Картинки сердца человека карандашом: Как нарисовать человеческое сердце поэтапно, с помощью фото-схем?


18.07.1980 Facebook Twitter LinkedIn Google+ Карандашом


Содержание

Картинки сердце человека (45 фото)

Сердце осуществляет бесперебойную подачу крови к частям тела человека на протяжении всей жизни. Оно представляет собой орган из множества мышц, сокращающихся с определенными циклами. Хорошую работу сердца обеспечивают полноценный сон, правильное питание, занятия спортом, избегание стрессов. Отчетливо услышать закрытие клапанов можно, приложив стетоскоп к груди. Предлагаем тут посмотреть прикольные картинки про сердце человека.

Верхняя полая вена, аорта, левый желудочек.

Орган качающий кровь.

Строение сердца человека в разрезе.

Сложное внутреннее устройство.

Сгусток сильных мышц.

Клапан легочной артерии.

Картинка сердца человека.

Две половинки органа.

Мотор человеческого тела.

Вены облегают сердце человека.

Кровь идет из организма.

Рисунок органа карандашом.

Многочисленные ответвления от человеческого сердца.

Аорты помечены синим цветом.

Макет органа в руке человека.

Прикольная картинка сердца человека.

Орган в грудной клетке.

Аорты, вены, желудочки.

Сердце перегоняет тонны крови.

Мышцы с близкого расстояния.

Расположение сердца в человеке.

Орган надежно защищен.

Крупные отверстия в сердце.

Классная модель на компьютере.

Объемная иллюстрация органа.

Сердце взрослого человека.

Орган в мельчайших деталях.

Блестящая поверхность у сердца.

Один из основных органов человека.

Сердце отражается внизу.

Вены подходят к мышцам.

Красное человеческое сердце.

Сложное устройство органа.

Разноцветный орган.

Здоровое сердце человека.

Переплетение вен с артериями.

Сердце зависло над ладонью.

Множество каналов для крови.

Надпись на английском языке.

Сердце человека для изучения.

Краткие обозначения частей органа.

Орган в центре тела.

Крупные голубые аорты.

Сердце человека неустанно трудится.

Верхняя полая вена.

Понравился пост? Оцените его:

Рейтинг: 5,00/5 (голосов: 1)

Поделитесь с друзьями!

СЕРДЦЕ рисунок карандашом описание, фото, примеры 12:33 2022

Сердце рисунок карандашом.

Сердце — важный орган человека, он особенный и неповторимый, благодаря его работе, человек рождается и при его остановке человек умирает. Именно сердце может отображать и давать человеку чувтсва и эмоции.

Сердце может приминяться во многих науках, которые преподают в школе и даже дошкольном возрасте о данном органе человека знают дети и могут его описать и даже нарисовать на листе бумаги.

Именно в этом отзыве можно провести мастер класс по рисованию сердец, как его могут воспринимать дети с раннего возраста, до взрослого, а также поговорим, как видят на профессиональном художественном уровне сердце сами мастера искусств и как они его изображают в своих картинах.

Для того чтобы нарисовать сердце необходимо взять листок бумаги, самое главное, чтбы лист был чистым и было место для зарисовки.

Второе иметь при себе карандаш и еще что стоит прихватить дополниетльно, так это ластик, так как у маленьких детей с первого раза может не получится нарисовать сердце, так как им хотелось бы его изобразить и показать.

Итак рисовать сердце нужно самым простым способом, кто просто хочет научиться его рисовать.

В руку, которой ребенок уверенно держит ложку нужно взять карандаш и сначала вместе с рукой ребенка провести небольшой полукругсверху листа, затем его нужно сузить к низу и продлить, а потом взять вторую сторону и нарисовать точно также. Как вариант можно использовать схему, если ребенок чуть постарше и сам в состоянии держать карандашь и рисовать рисунки, но при этом можно ребнеку в руку дать еще илинейку. Для начала рисования сердца необходимо провести по центру листа горизонтальную и вертикальную полосы. Потом поверх одной из полос нарисовать полуовал, затем нарисовать полуовал с другой стороны. Затем от нижней точки полуовала продлить полоску вниз и так, чтобы она могла сойтись с полосой вертикальной внизу рисунка, затем повторить данный вариант со второй стороной.

Вот и получилось простое сердце. Важно отметить, что данное сердце не просто получается, а еще и выглядит ровно и аккуратно, оставшиеся полосы можно стереть обычным ластиком. Существует еще один давольно интересный и простой способ нарисовать сердце ровно и аккуратно, его тожно можно применить, причем сделать можно даже с мальнькими детьми в детском саду.

Необходимо для второго способа взять еще линейку с кругами , которую можно обводить по контуру рисунка.

Необходимо взять в руку линейку с кругом в центре, приложить ее на край листа и ребенку нужно обести круг, затем немного отступив нарисовать еще один круг, так чтобы два круга находились один в другом, затем этой эе линейкой нужно отчетрить по середине круга горизолтальну. полоску и вертикальную только уже от верхней зоны соприкосновения будущего сердца, до низа. Затем нужно соединить горизонтальную полосу с вертикальной , проведя полосу линейкой, получается триуголиник перевернутый. По этому контуру обводится зиз сердца и оно получается ровным и аккуратным.


Конечно чтобы ребенку нарисовать таким способом сердце, нужно следовать инструкции преподавателя, но для деток, кто ходит в изобразительную и художественную школу не будет сильного труда представлять и повторять за преподавателем.

