Рисунок карандашом музей: ᐈ Кремля рисунки, фото москва карандаш


13.04.2020 Facebook Twitter LinkedIn Google+ Карандашом


Содержание

ᐈ Кремля рисунки, фото москва карандаш

ᐈ Кремля рисунки, фото москва карандаш | скачать на Depositphotos®МОСКВА, РОССИЯ - Река Москва, вид на один из сталинских небоскребов с мостом через Большую Москву. Ручной эскизВекторная иллюстрация Москвы .Москва, Россия: Исторический музей и резинки на Красной площади. Рука нарисованные эскизВекторная иллюстрация Москвы .Москва, Россия: Панорамный вид на город. Рука нарисованные эскизМОСКВА, РОССИЯ - Река Москва, вид на один из сталинских небоскребов с мостом через Большую Москву. Ручной эскизМОСКВА, РОССИЯ - Река Москва, вид на один из сталинских небоскребов с мостом через Большую Москву. Ручной эскизМосква, Россия: Панорамный вид на город. Рука нарисованные эскизМосква (Московский международный деловой центр), Россия.Москва (Московский международный деловой центр), Россия.Москва, Россия: Исторический музей и резинки на Красной площади. Рука нарисованные эскизМосква (Московский международный деловой центр), Россия.Вид Большого Каменного моста на Москву и Кремль в Москве, Россия .Векторная иллюстрация Москвы .Вид на Московский Кремль и Москву-реку .Вид Большого Каменного моста на Москву и Кремль в Москве, Россия .Вид Большого Каменного моста на Москву и Кремль в Москве, Россия .Москва, Россия: Панорамный вид на город. Рука нарисованные эскизМосква нарисовала эскизВекторная иллюстрация Москвы .Вид на Московский Кремль и Москву-реку .Москва, Россия: Отель Балчуг Кемпински и Большой Москворецкий мост. Москва-река. Немецкий летчик Mathias Rust приземлился на мостуГородской пейзаж набережной Кремлевских башен и моста через Москву (Красная площадь, Москва, Россия) изолированный векторный ручной рисунок в черном цвете на белом фонеСобор Василия БлаженногоГородские пейзажи и здания ручной работыВид на Московский Кремль и Москву-реку .Москва, Россия: Отель Балчуг Кемпински и Большой Москворецкий мост. Москва-река. Немецкий летчик Mathias Rust приземлился на мостуВекторная иллюстрация Москвы .Красная площадь МосквыВид Большого Каменного моста на Москву и Кремль в Москве, Россия .Вид Большого Каменного моста на Москву и Кремль в Москве, Россия .Эскиз символов европейских городовМосква, Россия Знаменитый эскизВид на главный вход во ВДНХ (Выставка достижений народного хозяйства ).Вид на Св. Собор Василия Блаженного на Красной площади в Москве, Россия .Вид на Московский Кремль и Москву-реку .Городской пейзаж набережной Кремлевских башен и моста через Москву (Красная площадь, Мос

Как нарисовать дворец карандашом поэтапно

Мир полон загадочных и красивых мест, созданных не только природой, но и руками человека. Темная эпоха – средневековье, заманивает всех и каждого стилем жизни, нравами и, что главное, строениями и архитектурой. Замки – вот что интересует и радует наш обыденный ум, и сегодня мы будем учиться как рисовать дворец Нойшванштайн. Новый лебединый камень – так переводится название дворца. Находится около австрийской границы в Германии, в городке Фюссен, принадлежал баварскому королю Людвигу Второму, теперь же является самым популярным местом для туристов в южной части Германии.

В настоящее время прекрасный замок является музеем. Не странно, такая махина, действительно, ходячий музей. Каждая стена, окно, стол – произведение искусства тех времен, когда еще не владели нереально точной технологией, а была только фантазия и желание. Войти в музей можно только в составе группы, вам сразу же выдаются аудиогиды на всех языках, автобус подвозит и увозит вас от дворца. Единственным постоянным жителем замка является только его сторож. Интересно, как же один сторож охраняет такую красоту? Тут национальная гвардия нужна.

