художников, что со стороны художника воспринимается как отсутствие уважения[7].

Неврологические расстройства и связанные с ними изменения функций мозга оказывают глубокое влияние на художественное выражение. Так, например, произведения Виллема де Кунинга с прогрессированием деменции становились все более абстрактными. Внутренние образы возникают на основе восприятия, памяти и общего знания о мире. Крах сохраненных визуальных знаний как симптом слабоумия может также включать освобождение от ограничений в визуальном выражении, которое может повлечь за собой новый экспрессивный стиль[9].

Несмотря на то, что литература представляет несколько фрагментарный набор данных, был исследован широкий спектр личностных факторов, включая консерватизм, открытость, шизотипию, терпимость к двусмысленности и, в частности, стремление к новизне (Furnham & Avison, 1997)[10]. Эти исследования показали, что существуют предсказуемые связи между личностью и конкретными художественными предпочтениями, особенно корреляция между консерватизмом или добросовестностью и предпочтениями традиционного/репрезентативного, а не абстрактного или кубистического искусства. И наоборот, открытость опыту была связана с предпочтениями в отношении нетрадиционных стилей.

Другой показатель — художественное суждение, по существу рассматривается как мера когнитивной способности, а не вкуса, и включает в себя оценку лучшего из двух или более стимулов. Большинство этих исследований опирались на старые методы, такие как критерий оценки искусства Мейера (Meier, 1940) и критерий оценки дизайна Грейвза (Graves, 1948), которые требуют от участников различать оригинальное произведение искусства и поддельную или экспериментально модифицированную копию. Например, участникам может быть представлена настоящая сюрреалистическая картина рядом с модифицированной версией этой картины (в которой один из абстрактных объектов появляется в другом цвете или месте), и испытуемых просят найти оригинал. Затем измеряется как их точность, так и время реакции.

Хотя остаются сомнения в обоснованности таких мер, исследования выявили, что показатели когнитивных способностей в значительной степени связаны с оценкой искусства (Chamorro-Premuzic & Furnham, 2004, 2005). Корреляции между художественным суждением и традиционными интеллектуальными измерениями предполагает, что интеллект может выступать важным фактором, но только его достаточен для объяснения индивидуальных различий в художественных суждениях.

На самом деле, сочетание как личностных черт, так и интеллекта кажется более эффективным для предсказания подобных особенностей, объясняя почти 30 процентов различий в оценке искусства. Личностная черта, которая была обнаружена в ранних исследованиях, наиболее тесно связанная со способностью к художественному суждению, — это добросовестность – причем более низкая добросовестность связана с более высокими оценками точности художественных суждений. Этот вывод интересен в связи с давней концептуализацией совестливости (или эквивалентного признака) как негативного коррелята творчества и предиктора более традиционных художественных предпочтений. Таким образом, добросовестные люди были бы менее заинтересованы и компетентны в художественной оценке[8].

Элиас Кац (1944, 48) исследуя предпочтения в искусстве у детей, обнаружил, что все дети, независимо от пола, возраста и социально-экономического положения, предпочитают традиционные картины современным в соотношении три к двум. Кац также обнаружили, что предпочтение традиционной живописи возрастало с семи до одиннадцати лет. Другими словами, самые младшие были более открыты для современных картин, чем те, кто постарше. В соответствии с тематикой, больше детей, особенно девочек, предпочитали традиционную живопись, если это был портрет. Когда предметом исследования был ландшафт, наблюдалась тенденция отдавать предпочтение современной живописи перед традиционной. Кац объясняет эти результаты предположением, что «искажение» человеческой фигуры больше беспокоит детей, чем «искажение» или образное изображение природы и ландшафта, и что девочек больше, чем мальчиков беспокоит «искажение» человеческой фигуры. Кац (1944, 55) также обнаружил, что чем выше социально-экономический уровень, тем больше предпочтение в пользу традиционных картин. Исследователь предполагал, что такие вопросы, как окружение (картины, которые дети привыкли видеть вокруг себя дома), отношение родителей к традиционным и современным картинам, экспрессия в создании картин, посещение музеев и другие факторы влияют на предпочтения детей, таким образом дети с более высоким социально-экономическим фоном больше подвержены влиянию искусства и влиянию окружающей среды[6].

Эстетические реакции на визуальное искусство включают в себя множество психических процессов: от ощущения и восприятия до появления широкого спектра эмоций и рефлексии. Кроме того, эстетический опыт в высшей степени индивидуален, и наблюдатели значительно различаются в своих реакциях на одно и то же произведение искусства. В исследованиях, где комбинировались методы фМРТ и поведенческий анализ индивидуальных различий в эстетической реакции, исследователи выявляли два различных паттерна нейронной активности, проявляемых различными подсетями. Активность возрастала линейно с оценками наблюдателей в сенсорных (затылочно-височных) областях. Активность в стриатуме (полосатое тело) также линейно варьировала в зависимости от оценок, причем для произведений искусства, оцененных низко, активность была ниже базовой. Напротив, сеть фронтальных областей показала ступенчатый рост только для наиболее значимых(предпочитаемых) произведений искусства[12].

На базе ЦКП экспериментальной физиологии, в лаборатории психофизиологии Крымского федерального университета имени В.И. Вернадского, в рамках курсовой работы, было проведено исследование влияния психологических особенностей личности на склонность к предпочтению к тому или иному жанру изобразительного искусства (импрессионизм или абстрактный экспрессионизм и кубизм).

Основным методом исследования являлся Опросник 5PFQ (Большая пятерка), был разработан в 1983-1985 гг. американскими психологами Р. МакКрэй и П. Коста. Пятифакторный опросник личности представляет собой набор из 75 парных, противоположных по своему значению, стимульных высказываний, характеризующих поведение человека. Стимульный материал имеет пятиступенчатую оценочную шкалу Лайкерта (-2; -1; 0; 1; 2), с помощью которой можно измерять степень выраженности каждого из пяти факторов (экстраверсия – интроверсия; привязанность – обособленность; самоконтроль – импульсивность; эмоциональная неустойчивость – эмоциональная устойчивость; экспрессивность – практичность). Теоретической основой опросника является пятифакторная модель личности.

В данном исследовании представлен вариант адаптации 5PFQ (сост. Хийджиро Теуйн) в адаптации А.Б. Хромова [1].

Дополнительным методом исследования восприятия визуальных стимулов (произведений искусства) являлся прибор для регистрации траектории движения глаз RED-250 – это современный прибор, который используется для определения ориентации оптической оси глазного яблока в пространстве, покадрово анализируя видеозапись движения глаз (рис. 1).

 Рисунок 1.  Вариант обработки трекинга глаз в программе SMIBeGaze

Был разработан набор стимулов, содержащих картины в стиле импрессионизм, а так же картины, принадлежащие к абстрактному направлению (кубизм, абстрактный импрессионизм). (рис 2.)

Рисунок 2.  Пример стимульного материала (слева — Dora Maar, «Portrait de Picasso» , 1936, кубизм ; справа — Огюст Ренуар «Жанна Самари», 1887, импрессионизм)                                                                                        

В пилотном исследовании приняло участие 30 человек в возрасте от 16 до 42 лет с различными предпочтениями в изобразительном искусстве. В первом разделе тестирования испытуемым необходимо было ответить на вопросы опросника 5PFQ (Большая пятерка), во втором разделе предлагалось 2 картины, принадлежащие к разным художественным направлениям, на выбор (для выявления предпочтений в изобразительном искусстве). При разработке теста, рисунки принимались в качестве стимулов только после единогласного решения экспертной комиссии.

В дополнение к основному исследованию готовый набор стимулов показывался с помощью прибора для регистрации движений глаз RED-250, с целью выявления стратегий восприятия предложенных картин. Перед показом группы стимулов, проводилась калибровка движений глаз испытуемого, которая необходима в дальнейшем, для достоверной обработки результата движения глаз.

Для верификации гипотезы был проведен корреляционный анализ методом ранговой корреляции Спирмена. Для проведения анализа был подсчитан процент избегания абстрактных форм живописи — один ряд наблюдений, а второй ряд степень выраженности личностных черт (показатели шкал опросника 5PFQ). В качестве примера приведен график(рис.3), наглядно демонстрирующий анализ статистической значимости различий по одной из шкал опросника: «интроверсия/экстраверсия».

Риунок 3. Диаграмма рассеяния : взаимосвязь между предпочтениями в изобразительном искусстве и уровнем экстраверсии

Корреляционный анализ является вспомогательным средством для понимания того, как люди оценивают картины. В то время как различные черты личности связаны с различными стилями в изобразительном искусстве, существует также общая тенденция для людей в области художественных предпочтений. Личностная черта, которая кажется наиболее актуальной, когда речь идет о прогнозировании более высоких уровней общего художественного предпочтения, — это открытость опыту, черта, которая относится к индивидуальным различиям в эстетической чувствительности, интеллектуальному любопытству, воображению и инновационным стремлениям.

Однако анализ данных, показывает, что существует статистически значимая положительная связь между выбором импрессионизма, как более предпочтительного направления, и экстраверсией (rs  = 0,373, р = 0,046), аккуратностью(rs = 0,582, р = 0,001), активностью(rs  = 0,598, р = 0,001), ответственностью(rs  = 0,420, р = 0,023), самоконтролем(rs = 0,504, р = 0,005), предусмотрительностью(rs = 0,409, р = 0,028). Это означает, что чем выше в процентном соотношении предпочтения в пользу импрессионизма преобладают над абстрактным экспрессионизмом или кубизмом, тем сильнее выраженность перечисленных выше качеств. Такой результат дает основание предположить, что данные психологические особенности выступают детерминантами индивидуальных предпочтений в изобразительном искусстве.

Подводя итог, можно сказать, что восприятие произведений изобразительного искусства рассматривается как сложный многоуровневый процесс коммуникации между художником и зрителем, включающий работу зеркальных нейронов.  Можно утверждать, что искусство формирует особые стратегии познания, качественно отличающиеся от выдвигаемых классической наукой.

Поставленная гипотеза подтвердилась — существует положительная взаимосвязь между предпочтениями в изобразительном искусстве и личностными особенностями, что подтверждается корреляционным анализом.

Стоит отметить, что помимо личностных черт, детерминантами индивидуальных предпочтений в изобразительном искусстве могут выступать демографические характеристики (пол, возраст) и уровень образования.

В качестве дополнительной задачи исследования выступало изучение стратегий восприятия картин, относящихся к направлениям импрессионизма и абстракционизма, с помощью айтрекера (прибора для регистрации движений глаз RED-250). Были выявлено, что траектория движений глаз у испытуемых, предпочитающих более репрезентативные формы изобразительного искусства отличается от траектории движений глаз тех, кто выбирал абстрактную живопись. Однако из-за недостаточного количества испытуемых не представляется возможным выявление достоверных различий на данном этапе исследования.

Разработка стимульного материала и определение основных механизмов эстетического восприятия может служить как дополнительный метод в психодиагностике. Результаты данного исследования могут применятся в сфере маркетинга и дизайна, при выявлении стимулов, задающих аттрактивность среды для определенной аудитории.

Примеры живописи, жанры, стили, различные техники и направления. Направления в живописи Все стили рисования список с примерами

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Материя была лишена тяжеловесности и непроницаемости, она была, как бы одухотворена.

Огромные поверхности окон заполняли витражи с композициями, воспроизводившими исторические события, апокрифические сказания, литературные и религиозные сюжеты, изображения бытовых сцен из жизни простых крестьян и ремесленников, которые явили собой уникальную энциклопедию уклада жизни в период средневековья. Кона сверху донизу заполнялись фигурными композициями, которые были заключены в медальоны. Сочетание светового и цветового начала живописи в технике витража придавало повышенную эмоциональность художественным композициям. Использовались самые разные стекла: густо-алые, огненные, красные, цвета граната, зеленые, желтые, темно-синие, голубые, ультрамариновые, вырезанные по контуру рисунка… Окна грели подобно драгоценным самоцветам, пронизанные наружным светом, — они преображали весь интерьер храма и настраивали его посетителей на возвышенный лад.

Благодаря готическому цветовому стеклу зародились новые эстетические ценности, а краски приобрели высочайшую звучность сияющего цвета. Чистый цвет порождал атмосферу воздушной среды, крашенной в различные тона благодаря игре света на колоннах, полу, витражах. Цвет превратился в источник света, углублявший перспективу. Толстые стекла, зачастую неодинаковые, были наполнены не совсем прозрачными пузырьками, усиливавшими художественный эффект от витража. Свет, проходя через неравномерную толщу стекол, дробился и начинал играть.

Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа (например, «Богоматерь с младенцем»). Наполнена не меньшим великолепием, а также «Огненные колеса» и «Мечущие молнии» в соборе Шартра.

С середины 1-ого столетия в красочную гамму начали вводить сложные цвета, получаемые при помощи дублирования стекол. Такие необыкновенные витражи в готическом стиле сохранились в Сент-Шапель (1250г.). коричневой эмалевой краской наносились контуры по стеклу, а формы при этом обладали плоскостным характером.

Готическая эпоха стала временем расцвета искусства миниатюрной книги, а также художественной миниатюры. Усилению светских тенденций в культуре только усилило их развитие. Иллюстрации с многофигурными композициями на религиозную тематику включали различные реалистические детали: изображения птиц, зверей, бабочек, орнаменты растительных мотивов, бытовых сценок. Особым поэтическим очарованием наполнены работы французского миниатюриста Жана Пюсселя.