Не обязательно рисовать сердце в ровных пропорциях, так как оно бывает не ровным во многих изобразительных рисунках и представления для детей. Данный вид сердца стремятся научиться нарисовать как девочки, так и мальчики. Во многих садиках за основу рисунка всегда берут рисунок сердца, так как оно у каждого взрослого человека олицетворяет любовь, преданность, верность, счастье и успех. Именно поэтому каждому родителю на праздник будет приятно получить от ребенка подарок в виде рисунка карандашом обычного сердца.

В более старшем возрасте многие детки рисуют это изображение в виде сердца с красивыми глазками, носиком ротиком, кто то изображает сердце с крылышками, а бывают инетерсные рисунки в виде сердечек с ножками и ручками, сердце забавного сказчного героя.

Уверенна, что у каждого взролого человека свое видение и ассоциации с понятием сердца и его изображением.

Чем старше человек становится и чем больше у него возникает желание рисовать и рисовать на профессиональном уровне, он может изучать строение сердца и пытаться его изобразить так как оно в реальности имеется у каждого человека, передавая все его клапана, изгибы, сосуды и прочие детали, которые дают представление, что это человеческий и самый чувствительный орган сердце.

Как же его правильно нарисовать. Сложные рисунки с изгибами нарисовать очень непросто и у каждого художника или человека, который любит рисовать сложные вещи реального мира, есть свои методики и технологии нарисовок карандашом сердца.

Почему именно во внимание берется карандаш, да все потому что даже обычный художник может допускать ошибки при зарисовки сердца, так как сначала ему может показаться, что оно выглядит так, по его образу, а потом нарисовав картину понимает, что все же сердце выглядит по другому и чтобы не перересовывать картину заного, он стерает ту часть рисунка, которое изображено неправильно и не по стандарту.

В разные эпохи и времена, разные художники и простые люди рисовали сердца, так как им оно виделось и казалось. Это красивый орган человека, который передает вс свои чувтсва, эмоции, ощущения и любовь к другому человека. ЧТОбы привить любовь у ребенка к родителям, искусству, науке, живому миру и в целом окружающей среды, его нужно научить рисовать сердце и рассказать для чего оно нужно человеку и как оно работает.

Именно обычный рисунок вызовет фурор и интерес к данному предмету, который есть у каждого живого существа. Только дети сердце могут изображать разными зверушками с личиком, глазками, подростки могут изображать сердца расколотые на двое, особенно это касается неразделенной любви или наоборот две одинокие половинки, которые нашли друг друга. А уже взрослый человек художник может изобразить сердце, как человеческий орган со всеми его изгибами, в движении и внутреней работе всех органов человека.

В интернете можно найти много способов, как можно научиться рисовать сердце от самого простого видения, до профессонального уровня, так как есть интерет и видео ролики, а также наглядные картинки, которые передают правильность восприятия человеком сердца и как он хочет и желает его изобразить.

В психологии есть такое тестирование, как изображение, того, что человек видит, многи люди в своих рисунках, особенно дети видят именно такой предмет и образ, как сердце, во первых его просто изобразить, а во вторых он передает свое настроение и свои эмоции в этом рисунке, по которому психолог может рассказть о том, что на сегодняшний момент ощущает, переживает или чем живет данный человек.

Если Вам скучно и Вы не знаете, чем завлечь себя и своего ребенка научитесь с ним рисовать, а первое и самое задушевное, станет для Вас выбором это обычное сердце, которое просто рисуется и имеет огромное значение для каждого. Рисуйте и рассказывайте о его предназначении детям, тогда и жить ребенку будет интересно и он другим детям сможет рассказать, что рисовал карандашом сердце с мамой или папой.

Нужно беречь себя и своих детей. Много с ними разговаривать и рисовать те предметы, которые дают жизнь и за счет чего живет и функционирует в мире.


Видео обзор

Все(1)

Художник: Шри Лакшми Б

Следуйте за ней в Insta @ Srila_01

Не забудьте поделиться своими отзывами ниже. Кроме того, подпишитесь на художницу в Instagram и посмотрите на ее потрясающие работы. Вы даже можете попросить ее нарисовать что-нибудь для вас. И мы серьезно, она может нарисовать что угодно.

Art Dubai 2022: Лучшее от художников

15-е -е издание Art Dubai (11–13 марта 2022 г.) включает более 100 галерей из 40 стран. Журнал Ocula Magazine сообщает с мест, чтобы рассказать вам об основных событиях этого года в секторах Contemporary, Modern и Digital.

Лубна Чоудхари, Непослушные типологии 2 (2022). Керамические многообъектные скульптуры. 25 х 110 х 110 см. Вид на выставку: Art Dubai (11–13 марта 2022 г.). Предоставлено Джавери Современник.

Лубна Чоудхари в Jhaveri Contemporary

Непослушные типологии 2 (2022) — новая работа Любны Чоудхари, состоящая из 36 неглазурованных архитектурных макетов из черной керамики, каждый размером примерно с ладонь.

Минималистские формы и декоративные формы сходятся в этих микроархитектурах, с поверхностями, определяемыми повторяющейся геометрией — одни круглыми, другие угловатыми — а также ротанговыми завитушками и элементами средневековых укреплений.

Эти формы напоминают деревянные скульптуры ( Erratics 1, 2 и 3 , 2021), которые Чоудхари продемонстрировала совместно с PEER в 2021 году. Викторианский и эдвардианский домашний дизайн индийских мастеров.

Расположенный на плоском столе, этот абстрактный городской пейзаж ускользает от захвата, сохраняя при этом место для всевозможных проекций; эффект, который соответствует керамическим абстракциям Чоудхари, как и в Shifting Structures (2021), белой итерации этой настоящей работы.