Интересные факты о замке Нойшванштайн:

  • Именно его архитектура и строение послужило эскизом для замка Спящей красавицы в Парижском Диснейленде, но только для него. Остальные же использовали французский замок Юссе.
  • В конце второй мировой часть золотого запаса Райхсбанка хранилась в этом замке, но после поражения золото исчезло в неизвестном направлении. Поговаривают, его утопили в ближайшем озере Алат, и охотники за сокровищами до сих пор ищут его там.
  • Чайковский был очарован видом прекрасного дворца, и полагают, что именно здесь зародилась гениальная идея балета Лебединое озеро. Не один день он проводил около замка и любовался видом.

Нойшванштайн - только один из тысячи таких, которые вдохновляют людей писать песни, рисовать картины и создавать Лебединые озера. Соберемся и попробуем нарисовать немецкий дворец.

Как нарисовать дворец карандашом поэтапно

Шаг первый. Внимательно рисуем шаблон для замка, проводим каждую стену линией, каждую башню рисуем как подобие ракеты. Внизу немного леса, посреди которого расположен дворец. Шаг второй. Сейчас более толстой и аккуратной линией выделяем контуры строения, чтобы было видно, как будет выглядеть весь замок. Дорисовываем несколько окон и верхушки башен. Шаг третий. Здание должно быть объемным и заметным. Смотрим на главную картинку и рисуем детали замка так, чтобы выглядело максимально похоже. Все окна, балконы, маленькие выступы. Шаг четвертый. Сейчас нужно только убрать ненужные линии с первых шагов, подчистить рисунок для следующего шага.Шаг пятый. Выглядит не плохо, но чего не заметно? Правильно – теней. Добавляем штриховкой тени на крышу и башни, а так же на главную стену. Внизу рисунка не забываем тушевкой добавить верхушки деревьев. Будет возможность – обязательно посещайте эти прекрасные сооружения, это целая история в стенах. Попробуйте представить, как люди жили там, что происходило и как все это выглядело. Но перед тем как посещать замки, сперва, напишите мне свои впечатления об этом уроке. Попробуйте еще изобразить:
  1. Средневековую пушку;
  2. Острый, как бритва, меч;
  3. Учимся рисовать храм Будды;
  4. Рисуем рыцаря в доспехах;
  5. Герб России;

TrustNo1

Специально для DayFun

Эволюция рисунка

9 апреля 2020

От палеолита до наших дней

«Юношам, которые хотят совершенствоваться в науках и искусствах, прежде всего надо научиться рисовать»
Леонардо да Винчи, «Трактат о живописи»

Первые человеческие рисунки (по крайней мере те, чей приблизительный возраст удалось установить) датируются каменным веком. От эпохи палеолита до нас «дожили» изображения животных и людей, нацарапанные на камнях или нарисованные на стенах и сводах пещер. Несмотря на то, что рисунок и по сей день остается важнейшей составляющей живописи, многие ценители искусства зачастую уделяют ему куда меньше внимания, чем стоило бы, считая его лишь «подготовительным этапом работы» при создании картины. 

Предлагаем вам взглянуть на эволюцию рисунка и развеять мифы о его вторичности, а заодно проследить, как с веками менялся этот древний вид искусства — от примитивных линий, нацарапанных на камне, к линиям нарисованным, способным передать красоту текстур и отблеск света. Кроме того, в этом материале мы уделили особое внимание технике рисунка, а также инструментам и материалам, во многом благодаря которым и происходила эволюция художественных стилей и живописи в целом.

 


© Наскальный рисунок эпохи палеолита — ykt.ru

Предыстория

Как известно, в искусстве Древнего мира рисунок занимал абсолютно господствующую роль. Если разобраться, то, по сути, и вся египетская живопись, и греческая (роспись ваз) — это тот же контурный рисунок, в котором краска играла второстепенную роль: с помощью нее заполняли заранее начерченные силуэты. 

В Средние века понятия «живопись» и «рисунок» продолжали быть неразрывно связанными: византийская мозаика представляла собой плоскостное изображение с абстрактным (золотым или синим) фоном, средневековая миниатюра — что-то среднее между станковой живописью и орнаментальным украшением, цветной витраж готических соборов — все тот же контурный рисунок, только расцвеченный.

Принципиальная граница между живописью и рисунком была прочерчена в переходный для всего человечества период — в эпоху раннего Возрождения, спустя несколько десятилетий после пандемии «черной смерти» (от которой погибло едва ли не 50% населения Европы). В связи с меняющейся на глазах ролью человека в обществе художники начинают отделяться от так называемых цехов, создавая индивидуальные именные мастерские. В этот же период происходит и отделение живописи от архитектуры — кроме настенных фресок появляются алтарные и станковые картины. Именно с эпохи раннего Возрождения о графике можно говорить как о самостоятельной области искусства. 