В развитии французской готической миниатюры 13-14-го столетий ведущее место было занято парижской школой. Псалтырь святого Людовика изобилует многофигурными композициями, обрамленными одним мотивом готической архитектуры, отчего повествование приобретает необычайную стройность (Лувр, Париж, 1270г.). фигуры дам и рыцарей грациозны, их формы отличаются струящимися линиями, что создает иллюзию движения. Сочность и густота красок, а также декоративная архитектура рисунка превращают данные миниатюры в уникальные произведения искусства и драгоценные украшения страниц.

Стиль готической книги отличают заостренные формы, угловатый ритм, беспокойность, филигранность ажурного узора и топкость извилистых линий. Стоит отметить, что в 14-15-ом столетии светские рукописи также иллюстрировались. Часословы, научные трактаты, сборники любовных песен и хроники наполнены великолепными миниатюрами. В миниатюре, иллюстрировавшей произведения куртуазной литературы, воплотился идеал рыцарской любви, а также сцены из обычной окружающей жизни. Подобное творение – рукопись Манес (1320г.).

Со временем в готике усилилась повествовательность. «Большие французские хроники» кона 14-го столетия наглядно демонстрирую стремление художника проникнуть в смысл изображаемого им события. Наряду с этим книгам придавалась декоративная нарядность путем использования изысканных виньеток и рамок причудливых форм.

Готическая миниатюра оказала большое влияние на живопись и внесла живую струю в искусство Средневековья. Готика стала не просто стилем, а важным звеном в общем культурном развитии общества. Мастера стиля с невероятной точностью смогли воспроизвести образ своего современника в предметной и природной среде. Величавые и одухотворенные готические произведения окружены аурой неповторимого эстетического обаяния. Готика породила новое понимание синтеза искусств, а ее реалистические завоевания подготовили почву для перехода к искусству эпохи Возрождения.

Стили и направления живописи

Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.

Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — художественное направление в искусстве, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм.


Авангардизм, авангард (от фр. avant-garde — передовой отряд) — общее название художественных направлений в искусстве XX века, для которых характерны поиск новых форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства.

Академизм (от фр. academisme) — направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.


Акционизм (от англ. action art — искусство действия) — хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью.


Ампир (от франц. empire — империя) — стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир — финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789))


Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) — ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif) — направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).

Барокко (от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Вудленд (от англ. — лесная земля) — стиль в искусстве, берущий начало в символике наскальных изображений, мифах и легендах североамериканских индейцев.


Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине XIX века, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.


Китч, кич (от нем. kitsch — безвкусица) — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч — разновидность постмодернизма. Китч — это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль в искусстве, основой которого являлось обращение, как к идеальному эстетическому эталону, к образам и формам античного искусства и эпохи Возрождения, требующий строгого соблюдения ряда правил и канонов.

Космизм (от греч. kosmos — организованный мир, kosma — украшение) — художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм (от фр. cube — куб) — модернистское направление в искусстве, изображавшее предметы действительности разложенными на простейшие геометрические фигуры.

Леттризм (от англ. letter — письмо, послание) — направление в модернизме, основанное на использовании изображений похожих на шрифт, нечитаемый текст, а также композиций на основе букв и текста.



Метареализм, метафизический реализм (от греч. meta — между и геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, основная идея которого выразить сверхсознание, сверхфизическую природу вещей.


Минимализм (произошло от англ. minimal art — минимальное искусство) — художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.


Модерн (произошло от фр. moderne — новейший, современный) — художественный cтиль в иcкyccтвe, в котором пepeocмыcливaются и cтилизуются чepты иcкyccтвa paзныx эпox при помощи xyдoжecтвeнных пpиeмов, ocнoвaнных нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.

Неопластицизм — одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии», выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Примитивизм, наивное искусство, наив — стиль живописи, в котором картина намеренно упрощается, её формы делаются примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека.


Оп-арт (от англ. optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигаются введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.


Ориентализм (от лат. oriens — восток) — направление в европейском искусстве в котором используются тематика, символика и мотивы Востока и Индокитая


Орфизм (от фр. orphisme, от Orp?ee — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.


Поп-арт (от англ. pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором реальностью являются типичные предметы современного урбанизированного быта, образцы массовой культуры и всей окружающей человека искусственной материальной среды


Постмодернизм (от фр. postmodernisme — после модернизма) — новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно объединение в рамках одного произведения стилей, образных мотивов и художественных приемов, заимствованных из разных эпох, регионов и субкультур.

Реализм (от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности.


Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — художественное направление в искусстве, основанное на воплощении основных идей произведения посредством многозначной и многоликой ассоциативной эстетики символов.


Социалистический реализм, соцреализм — художественное направление в искусстве, представляющее собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленное эпохой социалистического общества.


Гиперреализм, суперреализм, фотореализм (от англ. hyperrealism — сверх реализм) — направление в искусстве, основанное на точном фотографическом воспроизведение действительности.

Сюрреализм (от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма, основная идея которого выразить подсознание (совместить сон и реальность).

Трансавангард (от лат. trans — сквозь, через и фр. avantgarde — авангард) — одно из современных направлений постмодернизма, возникшее как реакция на концептуализм и поп-арт. Трансавангард охватывает смешения и трансформации стилей, родившихся в авангарде, таких как кубизм, фовизм, футуризм, экспресионизм и др.

Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское направление в искусстве, рассматривающее изображение внешнего мира лишь как средство для выражения субъективных состояний автора.



Продолжаем раздел «Рукоделие » и подраздел « » статьёй . Где предлагаем вам определения нескольких известных и неизвестных современных и не очень стилей, а также проиллюстрируем их как можно более понятно.

Стили искусства в картинках нужны, в частности, для того, чтобы вы смогли узнать, в каком стиле вы рисуете (или рукоделите в общем), или какой стиль вам подходит больше всего для рисования.

Начнём мы со стиля, который называется «реализм». Реализм — это эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Существует множество подстилей реализма — критический реализм, социалистический реализм, гиперреализм, натурализм и множество других. В более широком смысле слова реализм — это способность искусства правдиво, неприкрашенно изображать человека и окружающий его мир в жизнеподобных, узнаваемых образах, при этом не копируя пассивно и бесстрастно натуру, а отбирая в ней главное и стремясь передать в видимых формах сущностные качества предметов и явлений.

Пример: В. Г. Худяков. Контрабандисты (кликните для увеличения):

Теперь перейдём к стилю под названием «импрессионизм». Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — стиль, где художники старались наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Пример: Дж. Уильям Тёрнер (кликните для увеличения):

Далее по списку у нас намного менее известный, чем импрессионизм и реализм, стиль под названием «фовизм». Фовизм (от фр. fauve — дикий) — название образовалось, так как картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.

Следующий стиль — модерн. Модерн — (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, где основой был отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Пример архитектуры в стиле модерн — в статье «Волшебные дома Гауди «. Пример картины в стиле модерн: А. Муха «Закат» (кликните для увеличения):

Затем перейдём далее. Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — выражение эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. В экспрессионизме идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. Подчеркивалась субъективность творческого акта.

Пример: Ван Гог, «Звёздная ночь над Роной»:

Следующее течение, которого мы коснёмся — это кубизм. Кубизм (фр. Cubisme) — направление в изобразительном искусстве, характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Далее стиль под названием «футуризм». Название стиля футуризм произошло от латинского futurum — будущее . Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. Свои картины футуристы посвящали поезду, автомобилю, самолётам — словом, внимание было на все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы.

И теперь переходим к стилю под названием «абстракционизм». Абстракционизм (лат. abstractio — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

Пример: В. Кандинский:

Далее у нас по списку течение «дадаизм». Дадаизм , или дада — название течения происходит от нескольких источников: на языке негритянского племени Кру оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае дадаизм — это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения.

И теперь мы переходим к супрематизму. Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Пример: Казимир Малевич:

Следующее течение, которое мы вкратце рассмотрим — это течение со странным названием «метафизическая живопись». Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica) — здесь метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Пример — Джорджо Моранди. Натюрморт с манекеном:

И теперь мы переходим к очень интересному течению по имени «сюрреализм». Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) в основе имеет совмещение сна и реальности. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одним из величайших представителей сюрреализма в живописи стал Сальвадор Дали.

Пример: Сальвадор Дали:

Далее мы переходим к такому течению, как активная живопись. Активная живопись (живопись по интуиции, ташизм, от французского Tachisme, от Tache — пятно) — течение, которое представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Предпоследний на сегодня стиль — это поп-арт. Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) порождает произведения искусства, для которых были использованы элементы „народной культуры“. То есть, Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст (например, изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и так далее).

Пример: Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»:

Соответственно, последнее на сегодня направление — минимализм. Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Иску́сство ABC (англ. ABC Art) — это течение, которое включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Таким образом, существует огромное количество стилей искусства — которые преследуют свои собственные цели.

Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.

Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.

История развития

История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.

Готика

Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.

Ренессанс или Возрождение

Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Маньеризм

Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.

Барокко

Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.

Классицизм

Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.

Романтизм

Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.

Символизм

Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.

Реализм

Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.

Импрессионизм

Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.

Модерн

Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.

Авангардизм

Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.

Примитивизм или наивный стиль

Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.

Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.

Один из основных способов нашего мышления. Его результат — образование наиболее общих понятий и суждений (абстракций). В декоративном искусстве абстрагирование — это процесс стилизации природных форм.

В художественной деятельности абстрагирование присутствует постоянно; в своем крайнем выражении в изобразительном творчестве оно ведет к абстракционизму, особому направлению в изобразительном искусстве XX в., для которого характерны отказ от изображения реальных объектов, предельное обобщение или полный отказ от формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен, плоскостей и др. ), эксперименты с цветом, спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, неорганизованных абстрактных формах (абстрактный экспрессионизм). К этому направлению можно отнести живопись русского художника В. Кандинского.

Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали логически упорядоченные конструкции, перекликаясь с поисками рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.) В скульптуре абстракционизм выразился меньше, чем в живописи.

Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».

Реализм

От фр. realisme, от лат. realis — вещественный. В искусстве в широком смысле правдивое, объективное, всестороннее отражение действительности специфическими средствами, присущими видам художественного творчества.

Общими признаками метода реализма является достоверность в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство обладает огромным разнообразием способов познания, обобщения, художественного отражения действительности (Г.М. Коржев, М. Б. Греков, А.А. Пластов, А. М. Герасимов, Т. Н. Яблонская, П. Д. Корин и др.)

Реалистическое искусство XX в. приобретает яркие национальные черты и многообразие форм. Реализм — явление противоположное модернизму.

Авангардизм

От фр. avant — передовой, garde — отряд — понятие, определяющее экспериментальные, модернистские начинания в искусстве. В каждую эпоху возникали новаторские явления в изобразительном искусстве, но термин «авангардизм» утвердился только в начале XX в. В это время появились такие направления, как фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Затем в 20-е и 30-е годы авангардистские позиции занимает сюрреализм. В период 60-70-х годов добавляются новые разновидности абстракционизма — различные формы акционизма, работа с предметами (поп-арт), концептуальное искусство, фотореализм, кинетизм и др. Художники-авангардисты выражают своим творчеством своеобразный протест против традиционной культуры.

Во всех авангардистских направлениях, несмотря на их большое разнообразие, можно выделить общие черты: отказ от норм классического изображения, формальная новизна, деформация форм, экспрессия и различные игровые преобразования. Все это приводит к размыванию границ между искусством и реальностью (реди-мейд, инсталляция, энвайромент), созданию идеала открытого произведения искусства, непосредственно вторгающегося в окружающую среду. Искусство авангардизма рассчитано на диалог художника и зрителя, активное взаимодействие человека с художественным произведением, соучастие в творчестве (например, кинетическое искусство, хэппенинг и др.).

Произведения авангардистских направлений порой теряют изобразительное начало и приравниваются к объектам окружающей действительности. Современные направления авангардизма тесно переплетаются, образуя новые формы синтетического искусства.

Андерграунд

Англ. underground — подполье, подземелье. Понятие, означающее «подпольную» культуру, противопоставившую себя условностям и ограничениям традиционной культуры. Выставки художников рассматриваемого направления часто проходили не в салонах и галереях, а прямо на земле, а также в подземных переходах или метро, которое в ряде стран называют андеграундом (подземкой). Вероятно, данное обстоятельство также повлияло на то, что за данным направлением в искусстве XX в. утвердилось это название.

В России понятие андеграунд стало обозначением сообщества художников, представлявших неофициальное искусство.

Сюрреализм

Фр. surrealisme — сверхреализм. Направление в литературе и искусстве XX в. сложившееся в 1920-х годах. Возникнув во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др. )

Художники-сюрреалисты в отличие от абстракционистов не отказываются от изображения реально существующих предметов, но представляют их в хаосе, нарочито лишенными логических взаимосвязей. Отсутствие смысла, отказ от разумного отражения действительности — основной принцип искусства сюрреализма. Об оторванности от реальной жизни говорит и само название направления: «сюр» по-французски «над»; художники не претендовали на отражение действительности, а мысленно помещали свои творения «над» реализмом, выдавая за произведения искусства бредовые фантазии. Так, в число сюрреалистических картин вошли аналогичные, не поддающиеся объяснению работы М. Эрнста, Дж. Миро, И. Танги, а также предметы, обработанные сюрреалистами до неузнаваемости (М. Оппенгейм).