Радхика Химджи, Документы (2019–2021). Масло и нитки на фотопереносе на бумагу. Вид выставки: Art Dubai 2022 (11–13 марта 2022 г.). Предоставлено художником и экспериментатором, Калькутта.

Радхика Химджи в экспериментаторе

Среди художников, участвующих в первом национальном павильоне Омана на Венецианской биеннале в 2022 году, есть Радхика Химджи, чьи работы основаны на процессе многослойного нанесения маркировки.

На выставке Art Dubai 16 работ на фотобумаге расположены рядами четыре на четыре поверх серого треугольника, нарисованного на стене ( Paperworks , 2019–2020). Каждый образ объединяет тона пустыни; жженая сиена, охра и сажа, с тонкими нитевидными линиями, создающими формы над разводами, каплями и чернильноподобными масляными полями.

Среди них то, что кажется абстрактной головой, представлено в виде длинного продолговатого тела, разделенного плоскостями черного, серого и красного цветов, на вершине низкого песчаного треугольника; черный круг, сделанный из швов, лежит на его щеке, в то время как больше швов выравнивают лицо.

Три работы на березовой фанере рядом повторяют эти резьбовые метки точками краски. В Позвольте мне увидеть самому (2021), центральная черная масса поднимается из местности, как монаднок, определяемый ритмичными перекрывающимися линиями и точками, как круг оранжевых вспышек вверху, как фейерверк.

Модупеола Фадугба, Цветочный фокус (2022). Акрил, графит, металлическая фольга на обожженном холсте. Диаметр 114,3 см. © Модупеола Фадугба. Courtesy Галерея 1957.

Modupeola Fadugba в галерее 1957

Тела синхронисток, выполненные акрилом, графитом и металлическим листом на обожженном холсте, существуют как рельефные формы на черном фоне.

Ряд молодых женщин сидят на мраморном полу землистых тонов спиной к зрителям в цветочном фокусе (2022), широкая круглая пустота их черных купальников с вырезом на спине образует свободный узор по всему кадру.

Синхронные пловцы являются предметом двух серий этого нигерийского художника-самоучки: «Меченый» (2015–2017 гг.) И «Синхронистские пловцы» (с 2016 г. по настоящее время).

В обеих сериях синхронное плавание становится шифром, через который проходят идеи борьбы, соперничества и солидарности — все они основаны на опыте художницы в навигации по миру искусства и принятом ею решении «нырнуть».

Диляра Каипова, Микки (2021). Шерсть, хлопок. Издание 14 + 1 АП. Предоставлено галереей Аспан.

Диляра Каипова в Aspan Gallery

Узбекская художница Диляра Каипова для изучения традиционной практики крашения и ткачества абрабанди работала с мастерами в Маргилане, центре ткацкой промышленности Узбекистана.

Проведя там месяцы, она освоила технику окрашивания, известную как икат, при которой вертикальные нити завязываются и окрашиваются, а затем переплетаются с горизонтальными нитями.

Бывший театральный дизайнер и кукольник был заинтересован в создании ткани адраса ручной работы, формы иката, сотканной из шелка и хлопка, с символами, заимствованными из популярной мировой культуры, заменяющими традиционные узоры, которые чаще ассоциируются с предметами одежды, такими как чапан , платье родом из Средней Азии.

Из этих тканей Кайпова создает изделия с узорами, выполненными в соответствии с многовековой традицией, но с такими фигурами, как Бэтмен, Дарт Вейдер, инопланетянин Стоунер и, в случае с розовым шерстяным пальто, переплетенным с черным узором в Art Dubai ( Mickey , 2021) — Микки Маус.

Марьям Хосейни, Тревожно Один на Один (2022). Акрил, тушь и карандаш на деревянной доске. 101,6 х 76,2 см. Предоставлено художником и галереей Green Art, Дубай. Фото: Анна Штраус.

Марьям Хосейни в Green Art Gallery

В телесных драмах Марьям Хосейни происходит многое, определяемое фигурами, нарисованными как плоские куклы внутри абстрактных архитектур, подчеркнутых тонкой карандашной работой, даже если никогда не проясняется, что именно происходит.

Конечно, есть подсказки; как и в случае с бокалами для вина, которые разбросаны по комнатам на двух картинах 2022 года, выставленных в Art Dubai: «Тревожно один на один» и «Окно» .

В первом случае три тела триангулируют в комнате, где градуированные цвета розовато-лилового и полуночного перемежаются зелеными, похожими на тростник, прядями на панелях пола и белыми линиями, расплывающимися из вертикальных щелей на стене.

Фигура стоит над двумя коленопреклоненными женщинами, ее лодыжка привязана к проекции сцены на стене черной нитью, где ее голова отрезана окном, выходящим в звездную ночь. Вторая нить соединяет одну коленопреклоненную фигуру с ее меньшим аватаром на переднем плане, словно визуализируя диссоциацию, наступающую в состоянии опьянения.

Джеймс Клар, Полупогруженный (2022). Светодиоды, фильтры, алюминий, 3D-печатные детали. 70 х 180 см. Предоставлено Сильверленсом.

Джеймс Клар из Silverlens

Два экрана горизонтального формата расположены вдоль входного коридора в Art Dubai, каждый из которых работает с генеративной программой, которая имитирует процессы влажности, при которых туман приводит к дождю, который проявляется в виде капель на экране.

Камеры, прикрепленные к этим экранам, фиксируют проходящих мимо людей, тем самым делая их отражения частью композиции, в которой фигуры абстрагируются в разной степени в зависимости от условий окружающей среды их основного кадра.