 


© Альбом архитектора Виллара де Оннекура, пергамент, около 1235 года — Парижская национальная библиотека 

Материалы 

Материалы для творчества тоже менялись. 

С раннего Средневековья и вплоть до XVI века рисунки в основном создавались на дощечках из букового дерева (размером с ладонь), которые грунтовали костяным порошком и иногда обтягивали пергаментом. Рисовали на них металлическим грифелем или штифтом, а из набора таких дощечек, связанных ремешками, создавали альбомы. До нашего времени дошло всего несколько таких альбомов. 

Более утонченным (и дорогим) материалом для рисования считался пергамент, который делали из кожи. На протяжении многих веков пергаменту отводилась главенствующая роль при создании рисунка, но после изобретения бумаги он постепенно уступил свои позиции. 

Бумага была и остается главным материалом для рисования и по сей день. Согласно легенде, она была изобретена в Китае более 2 тысяч лет назад (во II веке до н.э.). В течение первых пятисот лет после изобретения она получила широкое распространение в Азии (скажем, свое производство было в Корее и Японии), а после победы арабов над китайцами в Таласской битве секрет изготовления бумаги попадает на Ближний Восток (среди захваченных арабами пленных оказались мастера бумажного дела), а далее и в Старый Свет. 

Главным центром бумажного производства в конце первого тысячелетия нашей эры был Самарканд, что сильно ограничивало использование этого материала в Европе — это была недешевая история. Кроме того, бумагу тогда делали из древесного луба — и ее качество оставляло желать лучшего: она была ломкой и рыхлой. Все это способствовало тому, что конце XI века в Европе изобрели свой метод создания бумаги — из льняных тряпок.

Несмотря на то, что первые сведения о применении бумаги в живописи относятся к XII веку (ко времени Теофила), широкое распространение среди художников она получила лишь спустя пару столетий — в XIV веке. Впрочем, великих живописцев той поры (речь идет об эпохе Проторенессанса) — Чимабуэ и Джотто — это не коснулось, они почти всю свою жизнь творили на пергаменте. Но уже в начале XV века художники новой волны отказываются от этого материала в пользу бумаги. Одним из первых среди них был итальянец Мазаччо. 

Первая бумага мало чем походила на ту, что мы имеем сегодня: она была толстой, с шершавой поверхностью и требовала грунтовки. В XV веке технологии активно развивались, благодаря чему бумага становится крепче, но приобретает желтоватый оттенок. Чтобы забыть о грунтовке и избавиться от неприятного цвета бумаги, в ее состав стали примешивать светло-голубую краску. Так в конце XV века в Венеции появилась голубая бумага, которая особенно подходила для мягких живописных приемов и световых эффектов (например, для создания эффекта мерцающей луны). 

В XVI веке цветная бумага становится крайне популярной и входит в моду: художники особенно ценят (как основу для своих рисунков) синюю, серую, светло-коричневую и розовую. Розовую бумагу часто используют в академиях для работы с обнаженной моделью. 

К наиболее старым живописным работам на бумаге относится этюд головы (находится в Лувре), выполненный одним из художников школы Леонардо да Винчи. Упоминание бумаги мы находим и в сочинениях самого Леонардо. В одной из глав «Книги о живописи» есть такая строчка: «Ты пишешь свою картину на бумаге, натянутой на подрамнике...» К слову, бумага на подрамнике и сейчас является классикой жанра, минимальным рабочим набором любого художника. 

 


© Автопортрет Жана Огюста Доминика Энгра, исполненный по просьбе студентов, 1835 год — Лувр

Инструменты

Выбор инструментов для рисования зависел от задач мастера. В основном их можно поделить на две основные категории: сухие инструменты (грифель, карандаш, уголь) и жидкие инструменты (кисть, перо).

У римлян в почете был металлический грифель, которым писали на вощеных дощечках. В Средние века художники массово перешли на свинцовый грифель — при его использовании на холсте появляются мягкие линии, которые очень легко стирать. Это стало безусловным преимуществом при создании предварительных набросков. 