Сюрреалистическое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности.

Известен такой факт. Однажды на выставке перед произведением С. Дали долго стоял зритель, внимательно вглядываясь и пытаясь понять смысл. Наконец в полном отчаянии он громко сказал: «Я не понимаю, что это значит!» Возглас зрителя услышал находившийся на выставке С. Дали. «Как вы можете понять, что это значит, если я сам не понимаю», — заявил художник, выразив таким образом основной принцип сюрреалистического искусства: писать картины не думая, не размышляя, отказавшись от разума и логики.

Выставки произведений сюрреалистов сопровождались, как правило, скандалами: зрители возмущались, глядя на нелепые, непонятные картины, считали, что их обманывают, мистифицируют. Сюрреалисты обвиняли зрителей, заявляли, что те отстали, не доросли до творчества «передовых» художников.

Общие особенности искусства сюрреализма фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов. Художники обращались к имитации первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных.

Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, не отражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику и китч (нем. — kitsch; дешевка, безвкусная массовая продукция рассчитанная на внешний эффект).

Отдельные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда.

Произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации, могут отождествляться в нашем восприятии со злом. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство, отчаяние — эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя, абсурдность произведений сюрреализма действует на ассоциативное воображение и психику.

Сюрреализм представляет собой противоречивое художественное явление. Многие действительно передовые деятели культуры, сознавая, что это направление разрушает искусство, впоследствии отказались от сюрреалистических взглядов (художники П. Пикассо, П. Клее и др., поэты Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший сюрреалистические фильмы). К середине 1960-х годов сюрреализм сменился новыми, еще более броскими направлениями модернизма, но причудливые, большей частью уродливые, бессмысленные произведения сюрреалистов до сих пор заполняют залы музеев.

Модернизм

Фр. modernisme, от лат. modernus — новый, современный. Собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отдельных мастеров искусства XX в. , порывающих с традицией, peaлизмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство, гиперреализм и др.). Модернизм близок по значению авангардизму и противоположен академизму. Модернизм негативно оценивался советскими искусствоведами как кризисное явление буржуазной культуры. Искусство обладает свободой выбора своих исторических путей. Противоречия модернизма, как такового, необходимо рассматривать не статично, а в исторической динамике.

Поп-арт

Англ. pop art, от popular art — популярное искусство. Направление в искусстве Западной Европы и США с конца 1950-х годов. Расцвет поп-арта пришелся на бурные 60-е годы, когда во многих странах Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи. Молодежное движение не имело единой цели — его объединял пафос отрицания.

Молодые люди готовы были выбросить за борт всю прошлую культуру. Все это нашло отражение в искусстве.

Отличительная черта поп-арта сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно. Пожалуй, только рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на поп-арт, а многие его представители работали и работают в рекламных центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и фугу Баха. Точно также поступает и поп-арт.

Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному. В картину вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р. Раушенберг, Э. Уор Хол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комикса может быть увеличена до размеров большого полотна (Р. Лихтенстейн). Скульптура может сочетаться с муляжами. Например, художник К. Олденбург создавал подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из необычных материалов.

Между скульптурой и живописью часто нет границы. Художественное произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении.

Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его «обозначение», избавляющее автора от рукотворного процесса его создания, изображения чего-либо (М. Дюшан). Этот процесс был введен с целью расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной деятель-ности, «выхода» искусства в область массовой культуры. Художники поп-арта были инициаторами таких форм, как хэппенинг, предметная инсталляция, энвайромент и других форм концептуального искусства. Аналогичные течения: андеграунд, гиперреализм, оп-арт, реди-мейд и др.

Оп-арт

Англ. ор art, сокращ. от optical art — оптическое искусство. Направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в 1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции (рассмотрены далее в разделе кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техническую линию модернизма.

Кинетическое искусство

От гр. kinetikos — приводящий в движение. Направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и других элементов динамики. Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов, однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме (В. Татлин, К. Мельников, А. Родченко), дадаизме.

Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села Богородское и др.

В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие — колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами. Бесконечно разнообразие используемых материалов — от традиционных до сверхсовременных технических средств, вплоть до компьютеров и лазеров. Часто в кинетических композициях применяют зеркала.

Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением — здесь кинетизм смыкается с оп-артом. Приемы кинетизма широко используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении площадей, парков, общественных интерьеров.

Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом и др.
Приемы современного (авангардистского) искусства

Гиперреализм

Англ. hyperrealism. Направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в.

Другое название гиперреализма — фотореализм.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств.

Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.

Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.

Реди-мейд

Англ. ready made — готовый. Один из распространенных приемов современного (авангардистского) искусства, состоящий в том, что предмет промышленного производства вырывается из привычной бытовой обстановки и экспонируется в выставочном зале.

Смысл реди-мейда заключается в следующем: при смене окружения изменяется и восприятие объекта. Зритель видит в предмете, выставленном на подиуме, не утилитарную вещь, а художественный объект, выразительность формы и цвета. Название реди-мейд впервые в 1913 — 1917 годы применил М. Дюшан по отношению к своим «готовым объектам» (расческе, велосипедному колесу, сушилке для бутылок). В 60-х годах реди-мейд получил широкое распространение в различных направлениях авангардистского искусства, особенно в дадаизме.

Инсталляция

От англ. installation — установка. Пространственная композиция, созданная художником из различных элементов — бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, текстовой или визуальной информации. Основоположниками инсталляции были дадаист М. Дюшан и сюрреалисты. Создавая необычные сочетания обычных вещей, художник придает им новый символический смысл. Эстетическое содержание инсталляции в игре смысловых значений, которые изменяются в зависимости от того, где находится предмет — в привычном бытовом окружении или в выставочном зале. Инсталляцию создавали многие художники авангарда Р. Раушенберг, Д. Дайн, Г. Юккер, И. Кабаков.

Инсталляция — форма искусства, широко распространенная в XX в.

Энвайронмент

Англ. environment — окружение, среда. Обширная пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения, одна из форм, характерная для авангардистского искусства 60-70-х годов. Энвайронмент натуралистического типа, имитирующий интерьер с фигурами людей, создавали скульптуры Д. Сегал, Э. Кинхольц, К. Олденбург, Д. Хэнсон. Подобные повторения реальности могли включать элементы бредовой фантастики. Другой тип энвайронмента представляет собой игровое пространство, предполагающее определенные действия зрителей.

Хэппенинг

Англ. happening — случающееся, происходящее. Разновидность акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве 60-70-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия обязательно вовлекают в него и зрителей. Хэппенинг возник в конце 50-х годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга чаще всего непосредственно в городской среде или на природе занимаются художники.

Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники акции.

Действие хэппенинга провоцирует свободу каждого участника и манипуляцию предметами. Все действия развиваются по предварительно намеченной программе, в которой, однако, большое значение отводится импровизации, дающей выход различным бессознательным побуждениям. Хеппенинг может включать элементы юмора и фольклора. В хэппенинге ярко выразилось стремление авангардизма к слиянию искусства с течением самой жизни.

И наконец самый передовой вид современного искусства — Суперплоскость

Суперплоскость

Superflat — термин, придуманный современным японским художником Такаси Мураками (Takashi Murakami).

Термин Superflat создан для того, чтобы объяснить новый визуальный язык, активно применяемый поколением молодых японских художников, таких как Такаси Мураками: «Я думал о реалиях японского рисунка и живописи и о том, как они отличаются от западного искусства. Для Японии важно ощущение плоскости. Наша культура не обладает 3D-формами. 2D-формы, утвержденные в исторической японской живописи, сродни простому, плоскому визуальному языку современной анимации, комиксов и графического дизайна».

Принципы художественных иллюзий

ПРИНЦИПЫ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ИЛЛЮЗИЙ

Авторское право Дональд Э. Симанек, декабрь 1996 г.

Иллюзорные произведения искусства обладают любопытным очарованием. Они представляют торжество искусства над реальностью. Они нелогично маскируются под логика.

Почему иллюзии захватывают наш интерес? Почему так много художников потрудились их производить? Альпинисты говорят, что масштабировать горы», потому что они там.«Возможно, мы ищем иллюзий потому что их нет.

Водопад М. К. Эшер.

Мы все восхищались литографией Waterfall Морица К. Эшера. (1961). Его водопад перерабатывает воду после вращения водяного колеса. Если это могло бы сработать, это был бы окончательный вечный двигатель машина, которая также обеспечивает мощность! Если мы внимательно посмотрим, то увидим, что г.Эшер имеет нас обманули, и любая попытка построить это сооружение из сплошной кладки кирпичи бы не выдержали.

Все работы М. К. Эшера — Cordon Art B. V. — P.O. Коробка 101-3740 Ac — Баарн — Нидерланды. Все права защищены. М.К. Эшер (TM) является торговой маркой Cordon Art. Используется с разрешения.

ИЗОМЕТРИЧЕСКИЕ ЧЕРТЕЖИ

Двумерные рисунки (на плоской поверхности) могут быть сделаны для передачи иллюзия трехмерной реальности. Обычно это обман используется для изображения реальных, твердых объектов в пространственном отношений, достижимых в нашем мире чувственного опыта.Но этот метод можно использовать и для создания пространственных изображений. отношения, невозможные в реальном трехмерном мире.

Условные обозначения классической перспективы очень эффективны при моделирование такой реальности, позволяющее «фотографическое» представление природы. Это представление является неполным по нескольким причинам. Это не позволяет нам увидеть сцену с разных точек зрения, войти в него или рассмотреть предметы со всех сторон. Это не даже дать нам ощущение стереоскопической глубины, что настоящий Объект имел бы из-за бокового разделения наших двух глаз.Плоская картина или рисунок представляет собой сцену только из одного фиксированного точки зрения, как это делает обычная монокулярная фотография.

Один класс иллюзий кажется на первый взгляд обычным «перспективные» изображения твердых, трехмерных объектов или сцены. Но при ближайшем рассмотрении обнаруживаются внутренние противоречия такие, что трехмерную сцену они изображение не могло существовать в действительности. Эти картины имеют особое очарование для тех из нас, кто привык изображать природу на плоской поверхности бумаги, холста или фотографии.

Изометрическое иллюзорное искусство был создан еще в 1934 году шведским художником Оскаром Рейтерсвардом. с невозможным расположением блоков, показанным здесь. Цвета в этой версии нельзя винить в Оскаре. Этот дизайн широко использовался и даже появляется на шведских почтовых отправлениях. печать.

ИЛЛЮЗИЯ ПЕНРОУЗА

Одним из конкретных примеров иллюзии Рейтерсварда является иногда называемая иллюзией «Пенроуза» или «трибара».Его простейшая форма проиллюстрировано здесь.

На картинке изображены три стержня квадратного сечения, соединенные чтобы образовался треугольник. Если вы закроете любой угол на этом рисунке три стержня кажутся скрепленными вместе должным образом под прямым углом друг к другу на двух других углы — совершенно нормальная ситуация. Но теперь, если вы медленно раскрывать угол становится очевидным, что замешан обман. Эти две полосы, которые соединяются в этот угол даже не был бы рядом друг с другом, если бы они были правильно соединены в двух других углах.

Иллюзия Пенроуза основана на «ложной перспективе», такой же используется в инженерных «изометрических» чертежах. Этот вид иллюзорной картины демонстрирует присущую ей двусмысленность. глубины, которую мы будем называть «изометрической неоднозначностью глубины».

На изометрических чертежах все параллельные линии представляются параллельными на плоской странице. даже если они наклонены по отношению к наблюдателю в реальной сцене. Объект при наклоне от наблюдателя на некоторый угол выглядит одинаково как бы наклонены к наблюдателю на один и тот же угол.Наклонный прямоугольник имеет двойную неоднозначность, как показано на примере Фигура Маха (справа), которую можно рассматривать как открытую книгу со страницами, обращенными вас, или как обложки книги, корешком к вам. Его также можно рассматривать как два симметричных параллелограмма, расположенных рядом и лежать в самолете, но мало кто описывает это именно так.

Фигура Тьери (вверху) иллюстрирует тот же художественный обман.

Иллюзия обратимой лестницы Шредера — очень «чистая». пример неоднозначности изометрической глубины.Это может быть воспринимается как лестница, по которой можно подняться справа налево или как нижняя часть лестницы, если смотреть снизу. Любая попытка нарисовать это с правильной перспективой исчезает. точки разрушили бы иллюзию.

Иллюзию можно усилить, добавив узнаваемые рисунки, как и в версии справа © 2001, John C. Holden. На нем должно быть предупреждение OSHA: Внимание: Иллюзорные лестницы могут быть опасны.

Фигура Маха, или иллюзия открытой книги, может быть основой еще большего обмана.Эта конструкция показывает тесную симбиотическую связь между математикой и физикой.

Простая конструкция, представленная ниже, выглядит как три грани цепочки кубов, видимой то снаружи, то внутри. Если ты приложишь к этому свои мысли, ты можно увидеть их как чередующиеся: внутри, снаружи, внутри. Но это очень тяжело, даже если вы попробуете, увидеть это просто как набор параллелограммов в самолет. Иногда это то же самое, что дизайн «кувыркающихся блоков». используется в одеялах.

Зачернение некоторых граней усиливает иллюзию, как показано ниже. Черные параллелограммы вверху видны либо снизу, либо сверху. Старайтесь изо всех сил, чтобы видеть их как чередующиеся, один снизу, один сверху, и так далее, влево направо. Большинство людей не могут.