Работа Клара по заказу Джулиуса Бэра была вдохновлена ​​процессом засева облаков, технологией, используемой в ОАЭ. наполнить подходящие облака природными солями или гигроскопическими агентами для увеличения количества осадков.

В настенных работах Clar используются алюминиевые рейки L.Э.Д. источники света и фильтры для создания геометрических диаграмм света и линий на стене; Half Submerged (2021), например, изображает плавающий в воде айсберг.

Вардха Шаббир, Как ухаживать за садом (2022). Гуашь на бескислотной бумаге. 101,6 х 78,74 см. Предоставлено галереей холстов.

Вардха Шаббир в Canvas Gallery

Обученный процессу рендеринга, известному как pardakht , который сочетает в себе мелкие точки, некоторые из которых имеют диакритический знак nuqta, для формирования изображения, новые работы Вардхи Шаббир в Art Dubai отдают дань уважения наследию миниатюрной живописи, намечая пути ее развития. будущее.

Подробные изображения роскошных садов и растений заключены в четких геометрических формах — стиль, который Шаббир называет «органической геометрией» — одни в рамках, другие на ярком фоне.

В The Grass Is Breathing (2022) форма комнаты при взгляде сверху обрамлена темно-зеленой рамкой, стены и полы заполнены электризующей плотностью богато окрашенной флоры и листвы, за исключением единственной желтой задней части. стена.

Номинант на премию Джамиля 2018 года сказала, что ее работа основана на исследовании путей — будь то дороги, по которым она шла, или мыслительные процессы, которым она следовала.Работы в Art Dubai визуализируют эти каналы, например, How To Curate A Garden (2022), в котором угловатые панели листвы змеятся по желтой земле.

Вид на выставку: Биби Зогбе, Художественная галерея Agial, Art Dubai 2022 (11–13 марта 2022 г.). Предоставлено Арт Дубай.

Биби Зогбе в художественной галерее Agial

Хотя ливанская художница Биби Зогбе родилась в 1890 году в Сахель-Альме, прибрежном городе к западу от Бейрута, именно в Аргентине, куда она иммигрировала в возрасте 16 лет, эта космополитическая путешественница сделала себе имя «Ла Пинтора де Флорес». .

В Art Dubai об этой репутации свидетельствует серия картин, на которых изображены цветы, которые говорят о динамическом модернистском стремлении передать жизненную силу природных форм. На одном безымянном холсте 1945 года уверенный шквал оранжевых тигровых лилий возвышается над завитком зеленых листьев, их текстура подчеркивается весом кисти.

Зогбе учился у болгарского художника Клина Димитрофа, первая персональная выставка Зогбе в 1934 году в галерее Witcomb в Аргентине была открыта президентом Аргентинской Республики генералом Агустином П.Хусто.

Выставки в Париже и Чили последовали на протяжении 1930-х годов, во второй половине которых она делила свое время между Дакаром и Парижем, где, как известно, она посетила польскую художницу Тамару де Лемпицку, чьи портреты Биби включают Il Fondo Rosa (1923).

Вид выставки: Ареф Эль Райесс, Галерея Сфейр-Семлер, Art Dubai Modern 2022 (11–13 марта 2022 г.). Предоставлено поместьем художника и галереей Sfeir-Semler, Бейрут/Гамбург.

Ареф Эль Райесс в галерее Sfeir-Semler

В рамках обширной обзорной выставки, охватывающей пять десятилетий работы в Художественном музее Шарджи, организованной Художественным фондом Шарджи, Сфейр-Семлер представляет коллекцию безымянных абстрактных картин 1960-х годов ливанского художника-самоучки Арефа Эль Райеса.

Капли краски, похожие на амебы, перекрываются и пересекаются на каждой панели, создавая мягкие градации тонов; будь то золотые, оранжевые и персиковые оттенки в одном или синий и зеленый в другом, через которые проступает автопортрет.

Как и многие его коллеги из 20 -го -го века, Эль Райесс был космополитом, проводя время между Сенегалом и Парижем между 1948 и 1957 годами, а также путешествуя по Европе и Соединенным Штатам, где он работал в студии Андре Лоте, Фернан Леже, Марсель Марсо и Осип Цадкин перед возвращением в Ливан в 1957 году.

Практика Эль-Райеса столь же странствующая, как и весь его жизненный путь. Его обзор в Шардже охватывает стили и жанры: от заряженных революционных картин и гравюр 1960-х годов и коллажей, посвященных арабской геополитике 1970–1990-х годов, до исследований цвета 1980-х годов, основанных на почти -абстрактные пейзажи.

Алиреза Асади Зендехьян, Горячая ванна (2022). NFT на цифровой платформе NFTation. Предоставлено галереей Дастан.

Алиреза Асади Зендеджан в Dastan x NFTation

Большое спасибо Art Dubai за создание цифрового раздела, который стремится контекстуализировать новые тенденции в жанре, помимо фетишизации NFT, и Дастану за то, что он принял вызов.

В партнерстве с NFTation галерея курировала работы двух художников: Алирезы Асади Зендехьян и Юши Башир, чьи картины с перекрывающимися архитектурными пространствами, элементами и репрезентациями также представлены на стенде галереи в главном секторе.

Две цифровые анимации Алирезы Асади Зендехджан созданы для классического игрового автомата. На главном экране машины находится психоделическая горячая ванна (2022), представленная в сетке кислотного цвета с градуированным трехмерным затенением и плоскими двухмерными искажениями, состоящая из двух фигур в выложенной плиткой комнате, сгрудившихся над ванной с водой, с одной лицо вывернуто наизнанку.