С XV века на смену свинцовому приходит серебряный грифель. Им рисовали исключительно на грунтованной и тонированной бумаге, а его использование требовало от художника чрезвычайной точности, так как штрихи не допускали правок: линии получались тонкими, четкими и не имели тона. Рисунок, исполненный таким грифелем, отличается строгостью форм и простотой. Серебряный грифель любили использовать в своих работах «мастера линии»: Гольбейн Младший, Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Дюрер, Перуджино и Рафаэль. 

Потеря интереса художников к серебряному грифелю была тоже вполне органичной: рисунок эволюционировал от линии к пятну, а следом эволюционировали и инструменты. Революцию произвел графитный карандаш. Что интересно, появился он еще в XVI веке, но первые прототипы этого инструмента были крайне низкого качества и не заинтересовали художников: они царапали бумагу и давали резкий металлический оттенок. 

Широкое применение карандаш получил лишь сто лет спустя. Своей популярностью он обязан французскому живописцу (а также механику, химику и боевому офицеру) Николя Жаку Конте — в ходе одного из своих экспериментов в 1790 году ему удалось изменить состав карандаша: он добавил в него примесь глины и в результате получил оптимальную твердость грифеля. Таким образом, набор мастера рисунка сократился до трех основных предметов: карандаша Конте, белой бумаги и ластика. 

Самым ярким мастером рисунка графитным карандашом той поры можно смело назвать Жана Огюста Доминика Энгра. Художник уделял особое внимание не контуру объекта, а игре света на его поверхности. Творения мастера были максимально продуманы и наполнены деталями. Однако и в работе графитным карандашом нашлось место экспериментам. Например, Тулуз-Лотрек и Валентин Серов создавали рисунки прерывистым штрихом и растушевкой.  

Графитный карандаш был крайне востребован и вполне успешно уживался еще с одним популярным инструментом того времени — пером. В Средние века и во времена эпохи Возрождения художники носили его с собой в вертикальном поясном футляре вместе с чернилами. Перо (в отличие от металлического грифеля) давало больше выразительных возможностей. Нажимы, завитки, мощные контрастные штриховки позволяли сделать работу более экспрессивной — с помощью одного карандаша такого эффекта добиться практически невозможно. Перьевые рисунки есть у Рембрандта, Гварди, Тьеполо и Ван Гога.

Что касается материалов, то с IV века для этих целей в основном использовали гусиное перо, а с начала эпохи Возрождения в моду вошло (крайне сложное в использовании) тростниковое перо, малейший нажим на которое приводил к утолщению линии. Техникой рисования таким пером блестяще владел Рембрандт. В XVII веке в Англии появляется металлическое перо, которое постепенно вытесняет все остальные. 

По рисункам пером можно проследить эволюцию европейского рисунка: сначала художники делали акцент на выразительности контурных линий, затем — на пластическом рельефе форм. Ко второй половине XIX века появляется импрессионистский рисунок, передающий общее впечатление, а не детали: для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но крайне важно — как это сделано.

В качестве жидкости для рисунка пером чаще всего использовали чернильный орешек, известный еще со Средних веков, затем в моду вошла китайская тушь из ламповой копоти, а с XVIII века — сепия, изготовляемая из чернильного мешка морских моллюсков (каракатицы или кальмара). С начала XIX века для рисунка стали использовать более привычные для нас анилиновые чернила и стальное перо.

Отдельным словом среди инструментов для рисования стоит отметить уголь и сангину. Главное отличие этой группы инструментов от всех остальных заключается в том, что они создают мягкую насыщенную линию. Сангина, то есть красный мел, добываемый из особой породы камня, пожалуй, самое древнее средство для рисования: в палеолитических пещерах животные (те, что в красном цвете) чаще всего «написаны» именно с помощью этого материала (см. первую иллюстрацию статьи). 

Первым европейским художником, который активно использовал сангину в своих работах, был Леонардо да Винчи. Особого успеха в ее использовании достиг француз Антуан Ватто, чье творчество (отличающееся богатой тональностью), по мнению культурологов, стало прологом общеевропейского стиля рококо. 

Что касается угля, то им пользовались еще греки-вазописцы, но затем он потерял актуальность и вышел из моды. Интерес к рисунку этим «инструментом» возобновился лишь в XV веке, когда было изобретено средство для фиксации изображения углем: бумагу смачивали клеевой водой, просушивали и подвергали пропариванию, после чего рисунок надежно приставал к бумаге. Такой же смелый прием, кстати, использовал Эдгар Дега, работая над знаменитыми «Голубыми танцовщицами», написанными пастелью. Если присмотреться — на картине можно разглядеть характерные водяные потеки.