Дизайн справа неустанно использует иллюзию треугольника в строгий изометрический стиль рисования. Это один из «вылуплений» шаблоны программы компьютерной графики AutoCAD (TM).Они называют это схема «Эшер».

На изометрическом каркасном чертеже куба (внизу слева) показано изометрическая неоднозначность. Иногда его называют кубом Неккера. Если черная точка находится в центре грани куба, лицом вперед, или лицом назад? Вы также можете представить себе точку находится в правом нижнем углу лица, но все же вы не можете быть уверен, если это передняя или задняя сторона. У тебя нет причин предположим, что точка находится внутри или даже на кубе, но может быть позади или перед кубом, так как вы понятия не имеете, как определить относительный размер точки.

Если грани куба кажутся твердыми, как если бы куб был сделан из деревянных 2х4, сколоченных вместе, противоречивая фигура Результаты. Но здесь мы использовали неоднозначную связность горизонтальной участников, о чем пойдет речь в следующем разделе. Эта версия называется «сумасшедший ящик». Возможно, это послужило бы в качестве каркаса для сборки транспортировочного ящика для иллюзий. Прибивание фанерных поверхностей к рама для завершения ящика будет настоящей проблемой, но необходимо, чтобы иллюзии не выпали!

ФОТОГРАФИЯ ИЛЛЮЗИЙ

Сумасшедший ящик нельзя сделать из дерева.Тем не менее, фотография, показанная здесь, что-то из дерева что-то это конечно похоже на сумасшествие ящик. Это обман. Одна часть, которая, кажется, проходит за другой, на самом деле две части с разрывом, одна ближе, другая дальше, чем перекрёстный кусок. Кажется, это только ящик с одного конкретного просмотра. точка. Если вы посмотрите на реальную вещь примерно с этой точки, ваш стереоскопическое зрение выдало бы хитрость. Если вы отодвинули голову от точка обзора, для которой он был разработан, вы бы увидели хитрость. В музейные экспонаты этого вы вынуждены смотреть через маленькую дырку в стене, используя только один глаз.

Чтобы сделать такую ​​фотографию, приходится заниматься обманом. Если используется обычная камера, более удаленные куски пиломатериала имеют меньший угол, чем ближние. Поэтому более удаленные должны быть физически больше, а те у которых один конец ближе, чем другой конец, должны быть сужены по размеру от одного конца до другого.

Есть еще один способ сделать это для небольших объектов.Маленький Модель внизу слева изготовлена ​​из пластиковых кубиков Quobo® высотой 1 см. То вся модель более 7 см в высоту. Обратите внимание, что есть несоответствие размера где ближний желтый горизонтальный ярус касается более дальнего красного кирпич. Но на картинке справа разницы в размерах нет. Обратите также внимание на рисунок справа, что все кирпичи имеют одинаковую стяжку. угол, противоположные края зеленого основания параллельны, а все остальные параллельные линии модели параллельны на рисунке. это изометрия фотография.

На обычном фото слева видны стул и лампа позади него, а также прочий беспорядок в маленькой мастерской. Снято цифровым фотоаппаратом с объект находится примерно в 30 см от объектива.

Фотография справа сделана той же камерой и примерно одинаковое расстояние до объекта. Но использовалась телецентрическая оптическая система, состоит из большой линзы диаметром 13 см, расположенной с фокусом очень близко к собственному объективу камеры.У этого конкретного большого объектива не было высокого качества (была отлита, а не отполирована), поэтому разрешение картинка беднее. Такие системы страдают от проблемы, заключающейся в том, что любая пыль или царапины или другие дефекты на объективе могут быть видны на окончательном изображении. Использование одного объектива также приводит к «подушкообразным» искажениям. что делает прямые линии слегка изогнутыми.

Телецентрические линзовые системы высокого качества используются в промышленности для производства продукции. инспекции, а в микроскопии — для увеличения глубины резкости (ГРИП).Они ограничиваются фотографированием небольших объектов меньше диаметра передняя поверхность линзы. См.: Телецентрические системы.

Для некоторых испытуемых можно «сойти с рук» с такого рода обманом, используя телеобъектив с большим увеличением и размещение объекта очень далеко с камеры.

НЕОДНОЗНАЧНОЕ СОЕДИНЕНИЕ

Некоторые иллюзии зависят от возможной двусмысленной связи. в линейных рисунках.Эту вилку с тремя (?) зубцами выше иногда называют Загадка Шустера. Его можно нарисовать в перспективе, но естественное затенение или затенение разрушило бы иллюзию.

Некоторые используют общий термин «неразрешимая фигура» для описания этих фотографий. Этот термин настолько широк, что его можно применить практически к все иллюзии.

Вот иллюзорный музыкальный камертон, только с двумя зубцами. На рисунке справа показана перспектива с точками схода на горизонте.

ИЛЛЮЗИИ ФОРМ

Наше суждение о формах можно обмануть, если преобладает фон. узор присутствует. Пример ниже похоже на иллюзии Цёлльнера, Вундта и Херринга. в котором узор из коротких диагональных линий искажает длинные параллельные линии. [Да, горизонтальные линии идеально прямые и параллельно. Проверьте их на распечатке с помощью линейки.]

Эти иллюзии используют то, как работает наш мозг. информация, содержащая повторяющиеся шаблоны.Один обычный шаблон может доминируют настолько сильно, что другие паттерны кажутся искаженными.

Классический пример — узор из концентрических кругов. с наложенным квадратом. Хотя стороны квадратные абсолютно прямые, они кажутся изогнутыми. То прямолинейность сторон квадрата можно проверить прокладывая по ним линейку.

Вы также можете наложить круг на узор из квадратов.

Совершенно прямые и параллельные линии, наложенные на узор из радиальных линий, кажутся изогнутыми, а сила кривизны зависит от того, насколько прямая линия находится близко к центру расходящихся линий.Это одна из иллюзий Селедки.

ИЛЛЮЗИИ РАЗМЕРА.

Хотя два круга на рисунке ниже точно такие же размер, один выглядит меньше. Это одна из многих иллюзий размера. Это близкий родственник иллюзии Понцо.

Некоторые «объясняют» эту иллюзию нашим опытом. с перспективой в фотографиях и произведениях искусства. Мы интерпретируем две линии как «параллельные» линии, отступающие к исчезающему точка, и поэтому окружность, не касающаяся линий, должна быть ближе, а значит и больше.

То же изображение показано (вверху справа) с более темными кружками, а параллельные линии стали частью темных треугольников. Если теория «отступающей параллельной линии» была верна, это иллюзия должна быть слабее. Ты будешь судьей.

Ширина полей этой шляпы такая же, как высота шляпы, хотя и не так кажется сначала. Это классическая иллюзия «штепсельной шляпы». Попробуйте перевернуть картинку на бок. Это иллюзия такая же? Это иллюзия относительных размеров внутри изображения, что является искажением формы.

Связанная иллюзия наблюдается с реальными предметами. Найдите стакан, таблетку. бутылка или другая цилиндрическая емкость. То Очки «зомби» идеально подходят для этой демонстрации в качестве «барной ставки». Попробуйте на глаз определить, исправен ли цилиндр. окружность больше или меньше его длины. С помощью рулетки или просто кусок ленты, веревки или ленты, измерьте окружность. Тогда увольняйтесь лента по длине. Вы можете быть удивлены, потому что мы обычно судим длина стакана должна быть больше его окружности — пока мы их не измерим.

На картинке показаны несколько цилиндрических контейнеров, которые можно использовать для демонстрации этой иллюзии. Банка из-под арахиса на 26 унций слева очень хорошо демонстрирует иллюзию. Длина вертикальной красной завязки (из салата из супермаркета) точно равна окружности банки. В этом можно убедиться, обернув его вокруг банки. Другие контейнеры включают в себя обычные флаконы с таблетками, отпускаемыми по рецепту.

Все это иллюстрирует тот факт, что наше визуальное суждение о длине ошибочно.Мы просто не можем визуально надежно сравнивать длины линий разной формы. Наиболее яркая демонстрация этого показана здесь.

Что длиннее: прямая АВ или длина окружности В? Большинство рассудит, что прямая линия на намного длиннее на . Но мы нарисовали их почти равными по длине. Эта простая фигура редко упоминается в дискуссиях об иллюзиях.

ИЛЛЮзии мировоззрения

Иллюзия Поггендорфа, или иллюзия «перекрещенной полосы», приглашает нас определить, какая линия, A или B, точно выровнена с C.Хороший правитель можно использовать на печатной копии, чтобы проверить свой ответ.

НЕОДНОЗНАЧНЫЕ ЭЛЛИПСЫ

Наклонные круги выглядят как эллипсы как визуально, так и на фотографиях. Круги, нарисованные в правильной перспективе появляются на странице в виде эллипсов, а эллипсам присуща неоднозначность глубины. Если эта фигура представляет собой круг, видимый под наклоном, невозможно определить, ближе ли верхняя дуга или дальше чем нижняя дуга.

Неправильное подключение также является важным элементом этого двусмысленная иллюзия кольца:

Вот более развернутая версия.

Неоднозначное кольцо, Дональд Э. Симанек, 1996.

Закройте примерно одну треть изображения с обоих концов, а остальные на картинке выглядит как часть обычного кольца или шайбы. Это может напомнить вам модель ленты Мёбиуса, сделанную из бумажной ленты. полукруг и соединение концов. Но это другое. Были использованы два цвета, поскольку эта фигура, в отличие от ленты Мёбиуса, имеет две стороны. Вы можете думать об этом как о модели ленты Мёбиуса, сделанной из толстого гибкого материала, с лицевой стороной одного цвета и краем другого цвета.

Один читатель сказал, что это не иллюзия, потому что его можно сделать из гибкого материала, и он прислал мне по почте модель, сделанную из пенопласта. Однако, хотя вы можете сделать это с полоса квадратного сечения, моя иллюзия выше, кажется, имеет прямоугольное сечение. Широкое лицо волшебным образом превращается в более узкое лицо. Это тонкий аспект этой иллюзии, который большинство людей не сразу замечают. Придется приложить гораздо больше усилий, чтобы создать модель, в которой каждая грань меняет ширину при повороте на 180°.

Когда я придумывал эту картину, я думал, что это может быть совершенно оригинальная иллюзия. Но тут я заметил рекламу с фирменный логотип корпорации Canstar [вверху слева], производитель оптоволокна. это еще один случай двух великих умов, независимо изобретающих несуществующее рулевое колесо! Если мы копнем достаточно глубоко, мы, вероятно, найдем еще раньше Примеры.

Теперь [октябрь 2003 г.] я нашел эту иллюзию кольца [вверху справа] в Интернете, без моя заслуга, хотя пропорции и компоновка совпадают мой отлично.На сайте где я нашел эту версию не было подскажите кто нарисовал. Таков Интернет. Если человек, взявший взаймы эта идея будет выдвинута, я признаю этого человека здесь. В этой версии есть новая функция: она использует затенение. По крайней мере, это свидетельствует о том, что кто-то загорелся идеей. я изменился цвет версии я нашел, так как посчитал некрасивым.

Невозможно связанные неоднозначные кольца. © 2004, Дональд Симанек.

Наконец [декабрь 2004 г.] эта иллюзия превращается в нечто более интересное. Здесь два неоднозначных кольца неоднозначно связаны. Все эти иллюстрации доступны по запросу в версиях с более высоким разрешением. Читатели предложили несколько названий или подписей к ней: «взаимосвязь всего», «новая атомная теория», «завязывание ментальных узлов», «суперстолкновение синхронных орбиталей», «иллюзорная квантовая запутанность» (мне это нравится) и «виртуальная нереальность».

БЕСКОНЕЧНАЯ ЛЕСТНИЦА

Другая классическая иллюзия Пенроуза — «невозможная лестница». Эту иллюзию часто изображают в виде изометрического рисунка даже в «Пенроузе». бумага. Наша версия идентична версии бумаги Пенроуза, за исключением отсутствия затенения. Цветная версия справа позволяет вам следовать определенному цвету на шаге через слои ниже. Вы обнаружите, что слоев недостаточно для всех шагов.

Восхождение и нисхождение М. К. Эшера.

Это можно было бы нарисовать с точками схода в полной перспективе. М. К. Эшер в своей литографии 1960 года Восхождение и нисхождение , (выше) решил сконструировать обман в другом способ. Он разместил лестницу на крыше здания и структурировал здание внизу, чтобы передать впечатление соответствия сильным (но противоречивым!) точкам схода.Он имеет правую точку схода выше левой.

Одна задача, с которой художники еще не справились, — нарисовать иллюзия изображения с его тенью. Точно так же, как затенение может убить иллюзию, его тень также могла выдать иллюзию. Возможно художник мог быть достаточно умен, чтобы поместить источник света в такой место, где тень будет соответствовать остальной части картина. Может быть, тень сама станет иллюзией! То возможности поражают воображение.

ВИДЕНИЕ ИЛЛЮЗИЙ

Некоторые люди смотрят на эти иллюзорные картинки и вовсе не замечают их. заинтригован. «Просто неудачная картинка», — скажут некоторые. Некоторые, возможно менее 1 процента населения, не «понимаете» сути потому что их мозг не перерабатывает плоские картинки в три объемные изображения. Эти же люди имеют проблемы с обычными чертежи инженерных линий и иллюстрации к учебникам трех объемные конструкции. Они также не могут воспринимать глубину в трехмерном стереоскопическом изображении. изображения и 3D-фильмы.