На панели управления показана другая работа, WAK WAK (2021), названная в честь дерева, чьи розовые листья выравнивают вершину пейзажа, а синие ветви и стволы переплетаются с телом змеи, готовой съесть плавающие человеческие фигуры.

Вид с выставки: Грейсли Лоуренс, Галерея Postmasters, Art Dubai 2022 (11–13 марта 2022 г.). Предоставлено почтмейстерской галереей.

Грейсли Лоуренс в галерее Postmasters

Новый цифровой раздел

Art Dubai посвящен не только НФТ, о чем свидетельствуют кинетические 3D-печатные скульптуры Грейсли Лоуренс, которые переносят концепцию натюрморта в 21 st век.

На низком желтом постаменте представлена ​​подборка из пяти гравюр; каждый из них представляет собой перламутровую визуализацию гибридного фрукта или овоща в резких светящихся цветах, сидящих на мясистом, похожем на мозг постаменте с вращающейся вершиной.

В наборе «Клубника: растоптанная или в твоих руках» (поворот) (2022) есть фиолетовая клубника в разрезе, а в наборе (2022) — пара фиолетовых личи, а в наборе (2022) — Cherry Blueberry: When Language Fails (поворот) — возможно, отражение время, которое художник провел в Азии в качестве приглашенного профессора Чиангмайского университета с 2016 по 2017 год.

Совсем недавно Лоуренс была приглашенным доцентом скульптуры в Университете Олбани, SUNY, в Соединенных Штатах, где она получила степень магистра искусств в области скульптуры и расширенных медиа в Техасском университете в Остине в 2016 году.

Лоуренс Лек, The Treehouse (Карта) (2022). Кадры CGI, квадратный формат, формат JPEG. Разрешение 4096 x 4096 пикселей. Предоставлено SO-FAR x AORA.

Лоуренс Лек из SO-FAR x AORA

Последний проект Лоуренса Лека, Долина Непенте , будет состоять из трех глав, первая из которых, Источник , будет представлена ​​в Art Dubai в партнерстве между SO-FAR и AORA, которая затем будет показана в виртуальная галерея ГОРИЗОНЫ.

В основе проекта, курируемого Дженн Эллис, лежат концепции и практики медитативного исцеления. Название Долина Непенте происходит от названия лекарства для памяти, взятого из греческой мифологии.

Таким образом, 3D-модели в стенде опираются на архитектуру древних храмов и переводятся в NFT, которые показывают цифровые визуализации современных руин и суровых ландшафтов.

В жесте, который связывает Дубай с Сингапуром, которые в последние годы стали центрами криптовалюты, проект Лека завершится своей последней главой, The Point , во время Сингапурской недели искусства в 2023 году. —[О]

Требуется сообщество: Беседа с модельером Натали Чанин

Принести большую моду в свой маленький городок

Интервью Полетт Бит


Натали Шанин, основатель и креативный директор Alabama Chanin. Фото Петера Штанглмайра

– Подробнее см. на: http://arts. gov/NEARTS/2014v2-story-our-culture-arists-place-community/natalie-chanin#sthash.AXeYIcMW.dpuf

Натали Шанин, основатель и креативный директор Alabama Chanin.Фото Петера Штранглмайра

Alabama Chanin , модный бренд, возглавляемый дизайнером Натали Шанин, расположен в просторном здании бывшей текстильной фабрики, которая включает в себя не только студию дизайна и производства, но и пространство для проведения мероприятий и общественное кафе. Но самый уникальный аспект штаб-квартиры компании заключен в ее названии: компания базируется не в одной из известных мекок моды, а во Флоренции, штат Алабама, городе с населением около 40 000 человек.Натали Шанин выросла во Флоренции, но после колледжа отправилась в Нью-Йорк, где сделала себе имя как дизайнер и стилист. Выросшая с глубоким уважением и страстью к традициям ручного шитья своего сообщества, Шанин в конце концов вернулась домой, в идеальное место, чтобы переосмыслить свою компанию как бренд, основанный как на сообществе, так и на традициях. Алабама Чанин работает с местными швеями и портными, нанятыми независимо друг от друга, помогая оживить неустойчивую текстильную промышленность в этом районе.Здесь, по ее собственным словам, Шанин описывает щедрость, которая пронизывает компанию, и почему, в конечном счете, нет места лучше дома.

История происхождения алабамского ханина

У меня есть степень в области экологического дизайна Университета штата Северная Каролина. Я закончил учебу в 1987 году, и в то время термин «дизайн окружающей среды» в буквальном смысле слова больше напоминал обучение в Баухаусе. Итак, был графический дизайн, дизайн продукта, ландшафт, архитектура и текстиль, и моя степень связана с дизайном окружающей среды с акцентом на текстиль.Когда я закончила учебу, я начала работать в Нью-Йорке на Седьмой авеню [квартал моды]. Позже я перешла на другую сторону фэшн-индустрии и стала стилистом. Это был творческий отпуск из моей жизни как стилиста, когда я начала шить вручную и задумала создание [документального фильма] Stitch и того, что в конечном итоге стало Alabama Chanin.