 


© «Композиция № I» (Эскиз к панно «Танец»), Анри Матисс, 1909 год — ГМИИ имени А.С. Пушкина

Набросок. Эскиз. Этюд.

Безусловно, рисунок может быть самодостаточным произведением искусства. Но не менее важна и его роль как вспомогательного элемента при подготовке живописного произведения (или скульптуры). Под подготовительной работой, как правило, понимают три варианта рисунка: набросок, эскиз и этюд.

Прелесть наброска в его свежести и мимолетности. Набросок может быть как подготовительным, так и совершенно самостоятельным произведением. Это своего рода афоризм к моменту действительности. Мастерами наброска по праву считаются Пармиджанино, Гейнсборо, Рембрандт и Тьеполо. 

Эскиз в свою очередь всегда носит подготовительный характер, учитывает все ключевые композиционные моменты будущего произведения: распределение света и тени, расположение фигур (см. эскиз одной из самых известных работ Анри Матисса — «Танец»). Эскиз может быть как обобщенным, так и учитывать все до мельчайших подробностей. Каждый художник подходит к его созданию по-своему. Леонардо обычно разрабатывал несколько эскизов, а потом выбирал лучший. Рафаэль, наоборот, усердно совершенствовал один и тот же вариант.

Этюд (или штудия) связан с изучением натуры. Если немного утрировать, суть этюда в наблюдении и поиске. Большой мастер этюдов Антуан Ватто накапливал подобные наблюдения в альбомах, не преследуя в момент их написания специальных целей, а впоследствии (когда «приходило время») возвращался к ним — и воплощал в полноценные произведения. 

 


© «Портрет молодой девушки», Винсент Ван Гог, 1888 год — ГМИИ им. А.С. Пушкина

«Рисунок, рисунок, мой друг, и еще тысячу раз рисунок»

«Рисунок, рисунок, мой друг, и еще тысячу раз рисунок» — такие слова французский художник Давид постоянно твердил своим ученикам. У рисунка действительно есть неисчерпаемые стилистические и тематические возможности, которые позволяют художнику воплотить в жизнь самые сложные и глубокие переживания. В то же время рисунок уникален и тем, что является незаменимым «вспомогательным средством» живописца (и скульптора), позволяющим увидеть проект задуманного произведения на начальном этапе работы — ни одна другая художественная техника не может отозваться на творческий порыв так быстро. 

На каждом этапе своего развития рисунок обладал особенностями, позволявшими тысячам художников по всему свету решать свои творческие задачи. Он всегда был востребован. В XV–XVI веках это выразилось в массовом интересе к четким границам и деталям; в XVII–XVIII столетиях акцент художников сместился в сторону пространства, света и воздуха; в XIX–XX веках рисунок стал полем для экспериментов. Происходило бесконечное смешение стилей и техник, а его результатом стала подлинная революция в мире живописи, в авангарде которой шли Анри Матисс, Казимир Малевич, Пабло Пикассо, Марк Шагал и другие великие мастера XX века.

Для справки

23 марта 2020 года в эфире телеканала «Россия-Культура» открылась выставка «От Дюрера до Матисса. Избранные рисунки из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина».

В таком формате экспозиция открылась впервые в истории музея. Генеральным спонсором проекта выступил банк ВТБ.

Трансляцию виртуального вернисажа и все серии проекта «Открытый музей» можно найти по ссылке.

Благодарим вас за участие в улучшении нашего контента!

Актуальный рисунок

19 марта 2014—12 мая 2014

Главная цель выставки - показать специфику функционирования рисунка в современном российском искусстве. Основной акцент сделан на произведениях 1990 - 2000-х годов, однако включен и более ранний материал, связанный, большей частью, с концептуализмом. Экспозиция демонстрирует различные способы актуализации рисунка и рисовальной техники.

В настоящее время рисунок больше не привязан намертво к карандашу и бумаге и всячески отклоняется от нормы: завоевывает новые территории, испытывает нетрадиционные материалы, влезает в чужие проблемы, меняет среду обитания. Он выходит за узкие рамки своего вида и, подобно таким новым медиа, как фотография или видео, становится одним из универсальных художественных языков.