Другие видят, что с изображением «что-то не так», но не настолько очарован, чтобы узнать, как обман был удавшийся. Это люди, которые идут по жизни никогда не совсем понимания или заботы о том, как устроен мир, потому что они не могут быть обеспокоенным деталями и не иметь соответствующего интеллектуального любопытство.

Возможно, понимание таких визуальных парадоксов является одним из признаков того рода творчества, которым обладают лучшие математики, ученые и художники.Художественное произведение М. К. Эшера вывод включал множество изображений иллюзий и очень геометрических изображения, которые некоторые могли бы отвергнуть как «интеллектуальные математические игры», а не искусство. Но они обладают особым очарованием для математики и ученые.

Говорят, что люди в изолированных частях мира, которые никогда не видел фотографий, не могу сначала понять, что фотография изображает, когда ее показывают им. Интерпретация этот конкретный вид визуального представления является приобретаемым навыком.Некоторые изучают его более полно, чем другие.

Исторически сложилось так, что художники изучали геометрическую перспективу и использовали ее. задолго до изобретения фотографии. Но они не узнать его без помощи науки. Объективы стали вообще были доступны в 16 веке, и одно раннее использование линз было в камера-обскура. Большую линзу вставили в отверстие в стене затемненной комнате, так что на противоположная стена. Добавление зеркала позволило сделать изображение более четким. отбрасывается на плоский пол или столешницу, и изображение может быть даже прослежено.Этим пользовались художники, которые экспериментировали с новым «Европейский» перспективный стиль в искусстве. Этому способствовал тот факт, что математика развила достаточно изощренности, чтобы поставить принципы перспективы на прочной теоретической основе, и эти принципы нашли свое отражение в книгах для художников.

Только реально пытаясь создать иллюзорные картины, можно начинает ценить тонкость, необходимую для таких обманов. Очень часто природа иллюзии, кажется, ограничивает все картину, навязывая художнику свою «логику».Это становится битвой за остроумие, остроумие художника против странной нелогичности иллюзия.

Витрина для иллюзий,
Дональд Э. Симанек, 1996 г.
Бельведер М. К. Эшера.

Теперь, когда мы обсудили некоторые обманы, могут быть использованы в художественных иллюзиях, вы можете использовать их для создавать свои собственные иллюзии и классифицировать любые иллюзии вы перебегаете.Скоро у вас будет целая коллекция, и потребуется какой-то способ их отображения. я разработал соответствующую стеклянную витрину, показанную слева.

Читатель может пожелать проверить согласованность точки схода и другие аспекты геометрии этот рисунок. Анализируя такие фотографии и пытаясь рисовать их, можно получить реальное представление о обманы, использованные в картине. М. К. Эшер использовал подобные фокусы у него архитектурно невозможны Бельведер (вверху справа).

ДОПОЛНИТЕЛЬНОЕ ПОКАЗАНИЕ

На нескольких веб-сайтах представлены работы Оскара Рейтерсварда: Поиск в веб-браузере выдаст гораздо больше.
— Дональд Э. Симанек

Каталожные номера:

[1] Л. С. Пенроуз и Р. Пенроуз, «Невозможные объекты: особый тип визуальной иллюзии», British Journal of Psychology , 1958. Том 49, стр. 31-33.

Страница создана в 1996 г., небольшая доработка в 2014 г.


Этот документ является текущим проектом, для которого требуется обратная связь. приветствуется автором, который надеется, что эти рисунки могут стимулировать обмен идеями.Используйте указанный здесь адрес. Ожидайте увидеть дополнения и изменения в этом разделе моих веб-страниц в будущем.

Вернуться к началу этой страницы.
Вернуться на страницу иллюзий
Вернуться на главную страницу и в главное меню.

Различные средства и техники рисования и рисования – ARTDEX

Живопись всегда была одним из самых выразительных художественных средств, позволявшим художникам экспериментировать с различными стилями и техниками, пока они не находили свое собственное уникальное художественное выражение.Все началось в доисторические времена, когда люди использовали пигментированный порошок для рисования сцен из повседневной жизни на стенах пещер. Можно сказать, что эти более ранние художники умело использовали средства и техники, чтобы сохранить свои произведения искусства по сей день.

С тех древних времен художники по всему миру постоянно разрабатывали техники и стили живописи, чтобы наилучшим образом выразить свои эстетические принципы. Результатом этого постоянного поиска стали различные методы и стили живописи и рисунка.Эта статья проведет вас через историю живописи, представив различные типы стилей и методов живописи, используемые во всем мире, включая историю западного и восточного искусства.

Рождение Венеры (1485 г.), холст, темпера Сандро Боттичелли, Уффици, Флоренция, Италия | Источник: italian-renaissance-art.com

Техники и стили живописи в западной цивилизации

Здесь вы найдете различные материалы для рисования, расположенные в хронологическом порядке, чтобы сформировать временную шкалу. Это должно помочь вам проследить развитие живописи на протяжении всей истории искусства как средства и формы искусства.

1. Энкаустика

Этот термин характеризует картины, содержащие горячий пчелиный воск в качестве связующего материала. Художники наносили эту энкаустику или рисунок горячим воском на поверхность (обычно на деревянную панель), а затем повторно нагревали картину, чтобы добиться глянцевого блеска. Одним из преимуществ этого вида живописи, родом из Греции, является короткое время высыхания. Его также можно переработать и реконструировать, чтобы он поместился в коллаже или в какой-либо другой форме смешанной техники.Этот художественный материал не только легко адаптируется, но и экологически безопасен благодаря органическому происхождению связующего материала. Многие средневековые иконы являются прекрасными образцами энкаустики.

2. Фреска

Это метод окраски, при котором цвета смешиваются только с водой и без дополнительных связующих веществ. Эта характеристика сделала его идеальным для покрытия оштукатуренных стен, потому что цветные пигменты проникали в стену по мере высыхания краски. Самыми известными примерами фресок являются «Бытие » Микеланджело и « Страшный суд » Микеланджело, которые покрывают стены и потолок Сикстинской капеллы.

3.   Темпера

Вместо пчелиного воска в качестве связующего вещества художники использовали в темперной живописи смесь воды и яичного желтка. Прежде чем нанести темперную краску в несколько тонких, прозрачных слоев, им нужно было подготовить поверхность. Хотя темпера не может достичь глубины цвета, характерной для масляной живописи, она по-прежнему предлагает многочисленные преимущества, благодаря которым этот метод живописи оставался на века. Одним из главных преимуществ темперной живописи является стойкость.Картины темперой сохраняют свежий цвет в течение длительного времени, в отличие от картин маслом, которые со временем темнеют и цвета которых медленно тускнеют. Темпера была доминирующим средством в средневековом искусстве, ее использовали для икон или иллюстраций к религиозным книгам, известным как иллюминированные рукописи.

Упадок темперы начался с появлением техники масляной живописи, придавшей произведениям искусства новые выразительные качества. Фламандские художники первыми отказались от темперной живописи в пользу масляных красок, а затем последовали итальянские художники эпохи Возрождения.

4. Картина маслом

Масляная живопись использовала льняное, маковое и масло грецкого ореха в качестве высыхающего и связующего агента. Он появился в 16 веке, когда многие художники восприняли его как доминирующее художественное средство. Масляная живопись стала широко распространенным средством живописи из-за богатства цветов и глянцевой отделки, чего не могла обеспечить темпера. Это также облегчило работу над мелкими деталями, позволив использовать технику сфумато. Сфумато — это деликатное смешение цветов для получения эффекта «дымчатости».Леонардо да Винчи применил эту технику, нарисовав неподвластную времени Мону Лизу .

Помимо сфумато, для «импасто» (нанесение неразбавленных красок толстыми слоями для создания впечатления рельефности) прекрасно подходили и масляные краски. Художники любили использовать технику импасто за ее многочисленные преимущества. Во-первых, свет по-разному отражался от поверхности картины, придавая ей специфическую ломаную текстуру. Во-вторых, его приподнятая поверхность придавала картинам ощущение трехмерности. И, наконец, этот убедительный вид толстых слоев позволил художникам-экспрессионистам, таким как Ван Гог, точно передать свои мысли и эмоции на холсте.

Некоторыми другими известными художниками, которые использовали технику импасто, были Джексон Поллок, Ли Краснер, его жена и Виллем Де Кунинг из эпохи абстрактного экспрессионизма. Мы также можем включить художников-импрессионистов, таких как Сезанн, Моне, Дега и многих других.

5. Акварель

Как следует из названия, это водорастворимые красители со встроенным связующим. Использование акварели требует отличных художественных навыков, потому что после того, как вы нанесете ее на бумагу, уже не останется места для исправления.Преимущество акварельных рисунков в том, что они быстро сохнут и идеально подходят для добавления мелких деталей. Хотя многие относятся к акварели только к бумаге, вы можете использовать ее на камне, холсте, дереве или ткани.

Однако существенным недостатком этого художественного средства является то, что цвета тускнеют при воздействии света в течение некоторого времени. Различные акварельные техники, также известные как рисование на свитках и рисование тушью, были частью китайских и японских художественных традиций на протяжении тысячелетий. С другой стороны, западные художники использовали акварель для подготовительных набросков до 18 века, когда многие художники обнаружили, что они идеально подходят для пейзажной живописи.

Когда к акварели добавляют белила, они становятся непрозрачными, и этот материал известен как гуашь. Этот вариант акварели обладает четырьмя основными преимуществами, которые придают особое качество произведениям искусства, выполненным гуашью. Из-за непрозрачности мазки остаются скрытыми. Кроме того, гуашь — это быстросохнущая краска, оставляющая гладкое матовое покрытие, и ее можно наносить слоями от сверхтонкого до пастозного. Гуашь может иметь широкий спектр цветов, включая флуоресцентные и металлические покрытия.

6. Акриловая краска

С тех пор, как в 40-х годах появилась акриловая краска, она привлекла большое внимание в мире искусства благодаря своим многочисленным положительным свойствам. Акриловая краска быстро сохнет, а после высыхания становится водостойкой. Вы можете наносить его в любое количество слоев и на любую поверхность. По всем этим причинам акрил был выбран многими художниками, включая Энди Уорхола, Кеннета Ноланда и многих других современных художников.

Чжу Вэй (朱伟) Альбом весеннего равноденствия, № 13 (开春图册页之十三2011), Бумага, тушь и цвет | Источник: artsy.net

Живописные материалы и стили, типичные для восточного искусства

Китайская живопись

Метод китайской живописи включает в себя те же приемы, что и каллиграфия, поэтому он основан на аккуратности, точности и внимании к деталям. Китайские художники использовали технику акварели тушью задолго до европейцев, делая крошечные, точные мазки кистью на бумаге или ткани. Китайцы привносят духовность в свои работы, веря, что у каждого предмета, который они рисуют, есть душа. Таким образом, основная цель живописи — запечатлеть душу нарисованных предметов.

Японская живопись

Японцы не только имеют необычайно богатые традиции живописи, но и пропагандируют нетрадиционные принципы искусства. Японские стили живописи впитали китайское и западное влияние, оставаясь при этом аутентичными. Существенными чертами японского искусства являются достижение глубины в живописи и выражение прямого художественного сообщения.

Наиболее важные стили и техники рисования

Рисование всегда воспринималось как фундаментальный вид искусства, которому нас учат в детстве. Вот основные стили и методы рисования.

Рисование карандашом

Как следует из названия, этот метод предполагает создание набросков графитным карандашом. Этот стиль рисования берет свое начало во Франции 17-го века, и некоторые известные художники-рисовальщики — Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Кадден.

Рисунок углем

Это древняя техника рисования, которая, вероятно, возникла в Японии. Наброски углем и затенение придают произведению удивительное впечатление удивительной глубины. Вы можете применять различные техники рисования углем, такие как штриховка, растирание или смешивание, для достижения различных эффектов.

Рисование мелом

Это еще одна техника рисования, восходящая к древним временам. Художники использовали мел только для рисования до эпохи Возрождения, когда он стал важным художественным средством.Рубенс и другие художники 16-17 веков создавали рисунки черным и белым мелом. Эта техника рисования также известна как рисование мелками aux deux. Художники 18 века усовершенствовали эту технику, добавив в смесь сангину и начали рисовать мелками aux trois. Многие художники-авангардисты 20-го века, такие как Генри Маттис и Пикассо, использовали мел в качестве художественного средства.

Эдгар Дега, Танцовщицы в голубом, пастель, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва, Россия | Источник: Эклектиклайт.со

Рисунок пастелью и живопись

Эта художественная техника предполагает использование пастельных мелков для создания произведений искусства. Пастели изготавливаются из цветного пигмента и могут быть разных вариантов. Мягкая пастель — лучший выбор для смешивания или растушевки, в то время как люди используют твердую пастель для набросков и контуров своих работ. Художественная форма зависит от того, как вы используете пастель. Когда вы наносите пастель, растушевывая или растушевывая, вы рисуете пастелью. Однако, когда вы рисуете короткие линии пастелью, это считается пастельным рисунком.Техники рисования пастелью и живописи были на пике своего развития в 18 веке, а затем возродились в следующем столетии с такими художниками, как Эдгар Дега и Тулуз-Лотрек.

Ручка и чернила

Художники используют различные типы ручек, чтобы обвести желаемые формы и заполнить их чернилами. Привлекательность этого метода рисования заключается в искусно созданном контрасте между цветными и пустыми полями. Тушь — непростительный носитель, поэтому нужно обладать отличными навыками, чтобы овладеть этой техникой рисования.