Первоначально все началось с компании под названием Project Alabama [которую я покинул, а затем] вновь открыл под названием Alabama Chanin. Проект «Алабама» был основан на технике ручного шитья, которая, я бы сказал, присуща сельским общинам.Я думаю, вы найдете по всему миру в небольших сообществах, где люди все еще занимаются ручной работой. Я жила в Нью-Йорке и хотела шить эти вещи, сшитые вручную, но не могла найти производителя для них, и так настал момент прозрения. Я понял, что все эти стеганые одеяла все еще были в моем сообществе, где я вырос, и что, если я собираюсь сшить их вручную и таким образом, как я хотел, мне нужно будет вернуться домой, чтобы мое сообщество. Честно говоря, в ту первую поездку сюда я действительно рассматривал это как арт-проект.Я хотел снять фильм и хотел сшить эти рубашки, и я действительно не предвидел всего, что из этого получится.

Я думаю, что много раз люди думали, что у меня есть очень четкое представление о том, куда все идет, и я думаю, что это было больше, что я просто попал в это. Я следовал своему сердцу, и оно переросло в этот бизнес, который существует и по сей день, несмотря на многие испытания и невзгоды. Я пришел домой, чтобы сшить эти рубашки, и мы продали их в первую же сессию в Barney’s и La Clara в Париже и во всех этих очень модных магазинах, что в некотором роде противоположно тому, как они были сделаны.

О бизнес-модели на основе сообщества

Мне много говорили: «Вы такой щедрый». Мы называем это открытым исходным кодом. Я взял этот термин из журнала Wired , на самом деле от Криса Андерсона. [Был] целый выпуск под названием «Открытый исходный код», и к нему прилагался компакт-диск с музыкой, которая представляла собой произведения с открытым исходным кодом, и люди могли делать с ними все, что хотели…. В то время мы работали в кирпичном ранчо с тремя спальнями на Каунти-роуд 200, в десяти милях от Флоренции, штат Алабама, и это было полной противоположностью сказочной индустрии моды.В то время мы работали с переработанными футболками, поэтому я провел много ночей в подвале этого старого дома, который построил мой дедушка… перебирая футболки Goodwill. Это антитеза гламуру или элитарности или любой из этих вещей…. Мы работали с этими подрядчиками, которые работали у себя дома, в основном с женщинами, поэтому эти ремесленники забирали у нас детали и доставляли их к себе на работу, на работу, в школу своих детей или куда им хотелось работать. на них и шили эти куски, а потом привозили и продавали нам.Потом мы их ассимилировали и продавали в магазины. Поскольку у нас было так много людей, работающих в самых разных местах, мне пришлось придумать руководство [для изготовления одежды]. Должен был быть своего рода код, чтобы все понимали, что мы делаем. Я сделал эту маленькую рукописную книгу ручной работы. Буквально я написал его карандашом на листе белой бумаги размером 8,5 на 11 дюймов, отнес его в местный копировальный магазин и сделал 52 копии, или сколько художников у нас было в то время.И каждый из ремесленников, которые начинали с нами, получил эту маленькую книжку под названием Наше руководство по шитью .

Однажды ночью мне позвонил агент и сказал: «Не хотите ли вы написать книгу по шитью?» И я подумал: «О, я уже написал одну», говоря о моей маленькой рукописной книжке. Но правда в том, что мне это показалось хорошей идеей, потому что люди в прессе говорили об элитарности и о том, что наши изделия такие дорогие. Я подумал: «Знаете что, я ничего не изобретал.Почему бы нам просто не открыть наши техники, и тогда люди смогут создавать их сами?» Вы знаете, многие люди в индустрии моды, мои друзья и коллеги, говорят: «Натали, это безумие. Ты не можешь это делать. Вы забиваете гвоздь в свой собственный гроб, потому что никто не будет покупать вашу одежду, как только вы научите их делать эти вещи». Должен сказать, что я немного нервничал, когда вышла первая книга, но случилось как раз обратное. Люди читали книги и начинали работать с техниками, и они говорили: «О, теперь я понимаю, почему эти произведения так дорого стоят.»

О щедрости и росте сообщества

Люди начали писать нам по электронной почте: «Мы не можем найти достаточно вторсырья. Можете ли вы просто продать свой органический хлопок?» У нас был небольшой интернет-магазин для подростков, и мы начали продавать рулоны хлопка или просто хлопок во дворе. Это было похоже на открытый разговор с этим большим сообществом, которое действительно создало эту часть нашего бизнеса. [Люди] говорят о моей щедрости, но это их щедрость в том, что они любят делать это и хотят использовать эти органические материалы…Мы продаем книги, мы продаем ткани, мы продаем наборы… Следующей весной у нас выходит еще одна книга. Есть целое гигантское сообщество, даже за пределами нашего сообщества, которое помогает сохранить это культурное искусство. Так что я не знаю, кто щедрее — мы или они? Люди, которые приходят на наши семинары, регистрируясь, помогают поддерживать более широкое сообщество. Потому что то, что мы делаем, очень дорого. Ремесленники берут больший процент от общего пакета, чем это обычно бывает в компании.Я думаю, людям иногда кажется, что вещи такие дорогие, поэтому мы, должно быть, зарабатываем состояние, но у нас здесь очень красивое, но скромное сообщество. Ни у кого в компании нет огромных денег, но у нас есть работа, которую мы любим делать, и мы кормим наши семьи, и у нас есть прекрасное рабочее место, куда мы приходим каждый день. И поэтому те люди, которые платят за то, чтобы прийти на наши семинары, помогают оплачивать всю картину. Мастер-классы тоже не дорогие.

Единственное, что я могу сказать, да, может быть, мы сделали первый шаг к щедрости в открытом исходном коде, но я думаю, что в то время так много людей делали это, эта мысль об открытии интерсети и всех этих трещинах открытым.Если вы думаете о степени прозрачности, которая произошла с 2000 года, это невероятно. Сегодня компании очень трудно скрыть торговлю людьми, нарушение прав человека или плохое экологическое управление. Есть еще люди, которые этим занимаются, но с каждым днем ​​мир становится все прозрачнее. Я чувствую, что мы приняли эти вещи очень рано. Это казалось правильным. И каждый раз, когда мы поступали правильно, это всегда было правильно для нас. Забавно, как это работает.