Выставка представляет следующие разновидности актуального рисунка:

  • Традиционное рисование, примененное к новым формам, средствам и обстоятельствам: увеличение до масштабов картины; введение в состав инсталляции; манипулирование приемами академических штудий и др.
  • Концептуальный рисунок, включающий работы периода функционирования направления (Инспекция «Медицинская герменевтика», Д.Пригов, Н.Алексеев).
  • Постконцептуальный рисунок как реакция на отраженную и опосредованную экранную реальность (И.Разумов, Ю.Застава, М.Ша). Экспансия рисунка на территорию фотографии и активное взаимодействие с ней (М.Ксута, Е.Гор, Г.Майофис, В.Мамышев-Монро).
  • «Другой» рисунок, где карандаш и перо заменены сварочным аппаратом, лазером, иглой, травлением, линия - металлическим прутом, проволокой, нитками и веревками, а бумажный лист - стеной или реальным пространством (Д.Гутов, Т.Ахметгалиева, М.Арендт).
  • Рисование, адаптирующее традиции комикса (Ю.Александров, Г.Литичевский).
  • Новый «социальный» рисунок - репортажи с митингов и судебных процессов, граффити (В.Ломаско, В.Сальников, Паша 183).
  • Рисунок на «чужих» поверхностях (человеческое тело) («Танатос Банионис», Программа «ESCAPE», В.Айзенберг).
  • Рисунок, видео, компьютер: формы взаимодействия» (Д.Тер-Оганян, В.Пушницкий).

Рисуем вместе любимые уголки музея

18 мая, в Международный день музеев, в Ярославском музее-заповеднике  прошла акция «Рисуем вместе». Этот масштабный творческий проект проходит в музейных стенах  уже в четвёртый раз, и успел полюбиться самодеятельным и профессиональным художникам. С энтузиазмом откликнулись на идею музейного пленэра члены Ярославского отделения Союза художников России, студенты Ярославского художественного училища, учащиеся детских школ искусств и изостудий. В этом году музей-заповедник каждому участнику преподнес подарок – возможность бесплатно подняться на смотровую площадку на звоннице. И, конечно, художники не преминули этим воспользоваться: вид на Ярославль с высоты птичьего полёта  - один из самых впечатляющих.

В этом году тема художественной акции – свободная. Художникам предложено выбрать любимый уголок музей, и запечатлеть его на листе или холсте. Уже к 11 часам пополудни число участников акции «Рисуем вместе» перевалило за сотню. Кто-то пришел впервые, а кто-то уже «по натоптанной» год назад дорожке, так как участвовал в пленэрах прежних лет. Как, например, Светлана Юрьевна Кондрашова, которая занимается в изостудии при клубе «Золотой возраст». Была на этом мероприятии год назад, очень понравилось, и вот решила вновь попробовать свои силы в творчестве. А изостудия Центрального Дома пионеров пришла на пленэр чуть ли не в полном составе – 28 человек! Катя Меньшикова, одна из студийцев, выбрала для своей работы Спасо-Преображенский собор. Девочка занимается рисованием уже не первый год, и опыт уже чувствуется в ее работе. Уверенно держат кисти в руках и две подружки из ярославской школы № 70 Милена и Мария. В музей они пришли с подачи школьного преподавателя по рисованию, и не жалеют об этом. На листах у обеих – фрагмент живописного краснокирпичного келейного корпуса, но юные художницы признались, что не срисовывают друг у друга, просто им обеим нравится одно и то же.

Неподалеку от веселых подружек основательно, с бутербродами, расположилось семейство Матросовых; художников трое, и все - мал мала меньше. Только старшая из детей с красивым именем Арианна занимается в детской школе искусств уже третий год. Маленькая Ярослава всем архитектурным красотам предпочла портрет в стиле «точка, точка, запятая…», а брат Родимир выступает нынче в роли арт-критика. Причудливые имена детворе выбрала мама, а вот на плэнер в роли старшего делегирован папа Леонид. По его словам, он осуществляет общее руководство, и никоим образом не вмешивается в творческий процесс детей.

Ежегодно акция «Рисуем вместе» объединяет десятки профессиональных и самодеятельных художников самых разных возрастов. По итогам пленэра, как и в прошлые годы, будут организованы выставки. Одна – виртуальная, на сайте музея, и участниками этой выставки станут работы всех участников. А самые лучшие работы, отобранные жюри, будут представлены на «реальной» выставке на территории музея, развернутой в музейных аллеях. С работами этой итоговой выставки в течение года познакомятся тысячи гостей музея.