Краткий обзор

Цель этой статьи — расположить в хронологическом порядке все значимые средства и техники живописи и рисунка, которые сформировали историю искусства. Это своего рода универсальный словарь живописи для тех, кто вступает в завораживающий мир искусства.

Искусство рисования одной линией. Что такое рисунок одной линией и что… | Мишель Геммеке

Что такое рисунок одной линией и что делает каждый из них уникальным?

Недавно я начал рисовать в одну линию.Но я не единственный, и уж точно не первый, кто делает такие рисунки. Самый известный пример восходит даже к началу 20-го века, рисунки одной линии, сделанные Пабло Пикассо. Он взял сложный, реалистичный пример и упростил его до одной непрерывной строки. Эти рисунки могут показаться относительно простыми в исполнении, но уловить истинную суть формы всего одной линией может быть довольно сложно. Так как же современные художники воспринимают однолинейные рисунки?

Однолинейные рисунки Пабло Пикассо, вероятно, самые известные однострочные рисунки в мире.Для большинства художников это способ упростить сложный мир вокруг нас. Тем не менее, существует много разных видов, и у каждого художника есть свои специфические характеристики. Основные отличия, которые я обнаружил:

  • Простое и сложное
  • Гладкие и грубые
  • Острые углы и изогнутые углы
  • Аналоговые и цифровые
  • Одна толщина и различные тонкие и толстые области
  • С заполненными областями или без них
  • В цвете или без него
  • Открытые или закрытые
  • Сосредоточены на таких темах, как животные, иллюстрации в полный рост, портреты или эротика

Итак, давайте посмотрим на некоторые примеры, чтобы получить представление о различиях и их мотивации как художник.

Прежде всего работа французского дуэта художников « Differantly », короче DFT . Я думаю, что они являются одними из самых известных художников одной линии, которые активны сегодня, поскольку они сотрудничали с такими крупными брендами, как Adidas, Nike, Nissan, Hermès и Adobe. Они превращают сложные образы в двухмерное минималистское искусство, сосредотачиваясь на том, что создает основную идентичность субъекта.

«Во время нашего процесса мы проходим этапы, которые визуально богаты и сложны, прежде чем удалить то, что не является существенным.Это процесс взросления, который может быть болезненным, поскольку он состоит из отпускания, отказа. Но это также очень требовательно, поскольку минимализм требует определенного уровня совершенства. Каждый элемент должен иметь свой смысл, свою полезность, свою внутреннюю красоту».

— О DFT

Стиль DFT минимален и прямолинеен. Линия сохраняет одинаковую толщину по всему изделию и проходит как по острым углам, так и по плавным изгибам. Линия не соединяет начало с концом, оставляя изображение открытым. Это касается всех следующих примеров, кроме последнего.

На другом конце спектра находится работа Кэти Ачесон Вулфорд . Ее работа сложна и все же нарисована всего одной линией. Она рисует свои работы, кладя ручку на бумагу и не отрывая ее, пока работа не будет закончена. Она бросает вызов тому, как ее рука и глаз работают вместе, поскольку ее ручка должна двигаться достаточно быстро в правильном направлении.

«Вы должны найти золотую середину между слишком быстрым и слишком медленным.Потому что, если вы будете двигаться слишком медленно, вы начнете слишком много думать, а если вы будете двигаться слишком быстро, вы можете пропустить действительно важную линию. Все это происходит в самом рисунке, и он либо работает, либо не работает, и это самое удивительное».

— Кэти в видео INSIDER

Стиль Кэти сложный и органичный. Она использует перо с тонким наконечником, благодаря которому линия остается ровной, но вы можете видеть, где она двигалась быстрее и медленнее или где на нее оказывалось большее давление. Ее работа явно аналоговая, тогда как работа DFT имеет ощущение цифровой отделки с ее точными линиями.

Далее идет Flowsofly . Стиль этого художника весьма разнообразен. Но это всегда в рамках одной темы: эротики.

«Мне очень быстро становится скучно, и я не могу утруждаться выяснением деталей, но вместо этого процесс достижения идеи является для меня захватывающей вещью. Таким образом, я также работаю сейчас, когда я обычно вижу фотографию или сцену из фильма или читаю что-то, а затем хочу разобрать это, интерпретировать это, исследовать идею, исследовать, как я это вижу… и тогда ремесло становится больше необходимостью, и что-то, с чем я должен был справиться достаточно хорошо, но все же мне намного больше нравится концептуальная часть работы.Наброски пером — это просто быстрый способ выразить эти концепции, давая зрителю достаточно, чтобы увидеть это, но не все, не всю картину».

— Flowsofly в интервью с WE ARE MORTALS

Поскольку работа варьируется от очень грубой до довольно гладкой, от очень сложной до довольно простой, только линия или также включая заливки — работа в основном узнаваема по ее эротическим сценам. С огромным количеством 1189 рисунков (и их число продолжает расти) в Instagram, этот художник существует уже некоторое время и послужил источником вдохновения для многих других.

Notion — студия дизайна, базирующаяся в Новой Зеландии, которой руководит Кен, иллюстратор одной линии. Его рисунки минималистичны и гладки, как и графика, отображающая произведения искусства на его веб-сайте. Цель — вызвать эмоциональный отклик у зрителя, вдохновляя выйти за традиционные границы.

В этой статье он поделился своим личным видением: «Мой взгляд на однострочную иллюстрацию всегда заключался в создании подлинной связи со зрителем. Как художник одной линии, я вижу поэтический резонанс, представленный в единственной линии.Я вижу возможности, которые одна линия может предложить для всех вероисповеданий и слоев общества. Поскольку это так всеобъемлюще, я вижу его потенциал в том, чтобы стать формой искусства, особенно актуальной в современном мире. Мы запустили Notion, чтобы сделать одну линию доступной, а людям — найти удовольствие и способ самовыражения».

«Одной строкой мы хотим привлечь внимание к определенным проблемам, с которыми мы сталкиваемся во всем мире как сообщество, в надежде создать диалог и повлиять на позитивные изменения. Ведь какой смысл в искусстве, если оно не помогает людям.Если это не вызывает эмоций. Если это не мешает мышлению».

— Кен из Notion

Как уже упоминалось ранее, его стиль очень плавный, резких поворотов почти не видно. Линия чистая и легко прослеживается зрителем. Работа очень последовательная и обычно развивается вокруг живых существ, включая растения, животных и людей.

Субханкар — художник из Индии. Поскольку мы некоторое время следили за работой друг друга, мы начали обсуждать наши методы работы.

«В основном я общаюсь с людьми через одну линию. Люди и моменты. Они сложны и увлекательны, и мне нравится их изучать… разбирать их, чтобы лучше понять. Это так удивительно, что линия — это самая основная вещь, которую мы изучаем как художники, а затем все это усложняем. Но как прекрасно, что мы можем изобразить все сложное одной простой линией. В основном поэтому. Деконструкция людей и мгновений».

— Subhankar

Subhankar либо использует только одну строку, либо смесь линии и заполнения.Его стиль сырой и грубый, сравнимый со стилем Flowsofly. Также в работе присутствует та же эротическая тематика. Но в отличие от разнообразия Flowsofly, Subhankar пока придерживается только одного стиля, придавая искусству общий вид и ощущение единообразия. Но кто знает, что готовит будущее. Как он сказал мне: «Я просто пытаюсь быть прямо сейчас. Тем более что я только начал одну строчку. Просто плыви по течению».

Мира Лу запечатлела моменты жизни в своих рисунках. В ее работах часто встречаются ситуации и эмоции, которые каждый может распознать на собственном опыте.

«Мне очень нравятся линейные рисунки как средство, потому что они заставляют вас сосредоточиться на визуальных элементах. Иногда действительно сложно правильно передать особые характеристики человека с ограниченными возможностями линейного рисунка. Но мне очень нравится минимализм и простота, которые может передать рисунок, когда вам это удалось».

— Мира Лу

Я спросил ее, как бы она описала свой стиль по сравнению с другими артистами одной линии. Мира Лу: «На самом деле я никогда не сравнивала свою работу с другими.Я бы сказал, что выражаю свои чувства и эмоции через свою работу, и поэтому мои линии отражают часть меня самого. Кроме того, все воспринимают визуальные вещи по-разному, поэтому я бы выбрал другие элементы как важные по сравнению с другими людьми. Лично я могу сказать, что мне очень нравятся очень плавные линии. По крайней мере, в моей работе. Я также восхищаюсь другими артистами, которые могут иметь более беспорядочный или грубый стиль».

На самом деле Мира Лу первая в этом списке, кто активно использует цвет в своих работах.Мы видели, как другие художники использовали черные заливки, но вы найдете цветные линии и заливки в ее портфолио. Ее линии более гладкие, чем в некоторых из приведенных выше примеров, но не такие гладкие и минималистичные, как работа DFT и Notion.

Mony также имеет довольно разнообразное портфолио, начиная от одиночных объектов и заканчивая сложными сценами и лицами, написанными от руки, которые вы видите в середине.

«Для меня рисование одной линией — это как терапия, это также то, как я вижу мир. Я действительно думаю, что существует связь между нашим телом и вещами, людьми, местами и вибрациями, которые нас окружают.Мне нравится идея позволить моей руке делать все, что ей заблагорассудится, это как рисовать форму моих мыслей».

— Mony

Первое и последнее изображения выше относятся к стилю других художников, упомянутых ранее, а среднее — новое в этом списке. Это грубая свободная рука, но очень минимальный способ рисования. Она просто начинает рисовать лицом к лицу, позволяя руке свободно двигаться, не отрывая ручки от бумаги. Это создает очень грубый, очень художественный образ.

И, наконец, моя работа.Когда я уволился с работы, чтобы стать художником на полную ставку, я хотел начать с проекта, который позволил бы мне создать что-то нестандартное для моей аудитории. Искусство, доступное каждому, но уникальное лично для вас. Так начинается Flow by Gemmi Art .

Поскольку есть много других художников, я искал способ выделиться среди остальных. Я восхищаюсь Мирой Лу за то, что она не сравнивает свою работу с другими и остается верной себе. Также очень верно, что каждый воспринимает визуальные вещи по-разному.Тем не менее, глядя на работы других, я вдохновился и узнал, что делать , а не . Я хотел создать что-то, что еще не было сделано раньше. Я считаю, что эти границы пробуждают мой творческий потенциал, поскольку возможности становятся ограниченными, быть оригинальным становится все труднее.

Я пришел к выводу, что ни один из художников не «закрывает» свой рисунок. Линия где-то начинается и где-то заканчивается. Тем не менее, закрытие линии действительно «улавливает» суть изображения.

«Мы окружаем себя любимыми вещами.Вещи, которые полезны и удобны, вдохновляют нас своей красотой или запечатлевают воспоминания о людях и моментах, которыми мы дорожим. Вещи, которые представляют, кто мы есть. Я поставил перед собой задачу запечатлеть эти моменты всего одной непрерывной линией».

— Мишель, Gemmi Art

Я установил несколько основных правил, которые позволили бы моему творчеству оставаться последовательным и, надеюсь, отличали меня от остальных. Линия имеет одну толщину, только изогнутые повороты, она должна как можно меньше перекрывать другие части линии и не иметь заливок.Он должен быть как можно минимальным, но при этом отражать уникальные характеристики предметов. Но самое главное — у линии не должно быть ни начала, ни конца, она одна. Это поток непрерывно и навсегда.

Это всего лишь подборка художников, которые рисуют одной линией, но нас много. Тем не менее, у всех нас есть свой уникальный стиль и философия, лежащие в основе нашей работы. Спасибо за прочтение, я надеюсь, что эта статья поможет вам по-новому понять однолинейные рисунки.

Ну и конечно животрепещущий вопрос: Какой стиль вам больше нравится?

Gemmi Art создает значимое искусство, которое соответствует желаниям аудитории. С первым проектом «Flow by Gemmi Art» вы можете получить сделанный вручную рисунок одной линией на основе фотографии, которую вы загрузите. Если вы ищете уникальный личный подарок — или — произведение искусства, чтобы обновить свой интерьер,
, не забудьте проверить мой
Etsy Shop

Подпишитесь, чтобы получать обновления, советы и рекомендации 📫

Рисование против живописи : В чем разница?

Рисунок и живопись — два самых известных и признанных метода художественного творчества.

Эти два метода создания произведений искусства позволяют художнику выразить себя и поделиться этим выражением с остальным миром.

Когда художник что-то рисует или раскрашивает, он может воссоздать то, что он видит, или создать что-то, чего он никогда раньше не видел.

В этой статье мы рассмотрим определение рисунка и живописи и поймем методы, относящиеся к этим видам изобразительного искусства.

 

В чем разница между рисованием и живописью?

Рисование — это использование линий для создания дизайна. Он часто является репрезентативным и передает имитацию места или вещи. Рисование можно выполнять так называемыми сухими средствами, такими как перо, мел, уголь, карандаш, чернила или маркеры, и обычно выполняется на бумаге или холсте.

При рисовании художник фокусируется в первую очередь на линиях и штриховке, и хотя рисовать можно цветными маркерами, цвет в рисунках часто отсутствует. Художник, который рисует, известен как рисовальщик, хотя другие типы художников, такие как художники комиксов, также сосредоточены на рисовании.
 