Я думаю, это так прекрасно иметь сообщество, наполненное такой щедростью духа. Мы говорили об этом сегодня на нашей деловой встрече, [как] один человек может иметь такое значение. У нас сейчас в штате 40 человек, и если у вас есть один плохой человек, это так меняет дух компании. Но если у вас есть один человек, который действительно хорош и так щедр в помощи, и он вселяет страсть в отдел, это меняет все на свете. Я действительно думаю, что это было непростое время для Америки или где-либо в мире.Экономика была плохой, многие люди теряют работу, идет борьба. И я думаю, что приверженность устойчивости и, прежде всего [то, что я называю] культурной устойчивостью, которая для меня означает сообщество, имеет значение, и каждый голос будет услышан.

Первоначально эта история появилась в выпуске журнала American Artscape (NEA Arts) под названием «История нашей культуры: место художника в обществе».

Обзор

: В потрясающей новой ретроспективе LACMA Барбара Крюгер исследует водоворот современных СМИ

Барбара Крюгер умеет обращаться со словами.Большие, смелые, часто визуально громкие слова.

Крюгер сочетает исключительные навыки графического дизайна с глубоким знанием структурных сложностей искусства и языка, не говоря уже о медиа-водовороте, в котором живет современная жизнь. В течение 40 лет художница из Лос-Анджелеса исследует социальный, культурный и политический ландшафт, ловко сочетая проницательность и остроумие.

Не новичок в городских музеях, где ее работы были широко представлены в Музее современного искусства (потрясающий обзор середины карьеры 1999 года, плюс две острые фрески здания), Музее молота Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе (яркая входная инсталляция 2014 года) и Лос-Анджелесе Художественный музей округа Анхелес (несколько менее успешный заказ 2008 года для трехэтажной шахты лифта внутри BCAM, слишком загруженный для доступного места), художник теперь является предметом сокрушительной ретроспективы LACMA.

В названии шоу «Барбара Крюгер: Думая о тебе. Я имею в виду себя. Я имею ввиду тебя.» (с крестиками над «ты» и «мне»), двусмысленные сдвиги, которые рикошетят между личными местоимениями «я», «ты» и «мне», открывают пространство прозрачности, в котором художник сообщает зрителям, чтобы они были осторожны. за скользкость того, что они собираются увидеть. Кто говорит, кто слушает и кто наблюдает — или извлекает выгоду — обмен мнениями не так ясен и прост, как можно было бы предположить.

Возьмите «Без названия (Правда)», цифровой отпечаток 2013 года на листе винила высотой почти шесть футов и шириной 10 футов.Пара рук разрывает тянущийся эластичный бинт со словом «правда», написанным заглавными буквами обычным шрифтом Helvetica. Где-то между рекламным щитом и настенной росписью знак сбивает с толку продуктивным и пробуждающим образом.

Является ли эластичность факта, реальности или достоверности предметом срочной проверки? Казалось бы. Красное слово, напечатанное на ярко-зеленом поле, вызывает звенящую хроматическую динамику противоположностей на цветовом круге, создавая чисто визуальное ощущение тревоги.

Руки принадлежат бизнесмену, судя по манжетам рубашки и пиджаку. Так является ли это сознательной ссылкой на способность патриархата определять — и манипулировать, искажать или искажать — истину?

Блестящие ногти ухожены и полированы, что является явным признаком социального класса, в то время как функция компрессионной повязки состоит в том, чтобы перевязывать раны и способствовать их заживлению. Нарушило ли реальность господство мужского корпоративного изобилия?

Этот бинт растягивается и скручивается, но плоское, чистое, ярко-красное слово ничуть не деформировано и не деформировано.Является ли незыблемой истиной та, что изображена в тщательно созданных образах Крюгера, поверх которых она наложена?

Барбара Крюгер, «Без названия (Навсегда)», 2017, цифровая печать на виниловых обоях и напольном покрытии.

(Museum Associates / LACMA)

Пол галереи, на котором установлена ​​работа, еще больше путает сообщение. Поначалу загадочные описания невидимых изображений представлены в виниловом тексте от стены до стены, состоящем из белых букв на красном фоне. Все относится к человеческому телу.

«Рвотное тело, которое кричит: «Поцелуй меня».

«Молющееся тело, которое шепчет: «Спаси меня».

«Оцепеневшее тело, которое бормочет: «Ударь меня».

Текст, напечатанный на полу большой комнаты, можно прочитать, только перемещаясь по пространству и бросая беглые взгляды между ног других посетителей музея. Их физические тела — и ваше собственное — переплетаются с этими изобразительными отсылками к телесному опыту, принося домой призрачную, бестелесную картину.

Бестелесный опыт теперь стал обычным явлением в современной жизни — это правда — это может подтвердить каждый, кто смотрит в мерцающий свет экрана мобильного телефона.(«Чувство — это то, что вы делаете руками», — настаивает еще один большой цифровой отпечаток на виниле, на котором изображена изящно ухоженная женская рука, парящая над смертельно опасным рентгеновским снимком костей скелета.) Одно из основных отличий этого исследования от МОСА Крюгера в середине его карьеры. ретроспективно почти четверть века назад состоит в том, что за это время вселенная аналоговых изображений почти полностью трансформировалась в цифровую.