Как нарисовать театр карандашом поэтапно для начинающих на примерах кукольного и оперного театра

Если вы новичок и задумывались, как нарисовать театр, - вы нашли то, что искали. Из этой статьи вы узнаете, как нарисовать театр карандашом поэтапно для начинающих.

Искусство безгранично. Кисть или простой карандаш позволяет создавать вещи, которые остаются на века и которыми восхищаются, вдохновляются разные поколения. И каждый из нас хочет оставить свой след в истории, поэтому рисунки карандашом, или так называемые скетчи, набирают популярность. Рисунок - это искусство, порождающее другое искусство.

Первый урок: необходимые материалы

Этот урок отличается от обычного урока рисования карандашом. Попытаемся научиться при помощи карандаша представить искусство на бумаге. Вернее, будем учиться рисовать поэтапно карандашом. И это не просто попытка изобразить персонажей, а отобразить на бумаге великолепие театра.

Сегодня более подробно рассмотрим, как нарисовать театр карандашом, на примере кукольного и оперного театров.

Для первого урока понадобится:

  • Лист бумаги А4.
  • Простой карандаш (с твердым и мягким грифелем).
  • Ластик.

Кукольный театр. Как нарисовать театр карандашом поэтапно для начинающих

Исторически кукольные театры проходили в разных городах в балагане во время народных празднований и гуляний. Цель театра - развлекать, смешить публику, распевать веселые куплеты. Состоял он из ширмы и рамы, главный персонаж открывал представление, ему помогал шарманщик.

Самые популярные кукольные герои различались у разных народов. В России – Петрушка, Серый Волк, Колобок, Курочка Ряба. Из более современных - Буратино, Мальвина. В Англии – Панч, в Германии – Касперле, во Франции – Полишинель (единственный из кукол, кто был в маске).

Как нарисовать кукольный театр?

  1. Начинаем рисовать с шатра театра. Для этого рисуем прямоугольник и делим его на четыре части.
  2. Далее прорисовываем занавес по бокам. Сверху также рисуем занавеси.
  3. Внизу прочерчиваем дощатый пол (сцена).
  4. Прорисовываем складки на занавесях. Для этого рисуем пять вертикальных линий с обеих сторон.
  5. Поставьте точку в середине сверху прямоугольника и от нее протяните две выгнутые линии, похожие на букву л. Над ними нарисуйте еще несколько (складки ткани). Важно соблюдать симметричность.
  6. Далее рисуем две театральные маски наверху занавеса: сначала делаем контуры лиц, затем дополняем чертами лица (веселое и грустное).
  7. Внизу рисуем низ рамы.
  8. Рисуем кукол, которые выглядывают из-за рамы.

Можно нарисовать Петрушку на пальце, как одного из главных персонажей кукольного театра.

Как нарисовать оперный театр карандашом

Очень часто театр оперы и балета становится главной достопримечательностью, а иногда даже символом страны или города. Самый известный – австралийский оперный театр в Сиднее. Популярен не только своей деятельностью, но также и своим внешним обликом, который узнает каждый второй житель планеты. Театр состоит из секций, напоминающих по виду паруса или ракушки. Театр, от которого захватывает дух.

Чтобы нарисовать театр карандашом поэтапно, начинающим необходимо проделать следующие действия:

  1. Для начала внимательно прорисуем основание театра.
  2. Далее начинаем постепенно прорисовывать каждую секцию и крышу театра. Линии сначала делаем тонкими, чтобы иметь возможность подкорректировать неточности. Поэтому сначала лучше использовать карандаш с мягким грифелем.
  3. После того как основной каркас здания будет готов, прорисовываем контур еще раз, делая его более толстым и четким.

При прорисовке секторов важно ориентироваться на фото самого театра.

Оперный театр в Сиднее - отличный старт для начинающего художника. Его форма и дизайн не только привлекает восторженную публику, но и позволяет художнику использовать весь полет фантазии.

Мы постарались доступно рассказать, как нарисовать театр карандашом поэтапно для начинающих. А теперь берем карандаш и приступаем к своему первому шедевру.

Derwent UK - Как найти музей карандашей

Нажмите, чтобы просмотреть наше Заявление о доступности Поиск
  • 0
Меню