 

 

 

Использование краски определяет рисование или аналогичную влажную среду, такую ​​как чернила, для создания произведений искусства с использованием различных цветов. Картина может быть репрезентативной, абстрактной или беспредметной. Независимо от предмета, картина всегда фокусируется на формах, цвете и фактуре.

Художник, использующий краски, известен как живописец. Такие художники, как Йоэль Бенхарруш, являются одними из самых известных имен в искусстве.

Вы можете рисовать кистью или мазком, губкой, моросить, капать, размазывать или разбрызгивать краску на холсте и при этом оставаться художником.

Эти определения далеки от точной науки, потому что картина может использовать линии и быть монохромной, а рисунок может использовать цвет. Между этими двумя методами есть существенное совпадение, и многие картины могут начинаться с рисунка в виде наброска на холсте перед добавлением краски. Оба способа имеют одинаковый предполагаемый результат для создания искусства.

 

Рисовать лучше, чем рисовать или рисовать лучше, чем рисовать?

Нет правильного или неправильного ответа на вопрос, какой метод создания искусства лучше — рисунок или живопись.На протяжении всей истории художники становились все более известными и известными художниками, заставляя людей думать, что живопись лучше или элитарнее.

Рисунок может быть предпосылкой к покраске или самостоятельным готовым изделием. Когда рисунок представляет собой готовый продукт, он часто больше ассоциируется с коммерческим искусством.

Коммерческое искусство, в котором используется рисунок, включает архитектуру, графический дизайн, аниме и анимацию, графику и комиксы, а также фэшн-иллюстрацию. Однако многие рисунки также считаются изобразительным или «высоким» искусством, в том числе рисунки старых мастеров, таких как Леонардо да Винчи.

 

Зачем рисовать перед тем, как начать рисовать?

В детстве нас часто учат рисовать, прежде чем мы научимся рисовать, точно так же, как нас учат ползать, прежде чем мы научимся ходить. Это не означает, что некоторые дети просто не начнут ходить и не будут ползать.

Рисование часто считается художественной основой, которой художники, работающие в разных средах, должны овладеть во время своего творческого образования. Многие преподаватели часто подчеркивают прочную основу в рисовании, прежде чем ученик начнет рисовать. Одна практическая причина, по которой детей учат рисовать до того, как они раскрашивают, заключается в том, что для рисования требуется меньше материалов, а при рисовании карандашом легче стирать ошибки по мере обучения.

Этот процесс обучения подразумевает, что рисование является более простым средством, которое вы изучаете, прежде чем перейти к рисованию. Однако не все опытные художники будут экспертами в рисовании, и не все художники, которые рисуют, продолжают рисовать.

Например, таким художникам-абстракционистам, как Анджело Аккарди, не нужно владеть рисованием, чтобы успешно нарисовать абстрактную картину.Отсутствие способности к рисованию не снижает качества или навыков, необходимых для создания абстрактного искусства. Точно так же постмодернистские художники, использующие краски как часть мультимедийного произведения искусства, не обязательно должны быть мастерами рисования.
 

 

Какие бывают виды рисования и живописи?


ВИДЫ ЧЕРТЕЖА

Типы рисунков обычно определяются стилем и тематикой. Типы рисунка включают:

  • Иллюстрация Рисунок
  • Рисование жизни
  • Эмоциональный рисунок
  • Аналитический чертеж
  • Архитектурный чертеж
  • Перспективный рисунок
  • Схематический чертеж
  • Геометрический рисунок
  • Цифровой рисунок

Иллюстративный рисунок является творческим; ему не нужно придерживаться ограничений реальности.Вы можете увидеть иллюстративные стили рисования в книжках с картинками, рекламе или модных иллюстрациях.

Рисунок с натуры фокусируется на реалистичных рисунках, полученных в результате прямых или реальных наблюдений. Рисунки с изображением человеческой фигуры являются наиболее распространенными сюжетами в этом типе рисунка.

Эмоциональный рисунок стиля подчеркивают стремление к самовыражению и различным эмоциям.

Аналитические чертежи предназначены для передачи точного изображения и точного наблюдения. Анатомические рисунки являются примером этого стиля.

Архитектурные чертежи используются при проектировании зданий и сооружений. Они продолжают быть основой архитектурных работ.

Перспективный рисунок предназначен для создания трехмерных изображений на двухмерной картинной плоскости. Эти рисунки сосредоточены на масштабе и перспективе.

Когда идеи и концепции изучаются и исследуются с помощью рисунков и документируются на бумаге, они известны как схематическое рисование.Они распространены в мире науки и дизайна продукта.

Геометрический чертеж обычно используется в строительстве. Этот стиль рисования фокусируется на определенных размерах и измеренных масштабах.


Какой стиль рисования самый сложный?

Не существует четкого и быстрого ответа на вопрос, какой стиль рисования является самым трудным или самым трудным.

Гиперреализм, тип рисунка с натуры, также известный как фотореализм, представляет собой рисунок, очень похожий на реальность. Многие люди считают, что это один из самых сложных стилей рисования для технического освоения, потому что изображение должно выглядеть настолько близко к настоящему, что вы можете даже не осознавать, что это искусство.

Технические и очень подробные чертежи с неорганическими, механическими формами, такими как здания, также сложны, потому что вы должны рисовать точно.
 


Типы окраски

Типы живописи определяются материалом, который использует художник, а также техникой.Применение разных красок и пигментов требует разных навыков и дает очень разные результаты, даже если два художника рисуют одну и ту же сцену. Стили живописи по среде включают:

  • Картина маслом
  • Акриловая живопись
  • Акварельная живопись
  • Матовая покраска
  • Текстурная окраска
  • Тушь
  • Окраска эмалью
  • Картина гуашью
  • Рисование песком
  • Цифровая живопись

Направления в искусстве часто определяют стили живописи; например, экспрессионистский стиль живописи будет сильно отличаться от импрессионистского стиля живописи.

В искусстве существует семь основных стилей живописи, которые иногда называют «школами» или «направлениями».
 

Стили рисования

  • Реализм
  • Живописный
  • Импрессионизм
  • Экспрессионизм и фовизм
  • Абстракция
  • Аннотация
  • Фотореализм или гиперреализм

Реализм стремится к тому, чтобы предмет картины был очень похож на настоящий; «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — классический пример стиля реализма, который был популярен в эпоху Возрождения.

Живописный стиль приобрел популярность во время движения современного искусства в первой половине 19 века. Живописный стиль фокусируется не столько на реализме, сколько на мазках и текстурах самой краски. Акцент в живописных техниках делается на самом акте рисования, работе кистью и пигментах. Картины Матисса являются прекрасными образцами этого стиля.

Импрессионизм последовал за живописным стилем в изображении мазков, но с растущим акцентом на захват света с помощью жестов и иллюзий. «Подсолнухи» Винсента Ван Гога — образец импрессионистского стиля.

Экспрессионизм и фовизм — похожие стили, характеризующиеся смелыми, нереалистичными красками, которые не передают цвета реальной жизни. Вместо того, чтобы сосредоточиться на реальности, художник использует краску, чтобы описать объект так, как он ощущается или кажется ему лично. «Крик» Эдварда Мунка — яркий пример этого стиля.

Абстракция — это стиль живописи, который берет суть предмета и изображает его так, как его интерпретирует художник, а не посредством точных и видимых деталей.Сюжет сохраняет основу в реальности, но художник может свести ее к мазкам, цветам, формам или узорам. Большая часть работ Пабло Пикассо является примером абстракции.

Чисто абстрактная работа идет еще дальше и вообще избегает реализма. Весь смысл рисования абстрактной работы заключается в используемых цветах, текстурах и материалах. Картина Марка Ротко «Оранжевый, красный и желтый» является примером абстрактного стиля живописи.
 


Фотореализм или гиперреализм призван быть более точным, чем реальность.Это усиленная версия реализма эпохи Возрождения, в которой учтена каждая мельчайшая деталь, и ни один изъян не является незначительным. Портреты Чака Клоуза являются яркими примерами стиля фотореализма в лучшем виде.
 

Какой самый сложный стиль рисования?

Самый сложный стиль рисования — тема субъективная, и нет правильного или неправильного ответа на вопрос, какой стиль рисования самый сложный. Многие современные художники были революционерами и создавали новые стили живописи, которые до них никто не пробовал, и которые многие считают сложными.

Как и в случае с рисованием, с чисто технической точки зрения многие считают гиперреализм наиболее технически сложным для освоения стилем живописи.

 

Рисовать сложнее, чем рисовать?

Надеюсь, эта статья объяснила вам, что эти два вида искусства различны. Ни один из видов искусства не является более сложным или лучшим, чем другой; каждый художественный стиль и среда потребуют разных навыков.

 

Знай свое искусство Стили рисования: 7 самых популярных

Частью оценки изобразительного искусства является разнообразие стилей художественной живописи, которыми можно восхищаться и из которых можно выбирать.Как поклонник искусства, вы получите больше удовольствия, когда поймете, какой именно художественный стиль вы просматриваете в данный момент. Вот обзор семи самых популярных стилей художественной росписи в произвольном порядке.

Стили художественной росписи

Искусство реализма

1. Реализм — это стиль искусства, который большинство людей считает «настоящим искусством». Это потому, что он пытается изобразить тему так, как она появляется в реальной жизни, но не выглядит как фотография. Искусство реализма не стилизуется и не следует правилам формальной художественной теории.Вместо этого художник тратит изрядное количество времени и усилий, уделяя внимание созданию точного изображения форм жизни и предметов, перспективы (создавая иллюзию реальности), хорошей композиции, свету и тени, цвету и тону.

Фотореализм Искусство

2. Фотореализм (он же суперреализм, реализм резкого фокуса, гиперреализм) — это художественный стиль, в котором произведение искусства выглядит так же реалистично, как фотография. Иллюзия реальности настолько точно настроена, что картина выглядит точно так же, как большая четко сфокусированная фотография на холсте или другой подложке для краски.Это образ, который включает в себя тщательное внимание к деталям, вплоть до последней песчинки на пляже или пор и морщин на лице человека. Ничто не упущено, и ничто не является слишком незначительным, чтобы быть упущенным из композиции. Вот такой реалистичный фотореализм.

Фотореализм как стиль искусства стал движением в конце 1960-х и начале 1970-х годов в Америке. Для получения дополнительной информации об этом художественном движении нажмите здесь.

Живописный художественный стиль

3. Живописный художественный стиль отличается видимыми мазками и текстурой краски. Этот стиль можно создать с помощью масла, акрила, акварели, гуаши и любого другого материала, где используется кисть.

В прошлом ранние художники прилагали большие усилия, чтобы устранить мазки или текстуру на своих картинах, работая и смешивая краски, но не художники-живописцы. Однако они не пытаются скрыть свой мазок, нанесенный небрежно и быстро. Краску также не нужно наносить толстым слоем; тонкие слои краски работают так же хорошо, используя живописный художественный стиль.

Импрессионизм Живопись

4. Импрессионизм – это стиль живописи, который выглядит грубым и незавершенным и характеризуется маленькими, тонкими видимыми мазками. Сюжет обычно состоит из обычных и обычных предметов, подчеркивающих точное изображение света.

Картины импрессионистов часто пишутся на открытом воздухе, чтобы запечатлеть естественный солнечный свет и цвет предметов. Черный используется редко, поскольку художники-импрессионисты предпочитают смешивать и использовать темные тона и дополнительные цвета. Импрессионизм — это скорее представление впечатления художника. Он не пытается быть точным в деталях, скорее, он больше похож на выражение сердца.

Абстрактное искусство

5. Абстрактное искусство — это произведение искусства, которое не похоже ни на что из «реальной жизни». Это художественный стиль, который намеренно не является репрезентативным и стремится достичь своей цели или предмета, используя формы, формы, цвета и текстуры. Каждый объект на холсте представлен либо цветами, либо формами.Например, цвета могут представлять эмоции, а формы могут символизировать объекты.

Цель аннотации — позволить зрителю самостоятельно интерпретировать ее значение. В худшем случае абстрактное искусство выглядит как случайный беспорядок краски. В лучшем случае он оказывает влияние, которое поражает вас с того момента, как вы его видите.

Искусство сюрреализма

6. Сюрреализм   – это стиль современного искусства, в котором различные абстрактные концепции сопоставляются для создания поразительного эффекта. Полностью распознанные образы реалистично рисуются, затем реконструируются или структурируются в двусмысленных, противоречивых или шокирующих рамках, удаляясь от их обычных настроек и обстоятельств.Сюрреалистические картины часто нелогичны и выражают воображаемые сны с видениями, которые подчеркивают подсознание, а не логику.

Сюрреализм зародился во Франции и процветал как художественное движение в начале двадцатого века. Чтобы узнать больше о сюрреалистическом движении, нажмите здесь.

Поп-арт

7. Поп-арт  – это стиль современного искусства, зародившийся в 1950-х годах и черпавший вдохновение из коммерческих и потребительских аспектов повседневной жизни, особенно в американской культуре.Такие изображения включали рекламу, средства массовой информации, комиксы, знаменитостей и элементы популярной культуры, такие как журналы, фильмы и даже бутылки и банки.