Крюгер пересматривал и корректировал вещи соответствующим образом. Отличительной особенностью ее работы является то, что она начинает с визуальной среды, уже знакомой аудитории.Она не жалуется и не уклоняется от контекста СМИ, вместо этого распаковывает его для нас.

Родившаяся в Ньюарке, штат Нью-Джерси, в 1945 году, Крюгер ненадолго посещала художественную школу, получив большую часть своего медиаобразования благодаря сочетанию практического опыта и независимого любопытства. Она много читала, работая в Нью-Йорке в качестве графического дизайнера и фоторедактора для коммерческих журналов, включая Mademoiselle и House & Garden.

Барбара Крюгер, «Без названия (Почему только нерожденные имеют право на жизнь?)», 1986, фотография и набор на бумаге.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Через бульвар Уилшир от LACMA, на выставке в галерее Sprüth Magers, 20 коллажей для работ начала 1980-х годов, которые сделали ее знаменитой, представляют собой прямолинейные наклейки, подобные тем, которые когда-то регулярно используется в коммерческих публикациях. (Коллажи были показаны в рамках ретроспективы во время ее дебюта прошлой осенью в Художественном институте Чикаго, но в LACMA не хватило места.) В основном она использует вариации шрифта без засечек под названием Futura, созданного в 1927 году немецким дизайнером Полом. Реннер, впоследствии преследуемый нацистами.Среди коллажей есть некоторые из ее классических произведений, в том числе наклейки, заявляющие: «Ваше тело — поле битвы» и «Почему только нерожденные имеют право на жизнь?»

В конце 1970-х она начала использовать приемы абстракции и типографской эксцентричности, впервые использованные Александром Родченко, Варварой Степановой и другими представителями русского авангарда начала 20 века. Их блестяще-авантюрная графика была «Пощечиной общественному вкусу», как выразился поэт Давид Бурлюк в манифесте 1917 года.

Крюгер, однако, избегает таких оппозиционных позиций. Вместо этого она использовала поп, минималистское и концептуальное искусство непосредственно предшествующего поколения, чтобы понять и подвергнуть сомнению, по ее словам, «системы, которые содержат нас».

Эта стратегия не только оказалась успешной, но и вдохновила легионы подражателей-любителей. В остроумной открывающей галерее шоу их множество.

В последние годы цифровая трансформация общества означала переосмысление старых работ для новых цифровых презентаций. В шоу есть много примеров — среди наиболее эффективных — видеоверсия «Pledge» 1988 года 2020 года, которая длится чуть дольше минуты.

Вместо того, чтобы исключать и заменять слова в Американской клятве верности статической графикой, как редактор с синим карандашом, вычеркивающим текст до тех пор, пока не будет найдено нужное слово, она оцифровала развивающийся процесс. Под безжалостный ритмичный ритм саундтрека на видеоэкране разворачиваются слова.

Начиная с «Я клянусь в верности», последнее слово заменяется последовательностью «приверженность — обожание — тревога — изобилие — я клянусь в верности флагу…» Вы продумываете клятву, которую, вероятно, можете произнести наизусть, спотыкаясь. через непризнанные чувства и, в других местах, как текст продолжается, даже шокирующие жестокости и фанатизм.Наконец, вы приходите к более полному пониманию своего участия в построении общественного договора.

Цифровая эфемерность сталкивается с «Правосудием», инертной статуей 1997 года из окрашенного в белый цвет стекловолокна. Силач ФБР Дж. Эдгар Гувер, известный тем, что использует секретные файлы о незаконных сексуальных действиях для контроля над политиками, изображен с закрытым адвокатом-гомосексуалистом Роем Коном, жестоким наставником Дональда Трампа, который организовал массовое увольнение государственных служащих-геев во время раннего президентства сенатора Джозефа Маккарти. 1950-е «Лавандовый страх.

Барбара Крюгер, «Правосудие», 1997, крашенное стекловолокно.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Композиция Крюгера напоминает знаменитую фотографию Альфреда Эйзенштадта 1945 года, на которой моряк целует медсестру на Таймс-сквер в День виджея. Гувер и Кон, одетый в юбку с американским флагом и туфлями на высоком каблуке, вот-вот сомкнутся губами в любовных объятиях.

«Правосудие» издевается над праздничной позой Эйзенштадта. Возврат к нетронутой американской неоклассической скульптуре 19-го века, которая идеализировала ценности морали и добродетели, статуя утверждает, что освобождение от фашистской угрозы вряд ли всем понравилось — ни тогда, ни сейчас.

Выставка была организована совместно Художественным институтом Чикаго, Нью-Йоркским музеем современного искусства (куда она отправляется в июле) и LACMA, где ее курируют директор Майкл Гован и куратор Ребекка Морс. Довольно компактный в своем нынешнем воплощении, в котором всего 33 работы, он включает в себя печатные виниловые панели, полноценные инсталляции, одноканальные видеоролики, масштабные светодиодные видеоролики и обои.

К нему прилагается каталог с двумя необычными функциями — обе ценные.

One — это захватывающая 12-страничная вступительная серия документальных фотографий фресок Крюгера, рекламных щитов и дизайнов журналов, относящихся к периоду закрытия пандемии COVID-19 и месяцам общественных протестов после убийства Джорджа Флойда.Смущает то, что вооруженные солдаты патрулируют перед фреской Крюгера MOCA, размышляя о том, «кто вне закона».

Другой представляет собой 30-страничную заключительную последовательность ранее опубликованных эссе различных авторов, которые Крюгер использовала в качестве учебного плана, когда она много лет преподавала в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе.

Comments