Картины в стиле поп-арт, как правило, сосредоточены на смелых цветах и ​​реалистичных образах. Скрытого смысла в композиции обычно тоже нет. Художники поп-музыки редко используют какие-либо традиционные приемы перспективы для создания иллюзии реализма в картине. Некоторые поп-исполнители используют методы массового производства, такие как шелкография, для воспроизведения своих работ, отражая процесс производства потребительских товаров.Из-за своих коммерческих образов поп-арт является одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Дополнительные показания

Классификация картин изобразительного искусства по жанрам

Каковы классификации искусства?

Есть вопрос?

Если у вас есть вопросы об этой картине, свяжитесь с нами, и мы будем рады ответить на любые ваши вопросы.

Спасибо, что прочитали это!

Не стесняйтесь поделиться этим с друзьями.


ОБНОВЛЕНО: 04 февраля 2021 г.

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь им.Спасибо!

20 удивительных техник рисования, которые понравятся вашим детям / AdMe.

ru

Каждый ребенок любит рисовать и рисовать. Однако иногда результаты не совсем шедевры. Возможно, вашему ребенку просто нужен другой способ самовыражения? Если вы думаете, что ответ на этот вопрос «да», то пришло время поощрять ваших детей экспериментировать с различными методами. Мы уверены, что есть что-то, что может стать их новым любимым выбором.

Так что будьте готовы увидеть своего маленького художника, чтобы попробовать что-то новое! Мы в AdMe.ru составили список самых необычных техник рисования, доступных для детей.

Точечные узоры

Сначала нарисуйте простую волнистую линию в качестве контура. Затем ватной палочкой и гуашью или акриловой краской сделать затейливые точечные узоры по своему вкусу. Заранее смешайте краски на палитре и добавьте немного воды.

Фроттаж

Этой технике учатся с раннего детства и любят многие дети. Просто поместите фактурный предмет под лист бумаги и покройте его пастельными красками, мелками или тупым карандашом.

Использование губки

Обмакивая губку в густую гуашевую краску, ребенок может создавать пейзажи, букеты цветов, ветки сирени и различных животных.

Превращение капель краски в произведение искусства

Существует два варианта этой техники. Если вы выберете первый вариант, нанесите немного краски на лист бумаги и аккуратно поворачивайте бумагу руками из стороны в сторону, чтобы превратить бесформенное пятно в изображение. Второй вариант немного отличается: ребенку нужно обмакнуть кисточку в краску, затем сделать каплю на бумаге и согнуть ее так, чтобы получился отпечаток с обеих сторон. Затем им нужно развернуть бумагу и попытаться сообразить, как выглядит изображение.

Использование рук и ног

Эта техника действительно очень проста: все, что нужно сделать вашему ребенку, это окунуть руку или ногу в краску и сделать отпечаток на бумаге. Затем используйте силу их (и вашего) воображения, чтобы добавить некоторые детали.

Узоры на краске

Для этого покройте листы бумаги толстым слоем разноцветной краски. Затем используйте противоположную сторону кисти, чтобы нацарапать различные линии и завитки на цветной бумаге.Когда выкройки высохнут, вырежьте их и приклейте на плотную бумагу.

Забавные отпечатки пальцев

Название говорит само за себя. Покройте пальцы тонким слоем краски и сделайте отпечаток. Добавьте несколько штрихов маркером, и все!

Монотипия

Нанесение рисунка на гладкую поверхность (стекло, например). Затем сделайте отпечаток, держа лист бумаги над окрашенным стеклом. Чтобы сделать его размытым, смочите бумагу заранее. Когда изображение высохнет, вы можете добавить любые детали, которые хотите.

Скретчборд

Как следует из названия, этот метод включает «царапание» изображения. Лист картона следует заштриховать пятнами, используя разноцветную масляную пастель. Затем с помощью палитры смешайте черную гуашевую краску с мылом и покройте этой смесью весь контур. Когда краска полностью высохнет, используйте зубочистку, чтобы процарапать на ней любое изображение, которое вам нравится.

Воздушные краски

Чтобы сделать эту краску, смешайте столовую ложку самоподнимающейся муки, несколько капель пищевого красителя и столовую ложку соли.Добавьте немного воды и перемешайте смесь, пока она не приобретет консистенцию сметаны. Затем поместите краску на глазурь. Для этой техники вы можете использовать как бумагу, так и картон. Когда изображение будет готово, поместите его в микроволновую печь на 10-30 секунд на полную мощность.

Бумага «Мрамор»

Покройте лист бумаги желтой акриловой краской. Когда он полностью высохнет, добавьте слой разведенной розовой краски и накройте изображение полиэтиленовой пищевой пленкой. Затем целенаправленно сомните пищевую пленку, чтобы получились «мраморные» узоры.Когда бумага высохнет, снимите пленку.

Рисование водой

Нарисуйте простой узор акварельными красками, а затем покройте его водой. Пока бумага еще влажная, добавьте несколько разноцветных капель краски, чтобы создать красивый и плавный эффект «смешивания».

Штампы с фруктами и овощами

Разрежьте несколько кусочков фруктов или овощей на две половинки. Затем вырежьте узор на каждом из них или оставьте как есть. Окуните половинки в краску и сделайте отпечатки на бумаге.Вы можете использовать самые разные фрукты и овощи: яблоко, картофель, морковь, сельдерей.

Штампы из листьев

Этот метод основан на том же принципе, что и предыдущий. Просто покройте несколько листьев краской и сделайте отпечатки на бумаге.

Рисунки солью

Если посыпать солью акварельную картину, когда она еще сохнет, соль пропитает краску. Когда изображение высохнет, оно приобретет прекрасный зернистый эффект.

Используйте другой тип кисти

Попробуйте что-нибудь новое для разнообразия! Например, рисование бытовой кистью.

Эбру (Рисование на воде)

Вам понадобится емкость с водой. Его размер должен точно совпадать с размером листа бумаги, который вы используете. Также можно использовать противень. Вам понадобятся масляные краски, растворители и кисточка. Эта техника требует создания узоров на воде красками, а затем погружения листа бумаги в воду.

Эффект потрескавшегося воска

С помощью восковых карандашей сделайте изображение на листе тонкой бумаги. Как видите, мы решили сделать цветок. Весь фон должен быть заштрихован. Сначала скомкайте бумагу, а затем снова разгладьте ее. Затем покройте весь лист бумаги темной краской. Промойте рисунок водой и дайте ему высохнуть. Также можно попробовать погладить.

Картонные штампы

Разрежьте картон на небольшие полоски по 1 штуке.5х3 см. Затем окуните одну сторону каждого куска картона в краску, держите его вертикально над бумагой и тяните в поперечном направлении. У вас получатся широкие линии, которые могут стать основой для действительно необычного образа.

Кулачные штампы

Чтобы сделать такое изображение, ребенок должен сжать кулачки. Затем опустите кулак в краску и сделайте отпечатки на бумаге. Не стесняйтесь добавлять любые детали, которые вы хотите. Одна отличная идея — нарисовать подводную сцену, как показано выше.

Краткое руководство по стилям оформления комиксов

Этот контент содержит партнерские ссылки. Когда вы покупаете по этим ссылкам, мы можем получать партнерскую комиссию.

В этом кратком руководстве я попытался рассмотреть некоторые примеры многих художественных выражений, присутствующих в среде иллюстрированного повествования. От классических героев комиксов до разнообразных сюжетных линий, которые вы можете найти сегодня, и многих других стилей, ставших известными благодаря независимым изданиям и веб-комиксам. Этот пост о стилях искусства комиксов далеко не полный список, но я надеюсь, что он может дать вам общее представление о разнообразии художественных техник, существующих сегодня.

Что я имею в виду под стилями комиксов?

Комиксы как художественное средство быстро развивались с тех пор, как в конце 19 века появились коллекции комиксов. Мы видим разнообразный набор создателей, разнообразие искусства и даже новый формат цифрового искусства, который позволил многим художникам расширить свои методы и доступность для отрасли.

Есть также много отличных ресурсов, если вы хотите больше узнать о различных стилях искусства, например, исследовательский центр музея Нормана Роквелла, который помог мне собрать временную шкалу и определения для большинства техник, которые я перечисляю ниже.

Здесь я перечислю некоторые из наиболее определяющих художественных стилей для комиксов, и как вы можете решить или даже просто изучить, какой из них вам нравится больше всего! Надеюсь, это поможет вам связаться с авторами и художниками, чтобы расширить вашу любовь к иллюстрированному рассказыванию историй.

Информационный бюллетень стека

Подпишитесь на The Stack, чтобы получать лучшие публикации Book Riot Comic, отобранные для вас.

Спасибо за регистрацию! Следите за своим почтовым ящиком.

Регистрируясь, вы соглашаетесь с нашими условиями использования

Классический комикс

В каждом поджанре художественного стиля вы найдете широкий спектр работ.Все, от Семейного цирка до Гарфилда, украшало воскресные газеты. Но ради этого поста они становятся примерами коротких художественных форматов, таким образом, не требуя трехмерности или предельного внимания к деталям. На большинство из тех, что попадают в эту категорию, повлиял Платиновый век комиксов, который начался в конце 19 века с первого сериализованного сборника комиксов. Но мы можем оглянуться на его влияния, исходящие из Древнего Египта и Греции (даже если два перечисленных выше примера были впервые опубликованы в 1960-х и 1970-х годах соответственно), которые определяют формат линейного рассказа, используемый сейчас на протяжении веков.

Классическое панно из комикса «Гарфилд» в честь его 40-летия
© Paws

Золотой век супергероев

Это то, о чем мы думаем, когда думаем о винтажных комиксах. Первые изображения Супермена, Чудо-женщины и других героев DC и Marvel происходят из этого стиля, который стал чрезвычайно популярным в 1930-х годах вплоть до 1950-х годов, когда началось массовое производство комиксов.

Знаменитый ныне мем «Бэтмен, шлепающий Робина» — отличный пример стиля Золотого века.© 2020 DC Entertainment

Серебряный век

Теперь, в послевоенный период, массовое потребление стимулировалось, и значительной частью этого были новые средства массовой информации, такие как комиксы. В то время «Серебряный век», по-прежнему ориентированный в основном на мальчиков, начал видеть более сложный стиль рисования с большим использованием трехмерности, деталей и теней. Больше всего на него сильно повлияла новая эра искусства в целом, которая возникла вместе с контркультурными движениями в 1960-х годах.Итак, здесь вы видите очень эмоциональные изображения персонажей и большое влияние поп-арта, с яркими, иногда неоновыми цветами и сюрреалистическими, а иногда даже тревожными образами. Это первый раз, когда вопрос художественной ценности становится частью разговора о комиксах. Среда уже зарекомендовала себя как прибыльная. В это время художники стали узнаваться по своим работам и благодаря этому привлекать более старшую аудиторию.

«Монстро» фигурирует в комиксах Marvel, 10 самых знаковых монстрах Серебряного века.© 2020 МАРВЕЛ

Бронзовый век

С уже установленной аудиторией и художественным поиском следующая фаза художественного стиля в комиксах стала больше посвящена несколько реалистичному повествованию, решению реальных проблем, существовавших в то время. При этом художественный стиль стал менее сюрреалистичным и более фотореалистичным, придав персонажу больше человеческих черт как визуально, так и через письмо, что привело бы к более кинематографическому ощущению. Отличным примером этого является «Человек-паук» с злодеями-альтер-эго и историями, сосредоточенными на горе, и очень реалистичными изображениями ландшафта Нью-Йорка, которые соединяют читателя со вселенной комикса.

Смерть Гвен Стейси в «Новом Человеке-пауке» © MARVEL, 2020 г.

Темные века

В 1980-х годах произошел большой сдвиг в том, как мы понимаем комиксы, как с повествовательной, так и с визуальной точек зрения. Темный век назван так из-за того, что в нем сосредоточены более темные оттенки, ночные декорации, злодеи и более «темные» темы. Здесь мы видим восхождение комиксов «Хранители» и Джокера в качестве главного героя «Убийственной шутки», которая проложила путь многим другим комиксам, посвященным суперзлодеям.Этот художественный стиль отличался эстетикой, вдохновленной 1940-ми годами, с множеством заметок из нуарных криминальных триллеров серебряного века, а также с использованием психологических сюжетных линий ужасов.

© 2020 DC.

Восход манги

В то время как супергерои с мрачными сюжетными линиями и яркими неоновыми полосками были в моде в США, манга, японский стиль комиксов, начала набирать популярность как внутри страны, так и во всем мире. Манга характеризуется почти исключительно черно-белым стилем и отчетливым использованием объемности и теней.Манга действительно разнообразна, и, честно говоря, заслуживает целого поста, посвященного разнообразию художественных стилей в жанре, от сюрреалистических сюжетных линий до чрезмерно реалистичных. Если мы должны определить стиль, Фредерик Шодт в своей книге Manga! Манга! Мир японских комиксов определяет его как:

.

«[…] одно из их величайших дополнений [манги] состоит в том, чтобы сделать визуально увлекательными самые невероятные предметы, такие как манджонг, нарезка овощей и даже школьные экзамены.Это делается путем преувеличения действий и эмоций до уровня мелодрамы и уделения любовного внимания мельчайшим деталям повседневной жизни».

Манга! Манга! Мир японских комиксов Фредерика Л. Шодта (2013)

Панель из Barefoot Gen vol 1 Кейдзи Наказава. Манга о жизни после атомной бомбардировки Хиросимы 1973-1974

Настоящее

Названный некоторыми источниками Ageless Age, начиная с 1993 года и до сегодняшнего дня, мы видим разнообразный набор художественных стилей комиксов, которые не обязательно следуют определенному набору вдохновения.

Comments